Descubrí la obra de  Enric Montes (Barcelona, 1969) casi por casualidad, en un momento en el que estaba hastiado de casi todo lo que veía. Accedí a un enlace donde se mostraban unas fotografías que causaron en mi una sorpresa inmediata y creciente, en gran parte porque me era imposible definir lo que estaba viendo. La curiosidad guió mis pasos y quise contactar con su autor para saciarla.
Tengo ahora el placer de mostrar la entrevista generada tras mi acoso inicial y a la que Enric accedió amablemente.

Enric, cuando veo obras como la tuya (no es que haya visto muchas), no sé si de manera forzada, pero veo también una manera de huir de la vía normal, o la que normalmente se asocia con trabajos de calidad. ¿Eres  capaz de definir o encuadrar tu obra en alguna corriente fotográfica? ¿Eres consciente de que la vía del documentalismo está siendo demasiado explotada?

Creo que no es a mí a quién corresponde encuadrarme en algún movimiento o corriente. En alguna ocasión me han comentado que mi trabajo les parece diferente a todo lo que han visto hasta ahora pero no creo que eso sea totalmente cierto y tampoco sé exactamente donde ubicarlo. Lo único claro es que no está en la línea de las que parecen ser las tendencias dominantes actuales en fotografía, pero no es una cosa que tenga presente y que me preocupe, pienso que si eres honesto (contigo mismo y con los demás) y crees en lo que haces al final encuentras tu público. Si se siguen las tendencias todo el mundo acaba haciendo lo mismo y por eso la sensación de deja vu que provocan muchos de los trabajos actuales, con imágenes casi clónicas en algunos casos. Creo que lo importante es encontrar tu propia voz.

Tus fotos en mi opinión participan principalmente de una experiencia visual, si no entramos en las connotaciones personales que puedan tener. ¿Crees que existen otras experiencias fotográficas que no necesariamente tienen que ver con el contar algo? ¿Consideras que existe poca valentía a la hora de reivindicar una fotografía puramente estética que no participe necesariamente de un mensaje?

Toda imagen siempre cuenta algo, otra cosa es que el mensaje sea más o menos explícito y llegue al que la mira; en todo caso lo primordial está en las reacciones que esa imagen provoca  en el espectador, qué le sugiere, a donde le lleva,… pues está claro que de una misma imagen pueden hacerse lecturas distintas y no siempre complementarias (en prensa podemos ver ejemplos de ello a diario).

En mi caso prefiero evocar o sugerir y que la gente pueda hacerse suya la imagen desde diferentes perspectivas.

Al menos yo lo prefiero así como espectador, que no me lo den todo hecho y que pueda intervenir con algo propio en la lectura de la imagen. Hay una cita de Sarah Moon al respecto que quizá ilustra mejor lo que quiero decir: “Busco una imagen con un mínimo de información y referencia, una imagen no situada y que pese a todo me hable, que evoque lo que pasó y lo que va a pasar después”.

Acerca de la interesante relación entre entre palabra e imagen. ¿Calificarías tu obra como metafotografía? Para mi sí lo es, es fotografía que se basta a sí misma y que no necesita de las palabras ya que no podrían abarcarla.

… si tu lo dices,… me parece halagador,… a veces veo mis imágenes como el principio de posibles relatos, que su carácter evocador puede convertirlas en contenedores de historias,… diferentes según el espectador; y esa faceta de mis fotos me gusta, es como si ofrecieras ventanas y la gente pudiera ver cosas distintas al asomarse.

¿Has pensado alguna vez que tu alejamiento del documentalismo tipo supone una renuncia (seguramente en tu caso placentera) a ser considerado lo que la mayoría considera un fotógrafo “serio”?

No acabo de entender muy bien lo de fotógrafo serio, me parece una categoría más que discutible, no sé si has querido decir profesional, de éxito, reconocido… no sé a qué te refieres en concreto.

De todas formas no creo que por alejarte del documentalismo la obra sea minusvalorada. Cada uno recrea la realidad a su manera y hay fotos que te dejan indiferente y otras que te subyugan de una manera inmediata, independientemente de la corriente o estética a la que pertenezcan.

Mi alejamiento del documentalismo no tiene que ver con ninguna renuncia, yo no renuncio a nada, simplemente traduzco situaciones y vivencias en imágenes,… y no me preocupa saber si los demás te consideran serio o no.

Para mi un fotógrafo serio es aquel volcado plenamente en lo que hace, pero es cierto que la creencia generalizada es adjetivar como tal al reportero en detrimento de otras vías.

Sigo sin aclararme mucho, ¿La gente considera que un fotógrafo serio ha de comportarse como un fotorreportero?, Lo siento, pero… ,¿Eso es tener una visión muy limitada de la fotografía, no?

Me interesa mucho conocer tu proceso de búsqueda, pues no pareces necesitar de escenarios exóticos o lejanos. También sobre el modo en el que disciernes la importancia de lo que tienes delante. Entre fotógrafos se valora muchas veces la dificultad para conseguir la fotografía que estamos viendo y para mi la dificultad máxima es la de conseguir ver donde nadie mas vió nada. ¿Cómo escudriñas ese paisaje doméstico en el que pareces moverte? y ¿Qué grado de significación personal hay en tus fotos? 

Yo no salgo a hacer fotos, voy siempre con la cámara. Vida y fotografía van íntimamente relacionadas, de tal manera que cualquier espacio o situación cotidianos son susceptibles de ser fotografiados en cualquier momento. El estado de alerta determinará si el día es más o menos provechoso, aunque también es verdad que a veces la realidad se exhibe y lo fotografiable se te presenta de una manera clara y palpable,… lo tienes delante sin buscarlo. Ambas situaciones, las búsquedas y los encuentros, se intercalan continuamente pero en general si miras tu entorno con la actitud adecuada constantemente aparecen imágenes significativas. Sobre este tema I.Calvino comenta que excepcionalmente, y cuando menos se lo espera uno, parece como si la realidad quisiera ser mirada, como si de las cosas partiera una señal o reclamo.

El hecho de ir tomando notas con la cámara determina que al final los proyectos puedan tener un cierto aire autobiográfico, y que según las circunstancias ciertas imágenes adquieran resonancias más íntimas y personales, pero el tono final del proyecto no lo circunscribo a la esfera individual y sí a un carácter más genérico de aventura cotidiana, de experiencia surgida de mirar el mundo con otros ojos. Hay imágenes que me trasladan a su génesis, me recuerdan infinidad de sensaciones y con las que tengo implicaciones emocionales, pero por otro lado tengo que reconocer que también existen las que ni tan siquiera recuerdo dónde están hechas. Todas se van acumulando de manera individual y no es hasta más tarde, a la hora de articular el libro, cuando ilustro de manera global y evocadora las experiencias.

Cuando conozco un nuevo fotógrafo, me gusta compartir la experiencia con la gente que me rodea y he de decir, para que no todo sean halagos, que las opiniones son muy distintas, desde el que quedó maravillado como yo, a una amiga que dijo que los libros parecían formados por los descartes. Eso si, no he visto  a nadie que muestre tibieza ante ellas. ¿Encuentras reacciones de ese tipo, tan diferentes,  ante tu obra? ¿De que parte han venido los mayores halagos y las peores críticas (si las ha habido)?

La verdad es que sí, las reacciones que han surgido a lo largo de estos últimos tres años, que es cuando todo comenzó a tomar forma y se imprimió el primer libro, han sido de lo más variopinto, como también lo ha sido el público al que ha sido mostrado el proyecto; y esas reacciones abarcan todo el espectro existente entre la indiferencia más absoluta y el entusiasmo más desaforado. Hay personas a las que parece que enseñes un libro en blanco y otras en las que ves al instante cómo les cambia la cara  y despegan a través de tus fotos. Un aspecto muy importante en este tema es el tiempo dedicado a observar las imágenes y el lugar o circunstancias en las que enseñas tu trabajo. La sobreabundancia actual de imágenes no ayuda a que la gente se tome el tiempo necesario que puedan necesitar ciertas propuestas, pues hay fotografías en todos lados y a todas horas y las consumimos rápido y en gran cantidad.

En cualquier caso las opiniones son particulares e individuales y no están sujetas a la pertenencia de las personas a un sector en concreto,… pero sí, ha habido de todo y ha sido bueno que así fuera porque afianza tu opinión de que no puedes hacer las cosas pensando en los demás.

¿Por qué crees que existe una diferencia tan grande de valores entre (son categorías muy arbitrarias) pongamos la fotografía concursística o de masas, la fotografía de y para fotógrafos o la fotografía contemporánea o de galerías?

Porque son distintos públicos y mercados fotográficos, independientes unos de otros y cada uno con sus grados de valoración y sus reglas del juego. El valor de la fotografía como objeto o pieza de mercado siempre es un añadido impuesto desde fuera y depende de unas normas no siempre inteligibles.

