(Lee Friedlander (c). New York City 1966)

Hablaré hoy de un extraño rito que acontece dos (o cuatro, no me acuerdo) días al mes en la agrupación fotográfica a la que pertenezco. Este rito llamado  EL MENSUAL propone la muestra, por cualquier participante de forma voluntaria, de un número de fotografías de las cuales el “pueblo soberano”, de forma democrática, elegirá una para engrosar el plantel de una futura exposición.
(Dejaré para otro día el plantear si el número de exposiciones fotográficas es excesivo y de Juanito se ha pasado a Don Juan.)
Se acerca el fotógrafo con su carpeta bajo el hombro hacia el atril y allí cuidadosamente deposita sus copias, normalmente con  passepartouts reciclados (para que las dimensiones de la foto acepten al marco y no al revés, primero fué el marco y luego la copia), el orden es importante, la orientación mas, dimensiones consonantes, apaisadas con apaisadas, verticales con  verticales, no mezclar blanco y negro y color,… Seguir leyendo »

Expuestos de forma cruel y constante ante una nueva promesa de cuadrar el círculo, ante la resolución de problemas que ni siquera sabíamos que lo eran y que ahora nos parecen horribles e insoportables.

Marionetas en manos de un mercado que crea, a un vertiginoso ritmo, supuestas mejoras y estrategias para su venta, que apuntan al sentimiento de posesión, de innovación del ser humano. Estar a la última, como si eso dependiera de los medios y no de las mentes, ahí es donde atacan de forma impía, creando nuevas necesidades, haciendo que algo parezca imprescindible cuando no lo es. Seguir leyendo »

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

Para Julián Barón hacer fotos debe de ser algo muy fácil, una actividad fluida y debe ser así por la manera en la que consuma sus capturas, por la manera en la que complica lo sencillo y encuentra detalles en lo habitual. Los detalles, los detalles lo son todo, lo inundan todo; son los que hacen que fotografías en apariencia sencillas nos sumerjan en un ambiente, los que describen la luz que en una tierra brilla, son los que me hacen querer saber que existe detrás de una cortina blindada de rojo.

JULIÁN BARÓN.

Castellón, 1978. Fotógrafo. Coordinador de la Escuela Blankpaper en Castellón. Profesor de Fotografía Documental.

http://www.julianbaron.com

¿Qué supone para ti el documentalismo?

¿Documentalismo? Creo que este término es una forma más de intentar clasificar todo lo que el ser humano tiene en sus manos. Parece ser que clasificándolo todo, somos y tenemos mejor conocimiento sobre los temas. ¿No sé por que?
Sin duda una fotografía o un proyecto fotográfico (reportaje, ensayo…) debe de generar una reflexión, sino da igual que sea documental, artística, foto periodística, de autor… y otros mil millones de clasificaciones mas.
No me gusta clasificar. La fotografía es fotografía, y toda tiene un sentido y una vía de escape hacia el espectador, que debe reflexionar también acerca del mensaje que se le transmite.

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” Reportaje documentado sobre un tema en concreto, que ha sido planteado como un proyecto a largo plazo y no necesariamente a acontecimientos actuales. La selección de temas, la presencia subjetiva y la dedicación del fotógrafo contribuyen a la eficacia del proyecto.”
Arianna Rinaldo, Magazine Ojo de Pez, 02.

(Esta definición me parece perfecta salvo por la omisión de la fotografía de viaje con vocación documental, los “journeys“)

El término documento o documental fué acuñado por el cine para designar un tipo de trabajo no basado en la ficción o la fantasía sino en sucesos o hechos, ilustrados sin unas reglas fijas y con la utilización de todas las herramientas de expresión posibles.
Posteriormente fué acogido este término por la fotografía, con el mismo sentido, siendo visto desde la distancia por la mayoría de fotógrafos y considerada durante mucho tiempo como la hermana pequeña de la fotografía “fine art”, como hermanastra de las fotografía “que se hace”.