Me interesa conocer la manera en la que estructuras y formas tus libros y si es una acción a posteriori o si vas buscando entorno a la serie con la que estás trabajando y también saber mas sobre la manera en la que estas series toman sentido. ¿Son estructuras sentimentales, estilísticas, temáticas? ¿Cuando te diste cuenta de que manejabas material de calidad, que tenías algo que merecía ser mostrado?

La trilogía El buscador de prodigios abarca unos once años de trabajo durante los cuales ha ido tomando forma lenta y pausadamente. Simplificando un poco, los ocho primeros han sido el tiempo de disparar y recolectar gran parte del material y los tres últimos han sido los de la publicación en libro de las series, aunque nunca he dejado de tomar fotos durante todo el proceso. Existen unos leitmotivs que son el punto de partida y sobre los que gravita todo lo que hago, a partir de ahí organizo el material y estructuro el proyecto. La génesis de los proyectos no siempre es la misma y puede variar de uno a otro.

En ocasiones parto de una frase, texto o idea y busco las imágenes que creo son más fieles al sentido que ese texto tiene para mí o que mejor encajan en la idea del proyecto; otras veces existen series abiertas desde largo tiempo atrás en las que piensas que puede tener cabida lo que estás disparando en ese momento. Pero nunca salgo pensando en que tengo que hacer un tipo determinado de imagen porque nunca sabes lo que te vas a encontrar. La articulación del proyecto es posterior según el material disponible. Además soy de los que deja reposar las imágenes durante largos períodos, a veces años, y si al cabo del tiempo esa imagen encaja y sigue funcionando la incorporo al proyecto en el que esté trabajando en esos momentos; en cambio otras no aguantan el paso del tiempo y caen en el olvido.

Si no estoy equivocado, has creado tu propia editorial, me gustaría saber si nació debido a la imposibilidad de sacar esos libros recurriendo a otras editoriales o si lo planeaste así desde el principio.

 Yo simplemente he autopublicado mis libros, no he creado ninguna editorial. Desde siempre he apreciado la intimidad que dan los libros, con ellos he podido realizar continuas lecturas más pausadas e intensas de la obra de los autores que me han interesado. Muchas veces aprecias detalles que son más fáciles de pasar por alto en las incomodidades de una exposición.

De hecho las series están estructuradas y pensadas para el formato libro como destino, pues éste reúne toda una serie de cualidades que lo convierten en una potente herramienta de difusión de tu trabajo; es más fácil de mover o enviar, llegas a más lugares y lo ve más gente, y además también es una manera de que se pueda ver el proyecto completo. Con los medios y avances actuales cada día es una opción más fácil y asequible de realizar, por lo que una buena edición no tiene porqué superar el coste económico que supone producir con calidad el material para una buena exposición.

Aunque todas ellas son razones que han contribuido en la actualidad al auge de la autoedición de libros de fotografía, no hay que olvidar la principal: si no te lo haces tú no te lo hace nadie.

Son multitud la cantidad de fotógrafos que conozco que quieren publicar su obra en libro y que buscan financiación exterior para producirlo,… y la demanda excede en mucho a la oferta. En mi caso vi claro desde un principio que había que concentrar los esfuerzos en la realización del libro en sí y no perder tiempo ni energía en otras cuestiones. De esta manera; y con la ayuda de algunos amigos con criterio que te dan su opinión, aunque finalmente tú tengas la última palabra en todas las decisiones a tomar durante el proceso de realización; he podido publicar tres libros en los últimos tres años.

¿Qué importancia tiene para ti la copia impresa? ¿Es un destino necesario?

La copia impresa de la fotografía es un soporte tan válido como cualquier otro a la hora de difundir lo que haces. Aspectos económicos y de demanda determinarán si al final la foto acaba impresa en una copia fotográfica o no,… pero no entiendo que haya que cuestionarla como soporte. Lo que quizás ha cambiado respecto a tiempos pasados es que en la actualidad la impresión de la copia en papel en muchas ocasiones es el último paso a realizar, pues la imagen puede tener un recorrido previo de difusión más económico y útil por otros medios.

Son muchas las veces en las que he visto recalcar la necesidad de referencias para un fotógrafo, pero en tu caso esas referencias son difíciles de encontrar. ¿Te has visto influenciado por el trabajo de otros fotógrafos? ¿Por qué es difícil hablar de ti sin que aparezca el nombre de David Jiménez en la conversación?

Siempre estamos influenciados por el trabajo de otros aunque sea de una manera inconsciente o al menos no los tengas presentes a la hora de la captura. Las imágenes que consumimos entran a formar parte de nuestro bagaje como persona, de tal modo que podemos decir que somos lo que vemos, … o miramos.

En este aspecto, y sobre todo a un nivel formativo, creo muy importante visionar la obra de autores “clásicos”, ajenos al vaivén de las modas y con obras importantes que hayan sido significativas en la historia de la fotografía.

Yo tengo infinidad de referentes: Kertész, Gibson, Frank, Nozolino, Plossu, Moon, Vallhonrat,… y me dejo muchos, pero un error muy común es que los fotógrafos se alimenten sólo de fotografía, pues muchas veces las influencias mayores y más beneficiosas provienen de otros ámbitos y otras disciplinas artísticas (pintura, cine, literatura,…).

En mi caso puedo afirmar que ciertos escritores han determinado de una manera más profunda mi manera de ver el mundo que los propios fotógrafos; el cómo describen lo que ven, cómo dan la vuelta a las cosas, cómo se enfrentan a lo cotidiano, cómo introducen lo misterioso, lo extraño, lo evocador, lo paradójico e incluso lo lúdico en sus textos,…  Autores como Handke, Cortázar, Calvino, Borges, Vila-Matas,…  han sido y son capitales para mí a la hora de formar una mirada que me permita afrontar y entender el mundo tanto a nivel personal como fotográfico.

Cuando hace un par de años conocí a David de inmediato me sentí identificado con muchas de sus imágenes. Nos presentó una amiga común conocedora de nuestros respectivos trabajos y que enseguida percibió la existencia de conexiones. Siento un gran respeto por su trabajo, conecto muy rápido con su universo y además es una excelente y generosa persona. Si asocias nuestros nombres será porque quizás transitamos territorios próximos y al final eso incluso provoca que se produzcan ciertas coincidencias.

¿Crees que el tener unas referencias claras pueden coartar creativamente e impiden encontrar una vía personal?

Tener referentes siempre ayuda pero no debes ser fagocitado por ellos y has de tener tu propia mirada; de cada uno depende el transitar caminos trillados o dar un paso más allá y aventurarse por sendas más inexploradas. La relación con las referencias o influencias ha de ser similar a la que debe mantenerse con la técnica, una vez controlada y asimilada debes olvidarte de ella y debe proporcionarte seguridad y libertad de acción, nunca coacción.

¿Eres fotógrafo profesional? Si es así, tu trabajo normal es en un ámbito distinto al de tu trabajo de autor.  ¿Tu obra personal supone para ti una escapada o convives perfectamente  con ambas facetas?

Me hace gracia que en tu enunciado ya des por supuesto que no vivo de mi trabajo de autor,…  y tienes razón. El gran problema que supone tener una doble vida en este aspecto son las interrupciones en el proceso de tu trabajo personal…, pero mientras éste último no dé de comer no veo otro camino que compaginarlo con alguna actividad alimenticia, esté relacionada o no con la fotografía.

La fotografía acaba siendo casi una filosofía de vida y determina tu manera de percibir la realidad, y esa mirada la llevas siempre contigo, da igual lo que hagas y por donde te muevas porque siempre acompaña tus vivencias,…  pero claro que toca convivir, algunas veces menos amistosamente que otras,…  y el hecho de que nunca haya tenido un cliente que me dijera “Haz lo que quieras” los convierte para mí en ámbitos muy separados.

(Trilogía El Buscador de Prodigios. Enric Montes)

¿Cómo participas del mundillo fotográfico? Participas en talleres, charlas,… , o por el contrario prefieres prevenirte de sus  peligros (si consideras que los tiene).

En mi caso yo no participo mucho de la vida social fotográfica y desde mi época de formación académica casi no he realizado ningún taller. Ultimamente esta tendencia está cambiando porque al difundir los libros también te haces más visible socialmente,… pero en general las relaciones públicas no son mi fuerte.

El único peligro que puedo ver es que demasiada actividad social y demasiado fijarte en los demás te quite tiempo y te despiste a la hora de desarrollar lo tuyo,… pero de todos modos creo que tampoco hay que desaprovechar la oportunidad, cuando se da el caso, de compartir experiencias y escuchar a la gente que tiene cosas interesantes que decir.

Quise realizarte esta pregunta al inicio de la entrevista pero creo que este es su momento ¿Cómo definirías calidad fotográfica? o  ¿Qué condiciones crees tu que participan de la calidad en la fotografía?

No sé si puedo darte una respuesta satisfactoria a esta pregunta y cuando he pedido la opinión de amigos tampoco he obtenido respuestas taxativas,  pero presiento que lo que puede dar calidad a un trabajo no son aspectos tangibles o cuantificables, ni tan siquiera técnicos, y sí conceptos que no por manidos son menos importantes, como el rigor, la honestidad, el trabajo,… que al final den como fruto imágenes con la capacidad de comunicar y provocar emociones;… pues quizás las obras que nos remueven y nos atrapan sean las que nos generan más preguntas que respuestas.

Por último espero que hayas disfrutado tanto como yo de la entrevista o por lo menos que no la hayas sufrido y por supuesto agradecerte que accedieras a realizarla.

Gracias a ti por proponerla, ha sido divertido contestarla y halagador el haber podido provocar un interés tan profundo por mi trabajo.

(Books of Durer paintings. A book of books, Abelardo Morell)

Intentando crear  costumbre proponemos aquí una breve selección de los que han sido los mejores títulos de fotografía del año saliente.

Jos de Dalpine nos propone lo siguiente:

Ha sido un año en el que se han publicado muchos libros y no es fácil hacer una selección tan reducida sin que quede un poco cargo de conciencia por los que se quedan fuera.

Los cinco libros que me parecen los más interesantes del año son:

- Paloma al Aire de Ricardo Cases.

Maravilloso trabajo documental con un inconfundible estilo personal y

presentado en libro de espiral que recuerda a un block de notas. Sin lugar a dudas el mejor libro de fotografía español de la última década.

- Censura de Julián Barón.

Exploración en los límites de la fotografía para abordar la censura política española. Atrevido y provocador.

- Eden is a Magic World de Miguel Calderón

El autor nos volvió a sorprender con un libro cuya clave está en la edición y no en las fotografías. Un delirante entramado que nos

muestra el amor idílico de un joven coreano que se enamora de una actriz de una teleserie mexicana.

- Redheaded Peckerwood de Christian Patterson

Elegante ejercicio de edición que intenta acercarse a la mente de un asesino en serie. Excelente impresión y presentación.

- A New Map of Italy de Guido Guidi

Pura poesía visual. Publicado por la editorial de John Gossage, Loosestrife Editions.

(Agradezco a Dalpine  su inestimable y entendida  ayuda, una vez mas).

En mi  opinión,  este año ha sido el de las reediciones (Eggleston, Davidson, Koudelka, Smith, Sternfeld,..) como queda reflejado en mi selección. Prefiero pensar que ello se debe a un interés creciente en la adquisición de cultura fotográfica y menospreciaré mis bajos instintos sobre la cuestión; para calmarlos me apoyo también en los espléndidos libros que han nacido este año:

- El domador de sueños de Enric Montes. La continuación lógica de su trilogía El Buscador de Prodigios. Lógico es que continúe maravillándonos. Mi desconocimiento de su obra impidió su inclusión en la lista de 2010.

- Gitanos de Josef Koudelka.  Un título inolvidable, reeditado y espero que mi regalo de Reyes.

- Subway de Bruce Davidson. Otro libro al que solo podíamos acceder a costa de no pagar la hipoteca.

- Animals that saw me  de Ed Panar. – Sencillo, pero sorprendente ejercicio de humor.

- Bodas de sangre (Federico García Lorca) de Juan Manuel Castro Prieto. Proyecto resuelto de la mejor de las maneras (la maestría habitual). No es fácil acompañar las palabras del genio de Fuente Vaqueros.

Os  animo  a comprar y regalar libros de fotografía (también de lectura), nuevos, viejos, reeditados,…, siempre es un gozo compartir páginas con alguien querido.

Los estudiantes de jazz con problemas de ego tienen miedo de escuchar buena música.

Una vez estaba en la ciudad tocando con un gran grupo. Al día siguiente dí un curso en la escuela de música local para unas treinta personas y les pregunté si habían ido al concierto de la noche anterior.

Sólo tres levantaron la mano.

(…)

Seguramente si uno se dedica a autocomplacerse, evitará conocer a los grandes músicos. Músicos como estos prefieren el confort y la seguridad de su conejera.

¿Quién quiere admitir que odia escuchar a un buen músico? Lo cierto es que muchos encuentran este acto demasiado doloroso.

Kenny Werner, músico, extraído de  su libro Efortless Mastery.

No hace mucho daba una charla sobre fotografía, una de esas  que una persona con mas preguntas que respuestas no debería dar, pero bueno, al menos no cobro. Con su desarrollo aparecían fotos de grandes maestros de nuestra afición y se me ocurrió preguntar con cada ejemplo sobre su autoría. Salvo en una ocasión (solicité el silencio del acertado desde entonces) todas las preguntas quedaron sin contestar. Esto podría tener excusa al tratarse de recién llegados a la fotografía, pero en su mayoría eran aficionados, otros profesionales, con décadas de experiencia con la cámara. Podrían excusarse en la falta de tiempo, en las obligaciones diarias, en que la biblioteca cerraba por reformas,…, pero para muchos de ellos la razón de su silencio era mas grave.

Veo claro como el proceso normal de aprendizaje va  de la mano de la curiosidad, de saber y conocer lo que se ha fotografiado antes, de buscar referentes, de ver como distintos fotógrafos han resuelto temas o situaciones parecidas,…, esto forma parte del disfrute fotográfico, en mi caso tanto como el de la captura en si.

Pero son muchos los que se niegan a conocer, los que no indagan, pero no porque no lo hicieran en un principio sino porque este acto resultó excesivamente doloroso.

Darse cuenta de la gran cantidad de fotógrafos que hay, y lo peor,buenos, ¡prurito!, conocer nuevas formas de mirar,…, ¡prurito intenso!, unas nuevas prioridades,…, ¡dolor!, nuevas realidades, ¡gran dolor!,…, unos nuevos límites,…., ¡dolor insondable!

Otros asomaron las narices por la puerta de algún taller fotográfico y recibieron tal sopapo, en forma de crítica en las napias, que no han osado volver; o se dieron cuenta de que no necesitan la crítica satisfactoria de un prócer, pues con la de la de sus vecinos tienen suficiente para estar satisfechos y exponer en su localidad dos veces al año.

Es mas fácil convertirse en la medida de todo, ser el referente de uno mismo, creer que nuestros límites son los de todos; olvidarse de libros de fotografía, de las grandes exposiciones posibles a media hora de viaje. Es mas fácil y mas cómodo, reduce la ansiedad, anula la búsqueda, hace innecesario el esfuerzo.

¡La comodidad es el fin del hombre!

No seré yo el que defienda el formato del curso o taller, de hecho prevengo del cuidado que hay que tener en su elección si no se quiere formar parte de una venta de humo organizada; pero si estoy seguro de que para avanzar como fotógrafo hay que caminar con humildad, mostrar, recibir y recoger, sin caer en la obediencia, sin olvidarse de lo que uno quiere, porque al fin y al cabo las críticas recibidas suelen ser el recuerdo de las que una vez nosotros mismos nos hicimos.

Caminando apartados de la condescendencia y el masoquismo extremo (podríamos hablar otro día de un personaje fotográfico, el profesional del taller, el que no se pierde ni uno parece ser que buscando ser dilapidado), me parece la única manera de avanzar.

P.S. Título alternativo del escrito “Rapapolvo cuyo destino incluye al origen”.

Sunray, Texas, 1942. Jay Vachon

Recientemente se han hecho públicas, en forma  de libro, unas fotografías en color capturadas por el inefable Robert Capa. Escrutándolas, mi extrañeza crecía poco a poco, y desde el primer momento supe que no era por algo imputable a su contenido, sin embargo, no podía explicarla;  dar un motivo a esta sensación. Comprendí que me estaba enfrentando a un ataque directo y efectivo a mi comodidad, a lo que yo había concretado como la adecuada temporalidad fotográfica. La identificación, ahora manifiestamente errónea, de una época fotográfica con unas características estéticas.

Soldados senegaleses, Saint Ulrich. Paul Castelnau

No creo haber sido el único que ha escuchado alguna vez manifestaciones de algunos fotógrafos que renuncian al blanco y negro, para huir, según sus palabras, de la melancolía que acoge; tenida ésta como dogma impreso en los grises.

Pero cada vez son mas los ejemplos, que crecen mediante la investigación o con la  abertura, casi siempre casual, de cajones y maletas, que atentan contra lo que alguien postuló, y muchos dieron por cierto.

Rompen una linea espacio-tiempo artificial y lo hacen con la mas bella de las fracturas, exponiéndonos a un pasado que hemos alejado mas de lo debido, ayudados por su transformación albinegra  (sepiada, selenizada,…).  Es entonces, cuando dotamos al pasado de nuevos tonos, que vemos esos rostros dotados de los mismos colores que vemos en el espejo y el cielo pasado del mismo azul que tiñe el nuestro. En ese momento el gusano que teje el tiempo nos reúne con lo que vemos y los lustros, los decenios son reducidos a segundos.