Transcurre el tiempo hasta la aparición necesaria de una primera crisis documental. necesaria digo debido al uso reiterado de una misma temática, y de la misma forma de mostrarla. Unido esto también al abuso del blanco y negro y de un formato cinematográfico casi impuesto. El fotógrafo se revela contra unos contenidos faltos de originalidad, excesivamente trillados y sobrios; y apuesta a su vez por el uso del color y por toda clase de formatos (se rescata el gran formato). Seguir leyendo »

Imaginemos la habitación de un hospital, uno cualquiera, uno de esos encargados con el fin de la tristeza, enmarcados en gris.
Un hombre joven que se sabe muerto alterna las horas en las que no dormita entre el ejercicio de la mirada a través de la ventana y el dolor.
A escasos metros de allí , en el edificio donde se suelen repartir las alegrías, hace unas horas que nació un bebé, uno precioso, un bebé hermoso de cuatro kilos, la piel rosada y la cabeza llena de pelo, uno de esos pocos a salvo de los comentarios de marujas malcaradas.
Estas dos historias, estos dos momentos tan diferentes que conviven en el tiempo se entrelazan mas allá. El abuelo está muriendo y el nieto nace, un abuelo nervioso por saber como va todo,  si su nuera está  bien y ha sufrido lo justo, si su nieto nació sano, por saber si  es llorón, si es rubio y fuerte como él.
Y ese nexo lo encontramos en una abuela que recorre apresurada los pasillos plagados de padres risueños, pasa por delante de la cafetería con insoportable olor a fritos y café malo, con una carpeta entre los brazos mirando hacia adelante para no ver ahora a los que vienen a despedir lo que mas querían, a los hijos que creen que su padre o su madre, está preparándose para viajar a un cielo que no imaginan.
Tantea el pomo que abre la tumba y forzando la sonrisa entra, apretando los dientes para no llorar al ver lo que queda del gigantón que fué. Con cuidado extrae de la carpeta una fotografía que nuestro hombre recoge  para su escrutinio pausado, disfrutando sin disimulo los detalles que le ofrece.
Aquel será su único contacto con su nieto, nunca lo verá, no tendrá tiempo.

Dejemos de imaginar entonces, por que lo que aquí se cuenta no hace mucho ocurrió.

Cogemos la fotografía y observamos una parte de ese otro mundo que existió. A la izquierda y a la derecha había mucho más. Arriba y abajo no sabemos qué fue lo que no se mostró pero conseguimos imaginarlo. El encuadre nos enseña una pequeña parte de lo que hubo pero también nos sugiere lo que no vimos. El fotógrafo nos empuja a través de su imagen para “tropezarnos” con aquello que le llamó la atención. Pero podemos ver más, mucho más.

Cuando leemos un libro nuestra imaginación crea la escena, completa la descripción física del personaje y proporciona la interminable colección de detalles que “suceden” en ese momento preciso que el autor describe. Con el fotograma hacemos lo mismo: vemos, observamos, imaginamos y construimos la realidad a la que nos estamos asomando. El fotógrafo ha creado una mensajera, es el padre de la fotografía. Y esa mensajera es tan rápida y tan eficiente que en apenas un instante nos regala un mensaje. Esa imagen no es el fin de la comunicación entre fotógrafo y observador; ni siquiera es el objetivo que persigue el autor. Es el libro que debemos leer; es la canción que debemos escuchar, en definitiva, es la ventana que debemos abrir para asomarnos y ver.

Muchas veces pienso que la fotografía es una pieza de un inmenso puzzle. No es ni la pieza más importante ni la menos necesaria. Es exactamente igual que las restantes 999 que completan el mosaico. Una pieza más que recoge un significado concreto de un mensaje global, inmenso y maravilloso que nos toca descubrir.

La crisis (silla) 2008.

Copia a partir de archivo interpolado proveniente de una cámara digital con resolución de dos megapixeles. Impresión gliceé sobre papel El Galgo. 5 ejemplares, precio según disponibilidad, si hace falta se sacan mas.