Christina, 1913. Lt. Col. Mervyn O'Gorman

Los autocromos, los kodachromes de la segunda guerra mundial. las diapos de Capa, son  hallazgos que nos hermanan con el pasado y que desvisten al blanco y negro de una melancolía indeseada y falsa, que refuerzan mas si cabe sus capacidades estéticas y abstractivas, dejándolo avanzar; porque ahora el viaje es de ida y vuelta, y con cada hallazgo se afianzan nuevas rutas, una nos hermana con lo pasado y la otra nos devuelve lo perdido.

Kush Beggi, Bukhara, 1905-1915. Sergei Prokudin-Gorskii

Portugal, 2005. David Jiménez (c)

En nuestro intento de definir el cada vez mas famoso concepto de “educación de la mirada” hemos tenido la suerte de recibir las respuestas de David Jiménez (Alcalá de Guadaira, 1970), fotógrafo de un curriculum impresionante y conocido educador, tanto a nivel universitario como impartiendo muchos e interesantes talleres.

Quizá entorpeciendo vuestra lectura, me ha interesado sobremanera la manera de ver a un educador como alguien que necesita ser superado para realizarse.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Creo que no se puede definir qué es lo correcto.

Lo correcto sería quizá lo que funciona bien para que alguien se desarrolle de la mejor manera posible, y eso es distinto para cada uno.

En todo caso, encuentro positivo que la formación sea del interior de la persona, una educación que ayude a ser más reflexivos, a conocer más puntos de vista, a desarrollar la curiosidad y las ganas de ir más lejos, a ser más valientes, a trabajar disfrutando y por lo tanto, a trabajar mucho y bien. A quemar los estereotipos y las ideas preconcebidas sobre cualquier cosa.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Por eso creo que debe ser una educación muy abierta. Cualquier fórmula, cualquiera, que se de a alguien en cuanto a lo que debe hacer o dejar de hacer en su proceso creativo o en cualquier otra cosa, es veneno puro. Una educación que haga eso es pues, a mi modo de ver, perjudicial. Pero lo contrario podría ser bueno, incluso muy bueno. Eso creo.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

Personas generosas, que se hayan tomado la molestia de aprender algo en sus vidas, que deseen que sus alumnos sean mejores que ellos y les ayuden a serlo, y que hayan entendido algunas cosas fundamentales.

Por otro lado nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente a su  pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos creativos por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas (si bien son muchos los autores que lo han hecho anteriormente, véase Robert Frank, William Klein, Anton Corbijn).

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo, de hecho en el territorio entre los distintos medios aparecen con frecuencia obras maravillosas (aunque otras veces, soberanas tonterías: esto es como todo: depende de lo que haya en el interior de la persona, y de los objetivos que tenga. Si es quedar bien ante la sociedad y recibir aplausos, lo que sale de ahí ya se puede imaginar por sí mismo)

2. ¿La aceptación de esas limitaciones, es la aceptación del medio?

No creo que se deba aceptar ninguna aparente limitación, nunca. Muchas grandes obras creativas se han hecho precisamente poniendo en cuestión y rompiendo los límites establecidos, encontrando territorios nuevos y empujando esos límites un poco más lejos. Creo que es una parte importante de toda propuesta artística, y a la vez una metáfora de que también en la vida conviene desafiar los límites e ir más allá.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado? ¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Siempre existen posibilidades futuras. El problema es que no las vemos. Sabemos muy poco, pero sobre todo no tenemos ni idea de todo lo que nos falta por saber, y es mucho, muchísimo. Creo que es absurdo pensar que todo está inventado. Casi nada está en realidad inventado.

En cuanto a la segunda pregunta, en absoluto estoy de acuerdo. Precisamente los contenidos son más o menos los mismos desde hace unos cuantos miles de años. Las formas cambian, aunque también se repiten, y van y vuelven. Pero la forma es una inmensa parte del “contenido”. A mi modo de ver, el cómo es una parte muy grande, por no decir la fundamental, del qué.

Gracias a David por sus respuestas, mas si cabe teniendo en cuenta su apretada agenda. Espero que os sean provechosas.

J. Alfred Prufrock, 2010. Eduardo Momeñe (c)

Mucho se habla del concepto de “educar la mirada” de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.

“Mire usted, me he apuntado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?”  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

Sin ir mas lejos, varios han sido mis intentos infructuosos de encontrar una respuesta a lo que hasta ahora creía, un eslogan vacío. Puede que no recurriera a las personas indicadas.

De hecho esa era una duda mayor si cabe ¿Quién está capacitado para educar fotográficamente?, no sólo eso ¿Se debe proporcionar esta educación? ¿Puede coartar  esta educación la capacidad creativa y de expresión, en este caso de un fotógrafo? Seguro que hablando de educación, la mala, al igual que puede ocurrir en cualquier centro de enseñanza, puede tener efectos nefastos. La responsabilidad debe existir.

Para ello hemos buscado a aquellos que creemos pueden ayudarnos en esta búsqueda y encauzarnos por esta senda tortuosa de lo que debe ser una educación fotográfica completa. Así también consideramos que sería desaprovechar esta oportunidad el no interrogar también sobre la debatida existencia  de limitaciones en el lenguaje fotográfico y la creciente interacción de la fotografía con otras ramas artísticas.

Tenemos el honor de contar para esta primera ronda de preguntas con la amable participación de Eduardo Momeñe (Bilbao 1952), fotógrafo, docente, articulista, creador de la magnífica serie de televisión “La Puerta Abierta” y escritor de “La Visión Fotográfica” un libro que constituye el perfecto punto de arranque perfecto para emprender esta aventura que compartimos. Sus respuestas seguro serán de gran ayuda.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Sólo se puede educar la mirada si ya se tiene. Hay personas que tienen mirada fotográfica y otras no, hay personas que tienen buen oído y dotes musicales y otras no. Se puede estudiar música si se da lo primero. A partir de ahí, es cuando se puede trabajar la mirada, cuando ya existe. Se trata de averiguar, y lleva tiempo, si uno la tiene o la podría tener, o no.  La educación sólo es posible si ya está todo en uno, aunque todavía esté en estado bruto, o sin descubrir. La educación no va ser sino una manera de tratar de sacar lo mejor posible lo que ya está dentro. Hago hincapié en ello porque  es una pregunta que no siempre se hace. La fotografía es el producto de un pensamiento visual (es un pensamiento complejo) , y que será más potente si se desarrolla cultural e intelectualmente. En todo caso, son dos pasos, el primero sería comprender, saber leer fotografías, y a continuación, y sólo después, intentar hacerlas. Hay muchas personas que saben y comprenden muy bien el lenguaje fotográfico pero que serían incapaces de hacer una obra fotográfica. De alguna manera son dos profesiones diferentes. Es muy fácil verlo en extraordinarios galeristas que comprenden perfectamente el medio pero que son incapaces de hacer fotografías.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Lo correcto, en mi opinión sería, comenzar por comprender que la fotografía es un medio de expresión  de manejo complicado, bastante desconocido, y que exige un conocimiento de la manera en la que actúa. En esta dirección debe ir una educación apropiada. Mucha información. En fotografía se piensa muchas veces que no hace falta esa información. Sin embargo, es mucho lo que hay que aprender porque se trata de obtener un conocimiento del mundo, del arte, del pensamiento, de la cultura, etc… que es el que puede producir una obra fotográfica consistente.

Sin educación es difícil hacer algo. Quizás haya alguien que lo haya hecho pero no es un ejemplo para los que no tuvimos tanta suerte. Sí es importante la intuición, pero sin conocimiento, al igual que ocurre con la inteligencia, no vale de mucho.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

¿Quien lo enseña? Probablemente nadie, porque es un proceso lento, acumulativo, de bastante tiempo basado en un interés obsesivo. La fotografía no se enseña, simplemente se pueden recibir pautas, y que una mente con ganas, sepa atrapar. La fotografía se aprende desde todas partes, nadie nos va enseñar a hacer fotografías, simplemente nos pueden echar una mano, pero el aprendizaje es personal. Uno no es artista, simplemente hace cosas, y después si pasado el tiempo todo permite que haya un consenso de que esas obras que uno ha hecho , son obras de arte, quizás pueda pensar que es un artista. Robert Frank es un buen ejemplo. ¿Quien le enseñó a Robert Frank a hacer fotografías…  y a Paul McCartney a hacer canciones? Quizás sus amigos músicos, escritores… quien sabe, pero ya estaba todo dentro anteriormente.

Nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente al peso de su pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos  por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas.