Crítica de la obra:

” El artista pretende ilustrarnos sobre la creciente crisis actual, poniendo como ejemplo la venta del mobiliario de madera noble de su casa y su sustitución por sillas de loneta del carrefour. Para ello no pretende influir en la captura y opta por una visión frontal del objeto haciendo que la silla parezca una silla y no un sofá o un dálmata de porcelana, respetando así la objetividad de la escena y apartando el velo de la mirada del espectador “.

Por cierto las gafas de pasta que debo cambiar semanalmente cuestan un dinero y debo financiar mi verborrea realizando obras de gotelé megalómano y con sus agradecidas aportaciones a mi cuenta paypal, nadiemeentiende@hotmail.com.

La pareja fotográfica Bleda y Rosa ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía 2008 otorgado por el Ministerio de Cultura. He de reconocer que desconocía a ambos autores por lo que he tenido que buscar para ver algo de su obra, y por lo que he visto, su trabajo se centra en lugares concretos que tuvieron algún tipo de relación con la historia y acontecimientos.

Me ha resultado curioso que los propios autores no estuvieran de acuerdo cuando el jurado ha argumentado el galardón en que “representan la renovación de uno de los fundamentos del medio fotográfico, la fotografía documental”, cuando los autores han comentado que ellos no han inventado nada.

Para ser sincero y sin entrar en la calidad de la obra de los premiados, me hubiera gustado que en los últimos años se reconociera a grandes fotógrafos de este país, que por su trayectoria y longevidad bien merecen este premio. Habrá que esperar otro año más

Bleda y Rosa | Web
Ministerio de Cultura | Premio Nacional de Fotografía

Leí el otro día un comentario de Victoriano sobre sus fotos, o más bien, sobre sus espectadores y a quienes se dirigen las fotografías. Me ha sorprendido la rotundidad de la afirmación del título, supongo que por distar de lo que pienso. Veamos…

Partamos de la base en la que tenemos nuestra fotografía y un espectador. Es evidente que cada uno tendremos una opinión diferente de la imagen, pero, ¿por qué? Pues por cómo sómos, cómo pensamos, nuestros conocimientos, nuestro estado de ánimo, etc… En definitiva, por todo lo relativo a nuestra psique. Todo esto básicamente es sobre lo que trata el ensayo sobre la Teoría de la Equivalencia de Minor White. En definitiva:

Fotografía + Persona mirando = Imagen Mental

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Es conocida como proporción áurea, número de oro, sección áurea, proporción divina, etc. Sea cual sea el nombre que utilicemos siempre nos estaremos refiriendo en última instancia al misterioso número phi (1,618…). 

Mi intención en este artículo es la de generar un debate sobre el efecto visual de la proporción áurea en la fotografía. Considerar si este fenómeno maravilloso y a la vez mágico del número phi puede interpretarse como una regla fotográfica a seguir o una simple ecuación matemática inevitablemente presente en el arte.

Pero, ¿qué es la proporción áurea? Dicho en una única frase, es la relación fantástica entre los números y la belleza.

Cuando al matemático griego Euclides le dio por trazar una línea y segmentarla de tal manera que cuando el segmento total es a la parte mayor como la parte mayor es a la menor, estaba cimentando una proporción geométrica que posteriormente se manifestaría constantemente.

A principios del siglo XIII fue el matemático italiano Fibonacci quien presenta una sucesión numérica con unas propiedades sorprendentes entre las que destaca la obtención del número de oro 1,618… Investigadores fueron luego encontrando esa proporción exacta en una infinidad de hechos naturales como la disposición y número de los pétalos de las flores, la distribución de hojas en un tallo, la distancia entre las espirales de una piña, la relación de distancias en las espirales de las conchas de los moluscos, etc, etc. Pero no sólo se descubrió esta proporción en la naturaleza sino que también se encontró en el ser humano, en la escultura, en la música, en la arquitectura y prácticamente en todas las facetas artísticas.

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