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo que haya ningún tipo de limitación excepto las nuestras.  Desde mi punto de vista, viene una época apasionante, si no nos distraemos. Fotógrafos que van a hacer un cine diferente, fotográfico. Cineastas que utilizan la fotografía, escritores que hacen fotografías, fotógrafos que escriben. Ya está ocurriendo pero por alguna razón en ciertos ambientes aún se piensa que la fotografía debe ser hecha por mentes pictóricas, y que aquel arte conceptual de los 60 con malas cámaras de video y fotografías en blanco y negro expresamente hechas con indiferencia son algo distinto del arte conceptual de ahora, hecho en color en gran formato y con buenas cámaras.

2. ¿Su aceptación es la aceptación del medio?

Las fotografías ya no se van a hacer solamente para colgarlas en una galería como objetos decorativos, sino que van a formara parte de extraordinarias narraciones conceptual y visualmente elaboradas, véase video, libros,… Insisto en la escritura, textual, visual, fotográfica, cinematográfica. Robert Frank no hace cine -o video- y fotografia, Robert Frank escribe con diferentes herramientas. Por supuesto, es mi punto de vista, uno más en otros muchos.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado?¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Desde mi punto de vista, y por fortuna, el futuro de la fotografía es apasionante pero no gracias al Photoshop, ni a las representaciones de carácter simbólico (y pictórico) a gran formato, sino a la escritura, a la confrontación con la realidad mediante el lenguaje. Ahí está un documentalismo  de una potencia conceptual fortísima. Conocimiento en estado puro. Excelentes formas con contenidos inteligentes. El problema es que no es fácil.

Gracias Eduardo por sus respuestas. Os animamos a participar con vuestros comentarios.

“Y he aquí que estas alas que recuerdo remontando el vuelo, aparecen ante mi inmóviles, sostenidas por hilos invisibles como siempre imaginé, y todavía no puedo asegurar que esto que veo sea cierto.

Procuré tu derrota, ingeniando el dique que tu fluir detuviera, e inesperada mi pirríca victoria acaeció entre las láminas de este bisturí, que a ti tiempo, disecciona y almacena.

El gusto amargo del arrepentimiento abrazó un tiempo mis labios. Me preguntaba sobre mi derecho a desvirgar lo  que único y sutil ante nuestros ojos aparece, el derecho a cortar el vuelo de las cigüeñas e interrumpir la carrera de los zorros, a desposeer a lo visible de su momento y su lugar.

¿Debería serme permitido el escudriñar entre los límites del tiempo y la percepción?

Soy yo el que abre la veda, esa debe ser mi responsibilidad y puede que también mi pena.

Al fin y al cabo puede que todo forme parte de un sueño maravilloso y que ni el tiempo ni el movimiento existan.

Ahora lo único que lamento es no haber registrado la compañía de aquellos que amé y ya no existen, congelar sus risas, sus ademas, sus bailes, congelar su vida para que siempre me acompañen, su imagen no trascenderá mi memoria como su tacto no sobrepasó jamás mi piel.”

(Ottomar Anschutz inventó el obturador de cortinilla en 1882).

Hace un tiempo, quizás el mezclar arte contemporáneo, fotografía y moda era algo apasionante; meterse en un camino donde descubrir cuales iban a ser sus relaciones era algo excitante. Después de un tiempo, creo que todo esto se quedó en lo que tenía que quedarse, en las contradicciones típicas de nuestra sociedad.

Me condenaron, bueno, lo siguen haciendo las galerías de “arte” de este país; perdonen pero no encuentro otra manera mejor de describir lo que se expone en el 80% de las galerías sino con unas comillas para que cada uno lo adjetive como quiera o le convenga; a ser fotógrafo de moda. Es decir, que Moda como su nombre indica, era algo que no iba a resistir el paso del tiempo y que chocaba contra la intemporalidad del Arte. Resumiendo, que como yo utilizaba determinados vestidos en mis fotografías, éstas estaban condenadas a tener menos valor que otras; dicho en otras palabras, que esos vestidos o esa “moda” impedía ver lo que se contaba en la imagen. Eso a mí en ese momento me dolía mucho, porque realmente la “moda” que se veía en mis fotos me daba absolutamente lo mismo, yo quería crear imágenes y eso era una excusa. Bueno, lo que me daba y me da lo mismo es la moda del uniforme; esa que llevamos todos, todos los días y que sirve para reafirmarnos en la normalidad establecida. Esa que hace que el individuo se sienta confortable dejando de ser individuo. Y casi, por ese motivo, me quedé sin alternativa ni libertad para vestirme como quería, porque en el otro lado intentando luchar contra esto aparece otro uniforme, el del “artista” que quiere demostrar algo sin abrir la boca, que se diferencie bien del resto.

La moda, excepto determinados casos, hoy es aburrida y sobre todo rentable; como la sociedad en general. Me dijeron una vez con mucho acierto que hoy en día la gente muere a los 30 años y se la entierra a los 70.
Así, en este panorama la fotografía, la moda y el Arte se mezclan por interés. Ellas intentando ser reconocidas como arte a toda costa; el otro, dándole lo mismo la calidad con tal de ofrecer a compradores lo que demandan. Creo que por primera vez el Arte o el mundo del arte ha descendido de tal manera su nivel, que persigue a la sociedad; se adapta y se vende a ella. Ya ha dejado de ser la punta de lanza a seguir.

El Arte se ha convertido en moda; y por lo tanto,¿ porqué la Moda va a seguir dejando de ser Arte?

Algunos museos exhiben piezas y vestidos que para mí son Arte. Solo espero que esas galerías que me rechazaban por ser fotógrafo de moda, aunque ellas estén sujetas a la moda del arte; que es como decoración pero de un poco mas de nivel ;no se pongan como locas a presentar moda, porque si no, corremos el riesgo cuando paseemos por nuestras ciudades de no saber si lo que tenemos ante nuestras narices es galería, tienda de ropa o tienda de decoración; que por estilo están muy próximas. Muchas veces lo mejor de allí son los espacios; y más ahora que se vende por centímetro cuadrado; por metro cuadrado en el caso de las fotografías que son mas fáciles de reproducir; y por minutos en los videoartes; que ahora dejar la cámara fija es muy barato. ¿matarán estos videos y Youtube el cine?

Eugenio  Recuenco - eugeniorecuenco.com

William Eggleston (R)

Amanece y antes de que la luz sorprenda al asfalto ya estoy degustando una pulguita jamonera. Rodeado de corbatas sobrias y maletines vacíos de ilusiones, la barra abre un hueco a la esperanza y a la belleza de una melena roja que se sabe salvaje, ahora atrapada en un traje chaqueta.

Pateo las calles de este Madrid que adoro y que parece detestarme, que me expulsa de sus calles, que me enseña sus fauces de tierra y hormigón, que me obliga a ser veloz y a deambular en su laberinto improvisado de pasarelas y suelos falsos.

Los obreros de alma fluorescente recitan poemas vestidos de piropos al compás que marca el caminar de las caderas indolentes. La luz escapa ya, cerril, a sus límites  y ciega al que ose abandonar la lectura detenida del camino.

Y es entonces que me percato de que un apache con cara de suizo lleva tiempo siguiéndome, revelando su presencia en las esquinas y paradas de autobús, y corro, corro y me refugio en las catacumbas de la urbe, sin fé en la huida, para descubrir que bajo el asfalto, vive Eggleston.

——————————

Cabritos culturetas,

pedantes,

gafapastas que escuchan a Mecano en la soledad,

artistas, 

manipuladores de realidades,

galeristas-amiguistas, ¿algo mas bello que la amistad?

amantes de lo exiguo, de lo oculto en lo obvio,

enemigos de los foros virtuales (porque la teta que es virtual, ni es teta ni es ná),

voluntarios de camiseta rockera y bambas de skate,

adoradores de Ballen,

enemigos de la mella,

rescatadores de la cámara de su abuelo,

ni son todos los que están, ni están todos los que son, ¡Y que mas dá!

…

¡PHOTOESPAÑA!

¡Te  amo, de no existir tu invención sería obligatoria!

Probablemente el tiempo es una de las variables más importantes en fotografía. Todo lo que tratamos de reflejar en una imagen ocurre en un momento determinado. Puede ser apenas un instante o un tiempo más prolongado; todo depende de nuestras intenciones. Hacemos click y recogemos los acontecimientos que suceden a nuestro alrededor. Grabamos quizás el presente para convertirlo en pasado. Creemos que hemos atrapado una porción del tiempo pero nos estamos equivocando. No tenemos tanto poder.

El tiempo es una invención del ser humano. Es la manera en la que hemos querido ordenar los sucesos de nuestra vida. Sin esos sucesos, el tiempo no existe. Hemos escogido el giro completo de nuestro planeta para asignar el concepto de día a un movimiento. Si esa traslación de la Tierra no existiese, habríamos buscado otro patrón de medida. La colocación espacial de nuestras percepciones nos da la ilusión de que estamos viendo pasar el tiempo. De hecho se podría decir que sin sensaciones o pensamientos, no somos capaces de identificar tiempo alguno.

Los segundos, minutos, horas y días son componentes de una medida que pretende colocar en secuencia todos los sucesos a los que podría referirse el tiempo. Y si profundizamos un poco en esta idea de acontecimientos ordenados, tendremos que el futuro no existe puesto que “sus” sucesos aún no han sido situados en nuestra hilera de percepciones; y tampoco existe el pasado como referencia temporal porque estaremos mencionando un orden de hechos que nuestra memoria ha organizado a su antojo.

¿Qué pretendemos grabar en nuestras fotografías? ¿un presente que se nos escapa? ¿un pasado inexistente? ¿queremos quizás medir nuestro tiempo?

Hay una paradoja en fotografía que siempre me ha parecido intrigante. La nitidez en un retrato se va perdiendo a medida que aumentamos la exposición. Cuanto mayor es el tiempo que nuestra cámara se asoma al mundo, menos se aprecia la figura humana en la imagen. Se va difuminando y borrando de la escena hasta el punto de desaparecer del todo en exposiciones muy prolongadas. Es quizás el intento de un imposible, perdurar un falso presente. Es un grito imaginado contra la necesidad de atrapar un tiempo inexistente.

(Lee Friedlander (c). New York City 1966)

Hablaré hoy de un extraño rito que acontece dos (o cuatro, no me acuerdo) días al mes en la agrupación fotográfica a la que pertenezco. Este rito llamado  EL MENSUAL propone la muestra, por cualquier participante de forma voluntaria, de un número de fotografías de las cuales el “pueblo soberano”, de forma democrática, elegirá una para engrosar el plantel de una futura exposición.
(Dejaré para otro día el plantear si el número de exposiciones fotográficas es excesivo y de Juanito se ha pasado a Don Juan.)
Se acerca el fotógrafo con su carpeta bajo el hombro hacia el atril y allí cuidadosamente deposita sus copias, normalmente con  passepartouts reciclados (para que las dimensiones de la foto acepten al marco y no al revés, primero fué el marco y luego la copia), el orden es importante, la orientación mas, dimensiones consonantes, apaisadas con apaisadas, verticales con  verticales, no mezclar blanco y negro y color,…
Una vez allí , empieza la visualización, unos se levantan y escudriñan sus valores técnicos, uno grita que seguramente ha sido hecha a una abertura de 5’6, otro que la profundidad de campo es insuficiente, que una luz se ha quemado, que está ligeramente trepidada, que que bonita, que maravilla de composición, que diagonales, …

Y una vez violada, el pueblo vota, atendiendo a valores tan “importantes” como la regla de los tercios o la presencia de tonos en las luces.
Suele ocurrir que siempre (o casi) una vez elegida la ganadora del grupo, el autor exclama: ¡Pues a mi me gusta la otra!
Pero que importa, lo importante es la medida general, la imposición de la media estadística de los gustos, y en eso se ha convertido la obra seleccionada de este fotógrafo, que ya está  guardando su copia favorita para que no vea mas la luz.

Merecida es esta condena por la falta de valentía del autor, incapaz de elegir entre sus propuestas y que deja que sean otros los que realizan sus funciones.
Puede ocurrir que necesitemos ayuda para encauzar un trabajo, busquemos entonces a alguien que visione nuestras fotografías y escuchemos sus directrices, eso si, que no sea nuestra madre o abuela.

¿Qué fotografías haces?
Yo sigo los designios del gusto medio del español de la calle.

Esta respuesta, suficiente pretexto como para aparcar las cámaras y que recojan polvo para siempre, no indica nada distinto a lo narrado anteriormente, ¿alguien podría soportar dicho trámite?
Y sucede que como el gusto general se convierte en costumbre, nuestro amigo fotógrafo deja de hacer la fotografía que le gusta y empieza a realizar la que gusta al resto, y se convierte ahora en previsible y se convierte ahora en un aburrido fotógrafo que nunca nos volverá a sorprender.
Y así ocurre también en los profesionales de la concursística, aquellos que saben lo que gusta en cada casa y para tal casa proponen un trabajo específico, no atendiendo a la temática sino al juicio conocido.
Todos absorbidos por la masa, encuadrados en la media estadística del gusto, por la democracia estética que se convierte en dictadora.
Debe existir un paso intermedio entre lo anterior y el pensar que eres un artista porque nadie te entiende, entre provocar siempre las mismas respuestas previstas de antemano o el buscar que no las haya.

Quizas sea el momento de retractarme (retractarnos) de posts anteriores en los que se valoraban los fallos de algunos concursos (Miguel Ángel Tornero, Bleda y Rosa,…) y el funcionamiento de las galerías y salas de arte , plantear si no son en realidad las estructuras ya formadas, las mejores para realizar valoraciones, o si nacieron para solucionar estos problemas.
¿Hemos participado desde aquí a la expansión del gris medio? Si es así, pido perdón.

En lugar de dar carnés a quien no sabe conducir, en lugar de una democracia directa donde opinen meros diletantes, dejar que sea la élite, los ilustrados, los que opinen, seleccionen y premien.
Contra la democracia dictadora, la dictadura de un sabio.

¡Encuentren a ese sabio, rápido!

Expuestos de forma cruel y constante ante una nueva promesa de cuadrar el círculo, ante la resolución de problemas que ni siquera sabíamos que lo eran y que ahora nos parecen horribles e insoportables.

Marionetas en manos de un mercado que crea, a un vertiginoso ritmo, supuestas mejoras y estrategias para su venta, que apuntan al sentimiento de posesión, de innovación del ser humano. Estar a la última, como si eso dependiera de los medios y no de las mentes, ahí es donde atacan de forma impía, creando nuevas necesidades, haciendo que algo parezca imprescindible cuando no lo es.

Aprendimos a escribir hace mucho ya, pero pretenden que volvamos a aprender cada día, a cada hora, renovar la nada, volver a hacer lo mismo pero de otra manera, decir lo mismo pero con otros medios, llegar al mismo punto pero con otras técnicas. Obligados a cambiar el lápiz y la forma de empuñarlo por imperativo legal.

Una nueva forma de escribir, eso prometen, y entramos en el reciclaje de conocimientos contínuo y sin ninguna necesidad. Mientras te reciclas no rindes, mientras estudias no creas, mientras estudias sólo estudias.

¿Por qué nadie estudia sobre el que fotografiar y todo el mundo lo hace sobre como hacerlo?

Nuevo software que nunca usarás, nueva cámara cada seis meses, nuevas funciones que nunca te van a hacer falta, reductores de ruido, interminables fases por segundo, programas de aumento de rango dinámico, reveladores de archivos digitales, filtros virtuales, catalogadores de imágenes, visualizadores con gestión de color, calibradores de impresión, perfiles personalizados,…, cuanta pamplina para llegar de A a B por caminos diferentes. No hay tantas formas para andar el mismo camino.

Aprendemos a escribir, a fotografiar, cada día, otra vez, otra vez, otra vez, como escribías ayer era incorrecto, hay que hacerlo de esta manera, no, de esta nueva manera, eso ya es viejo, ahora, esta es la manera,…

Alguien supondrá que este escrito hace apología de lo estático y lo mediocre, les diré que intenta tratar la estúpida pérdida de tiempo y medios. Actualizarse está bien cuando no supone la mayor parte de nuestra vivencia fotográfica.

Por último y como no puede ser de otra manera, siendo yo el tonto las citas, una frase extraida de una entrevista  al fotógrafo (magnífico) Álvaro Ybarra Zavala y que él tiene como uno de los mejores consejos que le han dado: “no caigas en el error del mundo que rodea a la fotografía. Céntrate en los trabajos y haz lo que realmente quieres hacer, porque es lo que realmente vale”.

P.S. Dedicado al friki  que inunda mi correo con todas las novedades fotográficas del mercado, para que abandone su Día de la Marmota particular  y empiece a hacer fotos, y al iluminado al que se le ha ocurrido poner una sección de material en la revista Ojo de Pez.

Foto (c) Ralph Gibson

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

Para Julián Barón hacer fotos debe de ser algo muy fácil, una actividad fluida y debe ser así por la manera en la que consuma sus capturas, por la manera en la que complica lo sencillo y encuentra detalles en lo habitual. Los detalles, los detalles lo son todo, lo inundan todo; son los que hacen que fotografías en apariencia sencillas nos sumerjan en un ambiente, los que describen la luz que en una tierra brilla, son los que me hacen querer saber que existe detrás de una cortina blindada de rojo.

JULIÁN BARÓN.

Castellón, 1978. Fotógrafo. Coordinador de la Escuela Blankpaper en Castellón. Profesor de Fotografía Documental.

http://www.julianbaron.com

¿Qué supone para ti el documentalismo?

¿Documentalismo? Creo que este término es una forma más de intentar clasificar todo lo que el ser humano tiene en sus manos. Parece ser que clasificándolo todo, somos y tenemos mejor conocimiento sobre los temas. ¿No sé por que?
Sin duda una fotografía o un proyecto fotográfico (reportaje, ensayo…) debe de generar una reflexión, sino da igual que sea documental, artística, foto periodística, de autor… y otros mil millones de clasificaciones mas.
No me gusta clasificar. La fotografía es fotografía, y toda tiene un sentido y una vía de escape hacia el espectador, que debe reflexionar también acerca del mensaje que se le transmite.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué hace bueno un reportaje?

Un reportaje lo hace bueno un cúmulo de puntos a tener en cuenta. Por un lado el fotógrafo debe analizar y reflexionar sobre lo que ocurre ante él, cuando está frente al acto fotográfico, para conseguir la fotografía que de cadencia a otros cientos de fotografías tomadas sobre el proyecto. Luego existe otro punto importante que es el de editar y dar coherencia narrativa al conjunto de imágenes. Y por último creo que el espectador debe también de ser reflexivo y ser el más crítico con el reportaje.
Un buen espectador no se deja llevar por lo que opinen las masas, y mantiene su propio criterio.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?

Como he comentado en la pregunta anterior, el fotógrafo debe ser él mismo, con sus aciertos y fallos en todo su esplendor. Pero sobre todo debe mantener un respeto y compromiso con el acto fotográfico y todo lo que ello implica. La fotografía no es solo imágenes.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Debe predominar el estilo sobre la información?

No creo que estos terminos tengan una jerarquía de uso, puesto que se
deben complementar y no enfrentarse o crear un conflicto de ego. Es
decir, el fotografo tienen implicito su estilo y la información esta
en forma explicita hacia donde se dirije la mirada y porque.
Lo unico que debe predominar (si es que algo tiene que predominar) es
el compromiso.

” Reportaje documentado sobre un tema en concreto, que ha sido planteado como un proyecto a largo plazo y no necesariamente a acontecimientos actuales. La selección de temas, la presencia subjetiva y la dedicación del fotógrafo contribuyen a la eficacia del proyecto.”
Arianna Rinaldo, Magazine Ojo de Pez, 02.

(Esta definición me parece perfecta salvo por la omisión de la fotografía de viaje con vocación documental, los “journeys“)

El término documento o documental fué acuñado por el cine para designar un tipo de trabajo no basado en la ficción o la fantasía sino en sucesos o hechos, ilustrados sin unas reglas fijas y con la utilización de todas las herramientas de expresión posibles.
Posteriormente fué acogido este término por la fotografía, con el mismo sentido, siendo visto desde la distancia por la mayoría de fotógrafos y considerada durante mucho tiempo como la hermana pequeña de la fotografía “fine art”, como hermanastra de las fotografía “que se hace”.

Transcurre el tiempo hasta la aparición necesaria de una primera crisis documental. necesaria digo debido al uso reiterado de una misma temática, y de la misma forma de mostrarla. Unido esto también al abuso del blanco y negro y de un formato cinematográfico casi impuesto. El fotógrafo se revela contra unos contenidos faltos de originalidad, excesivamente trillados y sobrios; y apuesta a su vez por el uso del color y por toda clase de formatos (se rescata el gran formato).

Aparecen nuevos rumbos documentales que se desarrollan de distintas formas y con diferentes escuelas: la apuesta por una estética de la banalidad, la aparición de los temas no conceptuales, la aparición de la subjetividad total, el documento topográfico (los Becher), el documentalismo británico (la acidez de Martin Parr), la fotografía descriptivista americana y el New Color (Eggleston, Shore, Sternfeld), el documentalismo centroeuropeo, ..
El nuevo documental aprovecha todas las opciones anteriores para la consecución de su objetivo.

Volcados hacia el exterior, hacia el otro mundo, el aparentemente no conocido, los fotógrafos inundaron el Tercer Mundo, cubrieron guerras e inspeccionaron paises desconocidos,  y a su vuelta se dieron cuenta de lo inexplorado que estaba el suyo.
No sabían nada de su mundo, de su forma de vivir, de su sistema económico, de la existencia o no de valores comunes a ese Viejo Mundo que por descuido olvidaron.
Aparece la banalidad como motivo y todo aquello que aparentemente no tenía valor fotográfico ahora lo obtiene, la arquitectura, los objetos que nos rodean, las escenas mas cotidianas, los fotógrafos empiezan a ver cosas fotografiables donde nadie las ve.

“Fotografío esto, para ver como se ve en fotografías”

Se meten en el supermercado, en las tiendas, fotografían nuestros objetos, joyas, vallas publicitarias,…, se lucha contra todo aquello que había sido impuesto, contra lo que se había enseñado como atractivo.

El momento decisivo muere. El fotografiado aparece consciente ante la cámara, descubierto, de forma frontal, y en su sencillez esa fotografía nos abre nuevas puertas, nos hace formular preguntas mas allá de las que provoca la anécdota de un salto o de la casualidad. Estos documentos estáticos no interpretan la realidad, simplemente la recogen, genera preguntas mas que responderlas.

Conviven por tanto el fotógrafo estático con aquel que expresa su estilo y su forma de ver las cosas en sus fotografías, se nota su presencia y aprovecha todas las técnicas posibles para hacerla notar, para remarcar su personalidad y diferenciarse del resto.

Pero el punto de cambio principal, por encima de cualquier innovación técnica, del uso de byn o color, del motivo fotografiado, …, el concepto sobre el que todo cambia, es la nueva actitud del fotógrafo, se apuesta de forma total por la SUBJETIVIDAD, se procede a quemar cualquier ideario periodístico (el ideario Reuters, ver las partes no dedicadas al uso del editor de imágenes). Era la única vía posible, desligada ya la fotografía, como facilitó antes ésta a la pintura, de la misión de sostener la verdad.

“Not the picture of reality,but really just the picture.” (Jean-Luc Godard)

La crisis actual:

No parte tal crisis, como la anterior, de la reivindicación de nuevos temas, motivos y formas (lo que no es atractivo hoy lo será mañana) sino que es una crisis mas terrena, menos romántica, se trata de un problema de consumo y tiempo.

El fotografo documental actual intenta buscar su lugar, utilizando de forma consciente o insconciente las herramientas utilizadas por fotógrafos anteriores (el uso del byn o el color ya no es ninguna reivindicación, simplemente una opción) y lucha por situarse entre el aficionado de gatillo fácil y el artista incomprensible (el documento ha aspirado al arte de forma que nadie sabe si sigue siendo documento) , a lo mejor utilizando las mismas herramientas pero con afán de distancia.

El documental no vende, y para hacerlo hay que revestirlo de arte para tapizar galerías o desmenuzarlo en partes que ilustren artículos sesgados.
Hay que hacerlo todo deprisa, hay que generar fotografías de fácil digestión, cagables y de olvido garantizado. Las agencias buscan la foto que necesitan en un formulario electrónico seleccionando las etiquetas adecuadas, los periódicos y revistas pueden obtener veinte fotografías del mismo suceso o tema buscando en el buzón web repleto de fotos que algunos que pasaban por allí hicieron con el móvil.

¡Corred, corred, malditos!

Pocos son ya los elegidos, el fotógrafo tipo, hace fotos de la famosa de turno en la puerta de su casa y rescata alguna hora para acabar un proyecto interminable que tiene en mente, otro es electricista y ahorra de donde no hay para sufragar sus viajes de camping gas y canadiense y el albañil aprovecha el aprovecha el almuerzo para relatar su vida y hace bodas el fin de semana para sacar dinero.

Un poco de tiempo, por favor.

Imaginemos la habitación de un hospital, uno cualquiera, uno de esos encargados con el fin de la tristeza, enmarcados en gris.
Un hombre joven que se sabe muerto alterna las horas en las que no dormita entre el ejercicio de la mirada a través de la ventana y el dolor.
A escasos metros de allí , en el edificio donde se suelen repartir las alegrías, hace unas horas que nació un bebé, uno precioso, un bebé hermoso de cuatro kilos, la piel rosada y la cabeza llena de pelo, uno de esos pocos a salvo de los comentarios de marujas malcaradas.
Estas dos historias, estos dos momentos tan diferentes que conviven en el tiempo se entrelazan mas allá. El abuelo está muriendo y el nieto nace, un abuelo nervioso por saber como va todo,  si su nuera está  bien y ha sufrido lo justo, si su nieto nació sano, por saber si  es llorón, si es rubio y fuerte como él.
Y ese nexo lo encontramos en una abuela que recorre apresurada los pasillos plagados de padres risueños, pasa por delante de la cafetería con insoportable olor a fritos y café malo, con una carpeta entre los brazos mirando hacia adelante para no ver ahora a los que vienen a despedir lo que mas querían, a los hijos que creen que su padre o su madre, está preparándose para viajar a un cielo que no imaginan.
Tantea el pomo que abre la tumba y forzando la sonrisa entra, apretando los dientes para no llorar al ver lo que queda del gigantón que fué. Con cuidado extrae de la carpeta una fotografía que nuestro hombre recoge  para su escrutinio pausado, disfrutando sin disimulo los detalles que le ofrece.
Aquel será su único contacto con su nieto, nunca lo verá, no tendrá tiempo.

Dejemos de imaginar entonces, por que lo que aquí se cuenta no hace mucho ocurrió.

Cogemos la fotografía y observamos una parte de ese otro mundo que existió. A la izquierda y a la derecha había mucho más. Arriba y abajo no sabemos qué fue lo que no se mostró pero conseguimos imaginarlo. El encuadre nos enseña una pequeña parte de lo que hubo pero también nos sugiere lo que no vimos. El fotógrafo nos empuja a través de su imagen para “tropezarnos” con aquello que le llamó la atención. Pero podemos ver más, mucho más.

Cuando leemos un libro nuestra imaginación crea la escena, completa la descripción física del personaje y proporciona la interminable colección de detalles que “suceden” en ese momento preciso que el autor describe. Con el fotograma hacemos lo mismo: vemos, observamos, imaginamos y construimos la realidad a la que nos estamos asomando. El fotógrafo ha creado una mensajera, es el padre de la fotografía. Y esa mensajera es tan rápida y tan eficiente que en apenas un instante nos regala un mensaje. Esa imagen no es el fin de la comunicación entre fotógrafo y observador; ni siquiera es el objetivo que persigue el autor. Es el libro que debemos leer; es la canción que debemos escuchar, en definitiva, es la ventana que debemos abrir para asomarnos y ver.

Muchas veces pienso que la fotografía es una pieza de un inmenso puzzle. No es ni la pieza más importante ni la menos necesaria. Es exactamente igual que las restantes 999 que completan el mosaico. Una pieza más que recoge un significado concreto de un mensaje global, inmenso y maravilloso que nos toca descubrir.

La crisis (silla) 2008.

Copia a partir de archivo interpolado proveniente de una cámara digital con resolución de dos megapixeles. Impresión gliceé sobre papel El Galgo. 5 ejemplares, precio según disponibilidad, si hace falta se sacan mas.

Crítica de la obra:

” El artista pretende ilustrarnos sobre la creciente crisis actual, poniendo como ejemplo la venta del mobiliario de madera noble de su casa y su sustitución por sillas de loneta del carrefour. Para ello no pretende influir en la captura y opta por una visión frontal del objeto haciendo que la silla parezca una silla y no un sofá o un dálmata de porcelana, respetando así la objetividad de la escena y apartando el velo de la mirada del espectador “.

Por cierto las gafas de pasta que debo cambiar semanalmente cuestan un dinero y debo financiar mi verborrea realizando obras de gotelé megalómano y con sus agradecidas aportaciones a mi cuenta paypal, nadiemeentiende@hotmail.com.

La pareja fotográfica Bleda y Rosa ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía 2008 otorgado por el Ministerio de Cultura. He de reconocer que desconocía a ambos autores por lo que he tenido que buscar para ver algo de su obra, y por lo que he visto, su trabajo se centra en lugares concretos que tuvieron algún tipo de relación con la historia y acontecimientos.

Me ha resultado curioso que los propios autores no estuvieran de acuerdo cuando el jurado ha argumentado el galardón en que “representan la renovación de uno de los fundamentos del medio fotográfico, la fotografía documental”, cuando los autores han comentado que ellos no han inventado nada.

Para ser sincero y sin entrar en la calidad de la obra de los premiados, me hubiera gustado que en los últimos años se reconociera a grandes fotógrafos de este país, que por su trayectoria y longevidad bien merecen este premio. Habrá que esperar otro año más

Bleda y Rosa | Web
Ministerio de Cultura | Premio Nacional de Fotografía

Leí el otro día un comentario de Victoriano sobre sus fotos, o más bien, sobre sus espectadores y a quienes se dirigen las fotografías. Me ha sorprendido la rotundidad de la afirmación del título, supongo que por distar de lo que pienso. Veamos…

Partamos de la base en la que tenemos nuestra fotografía y un espectador. Es evidente que cada uno tendremos una opinión diferente de la imagen, pero, ¿por qué? Pues por cómo sómos, cómo pensamos, nuestros conocimientos, nuestro estado de ánimo, etc… En definitiva, por todo lo relativo a nuestra psique. Todo esto básicamente es sobre lo que trata el ensayo sobre la Teoría de la Equivalencia de Minor White. En definitiva:

Fotografía + Persona mirando = Imagen Mental

Así pues, coincido en la idea de que el espectador interviene como parte importante del proceso.

Por otro lado, creo que al igual que a la fotografía le pedimos un mínimo de calidad (en términos generales, más allá de lo técnico) para tener un mínimo entendimiento, el espectador también debe de poseer una serie de conocimientos adquiridos, aunque quizá no conscientemente. Cité hace un par de años a Miguel Martín, profesor de literatura:

Hoy no se transmiten los mensajes como antes, con palabras, sino con imágenes, y quizá más importante que enseñar a leer ‘El Quijote’ es enseñar a interpretar un mensaje publicitario. Y lo digo seguro, y a pesar de ser profesor de Literarura, porque el que hace el mensaje y las imágenes es un ‘cervantes’ de hoy, y el que las recibe, si no sabe interpretarlas es un esclavo, le están engañando

…que bien hubiera poder haberlo dicho el mismo Moholy-Nagy:

El analfabeto del futuro no será el iletrado sino el ignorante en materia de fotografía

La pregunta obligada ahora es… ¿están preparadas las grandes masas para desenvolverse en la cultura visual? Mi opinión es que no. El analfabetismo es patente. Hoy por hoy es fácil impactar, sólo hay que apuntarse a la moda de la última receta photosopiana. El problema de las modas es que acaban pasando, por hastío.

Y es que al final todo se simplifica al dichoso porqué

Foto CC | Rodrigo Bertolino

Mi intención en este artículo es la de generar un debate sobre el efecto visual de la proporción áurea en la fotografía. Considerar si este fenómeno maravilloso y a la vez mágico del número phi puede interpretarse como una regla fotográfica a seguir o una simple ecuación matemática inevitablemente presente en el arte.

Pero, ¿qué es la proporción áurea? Dicho en una única frase, es la relación fantástica entre los números y la belleza.

Cuando al matemático griego Euclides le dio por trazar una línea y segmentarla de tal manera que cuando el segmento total es a la parte mayor como la parte mayor es a la menor, estaba cimentando una proporción geométrica que posteriormente se manifestaría constantemente.

A principios del siglo XIII fue el matemático italiano Fibonacci quien presenta una sucesión numérica con unas propiedades sorprendentes entre las que destaca la obtención del número de oro 1,618… Investigadores fueron luego encontrando esa proporción exacta en una infinidad de hechos naturales como la disposición y número de los pétalos de las flores, la distribución de hojas en un tallo, la distancia entre las espirales de una piña, la relación de distancias en las espirales de las conchas de los moluscos, etc, etc. Pero no sólo se descubrió esta proporción en la naturaleza sino que también se encontró en el ser humano, en la escultura, en la música, en la arquitectura y prácticamente en todas las facetas artísticas.

Platón dijo que la realidad es un número y consideró la relación áurea la más hermosa de las proporciones matemáticas. Y con él han debido estar de acuerdo artistas como Salvador Dalí, Fidias, Leonardo da Vinci, Durero, Mozart o Debussy que plasmaron en sus obras las bondades de esta divina proporción. 

Pero, ¿ocurrió esto de manera consciente, es decir, aplicaron estos artistas el número áureo deliberadamente? Hay constancia de que por ejemplo Dalí sí lo hizo (Leda atómica) ya que sus testimonios así lo verifican. Pero esta voluntariedad no está tan clara en cambio en otros muchos casos. Sea de manera voluntaria o involuntaria, sí parece cierto que la proporción áurea ha descubierto a los artistas el secreto de las formas armónicas. Numerosos estudios confirman que existe una especie de placer estético en las formas bien proporcionadas y que el ser humano reacciona de manera favorable ante la simetría geométrica.

Llegados a este punto, mi cuestión y duda está en determinar si este “canon de belleza” llamada proporción áurea puede considerarse una regla fotográfica a seguir. En mi modesta opinión, creo que no se le debería dar tal consideración diferenciando de antemano esa característica clave de voluntariedad. Para mí la proporción áurea en fotografía puede ser una herramienta más en manos del artista que en un preciso trabajo pretenda conseguir una estética determinada. Si luego la involuntariedad o el inconsciente le empuja a repetir esas proporciones se entenderá que simplemente tiende a una visión simétrica del mundo que fotografía.