(Books of Durer paintings. A book of books, Abelardo Morell)

Intentando crear  costumbre proponemos aquí una breve selección de los que han sido los mejores títulos de fotografía del año saliente.

Jos de Dalpine nos propone lo siguiente:

Ha sido un año en el que se han publicado muchos libros y no es fácil hacer una selección tan reducida sin que quede un poco cargo de conciencia por los que se quedan fuera.

Los cinco libros que me parecen los más interesantes del año son:

- Paloma al Aire de Ricardo Cases.

Maravilloso trabajo documental con un inconfundible estilo personal y

presentado en libro de espiral que recuerda a un block de notas. Sin lugar a dudas el mejor libro de fotografía español de la última década.

- Censura de Julián Barón.

Exploración en los límites de la fotografía para abordar la censura política española. Atrevido y provocador.

- Eden is a Magic World de Miguel Calderón

El autor nos volvió a sorprender con un libro cuya clave está en la edición y no en las fotografías. Un delirante entramado que nos

muestra el amor idílico de un joven coreano que se enamora de una actriz de una teleserie mexicana.

- Redheaded Peckerwood de Christian Patterson

Elegante ejercicio de edición que intenta acercarse a la mente de un asesino en serie. Excelente impresión y presentación.

- A New Map of Italy de Guido Guidi

Pura poesía visual. Publicado por la editorial de John Gossage, Loosestrife Editions.

(Agradezco a Dalpine  su inestimable y entendida  ayuda, una vez mas).

En mi  opinión,  este año ha sido el de las reediciones (Eggleston, Davidson, Koudelka, Smith, Sternfeld,..) como queda reflejado en mi selección. Prefiero pensar que ello se debe a un interés creciente en la adquisición de cultura fotográfica y menospreciaré mis bajos instintos sobre la cuestión; para calmarlos me apoyo también en los espléndidos libros que han nacido este año:

- El domador de sueños de Enric Montes. La continuación lógica de su trilogía El Buscador de Prodigios. Lógico es que continúe maravillándonos. Mi desconocimiento de su obra impidió su inclusión en la lista de 2010.

- Gitanos de Josef Koudelka.  Un título inolvidable, reeditado y espero que mi regalo de Reyes.

- Subway de Bruce Davidson. Otro libro al que solo podíamos acceder a costa de no pagar la hipoteca.

- Animals that saw me  de Ed Panar. – Sencillo, pero sorprendente ejercicio de humor.

- Bodas de sangre (Federico García Lorca) de Juan Manuel Castro Prieto. Proyecto resuelto de la mejor de las maneras (la maestría habitual). No es fácil acompañar las palabras del genio de Fuente Vaqueros.

Os  animo  a comprar y regalar libros de fotografía (también de lectura), nuevos, viejos, reeditados,…, siempre es un gozo compartir páginas con alguien querido.

Los estudiantes de jazz con problemas de ego tienen miedo de escuchar buena música.

Una vez estaba en la ciudad tocando con un gran grupo. Al día siguiente dí un curso en la escuela de música local para unas treinta personas y les pregunté si habían ido al concierto de la noche anterior.

Sólo tres levantaron la mano.

(…)

Seguramente si uno se dedica a autocomplacerse, evitará conocer a los grandes músicos. Músicos como estos prefieren el confort y la seguridad de su conejera.

¿Quién quiere admitir que odia escuchar a un buen músico? Lo cierto es que muchos encuentran este acto demasiado doloroso.

Kenny Werner, músico, extraído de  su libro Efortless Mastery.

No hace mucho daba una charla sobre fotografía, una de esas  que una persona con mas preguntas que respuestas no debería dar, pero bueno, al menos no cobro. Con su desarrollo aparecían fotos de grandes maestros de nuestra afición y se me ocurrió preguntar con cada ejemplo sobre su autoría. Salvo en una ocasión (solicité el silencio del acertado desde entonces) todas las preguntas quedaron sin contestar. Esto podría tener excusa al tratarse de recién llegados a la fotografía, pero en su mayoría eran aficionados, otros profesionales, con décadas de experiencia con la cámara. Podrían excusarse en la falta de tiempo, en las obligaciones diarias, en que la biblioteca cerraba por reformas,…, pero para muchos de ellos la razón de su silencio era mas grave.

Veo claro como el proceso normal de aprendizaje va  de la mano de la curiosidad, de saber y conocer lo que se ha fotografiado antes, de buscar referentes, de ver como distintos fotógrafos han resuelto temas o situaciones parecidas,…, esto forma parte del disfrute fotográfico, en mi caso tanto como el de la captura en si.

Pero son muchos los que se niegan a conocer, los que no indagan, pero no porque no lo hicieran en un principio sino porque este acto resultó excesivamente doloroso.

Darse cuenta de la gran cantidad de fotógrafos que hay, y lo peor,buenos, ¡prurito!, conocer nuevas formas de mirar,…, ¡prurito intenso!, unas nuevas prioridades,…, ¡dolor!, nuevas realidades, ¡gran dolor!,…, unos nuevos límites,…., ¡dolor insondable!

Otros asomaron las narices por la puerta de algún taller fotográfico y recibieron tal sopapo, en forma de crítica en las napias, que no han osado volver; o se dieron cuenta de que no necesitan la crítica satisfactoria de un prócer, pues con la de la de sus vecinos tienen suficiente para estar satisfechos y exponer en su localidad dos veces al año.

Es mas fácil convertirse en la medida de todo, ser el referente de uno mismo, creer que nuestros límites son los de todos; olvidarse de libros de fotografía, de las grandes exposiciones posibles a media hora de viaje. Es mas fácil y mas cómodo, reduce la ansiedad, anula la búsqueda, hace innecesario el esfuerzo.

¡La comodidad es el fin del hombre!

No seré yo el que defienda el formato del curso o taller, de hecho prevengo del cuidado que hay que tener en su elección si no se quiere formar parte de una venta de humo organizada; pero si estoy seguro de que para avanzar como fotógrafo hay que caminar con humildad, mostrar, recibir y recoger, sin caer en la obediencia, sin olvidarse de lo que uno quiere, porque al fin y al cabo las críticas recibidas suelen ser el recuerdo de las que una vez nosotros mismos nos hicimos.

Caminando apartados de la condescendencia y el masoquismo extremo (podríamos hablar otro día de un personaje fotográfico, el profesional del taller, el que no se pierde ni uno parece ser que buscando ser dilapidado), me parece la única manera de avanzar.

P.S. Título alternativo del escrito “Rapapolvo cuyo destino incluye al origen”.

La fotografía y el progreso son dos ambiciosos que se odian con un odio instintivo y, cuando se cruzan en el mismo camino , es preciso que uno de los dos se ponga al servicio del otro. Si se permite a la fotografía sustituir al arte en algunas de sus funciones, pronto  lo habrá suplantado o corrompido enteramente, gracias al aliado natural que encontrará en la estupidez de las masas. Por lo tanto, es necesario que ella vuelva a su verdadera función, que es ser la sirvienta de las ciencias y las artes, pero la muy humilde sirvienta, igual que la imprenta o la taquigrafía,  que no han creado ni suplantado a la literatura. Que enriquezca rápidamente el álbum del viajero y devuelva a sus ojos la del naturalista, aumente los animales microscópicos, refuerce incluso con algunos datos las hipótesis del astrónomo; que sea, en fin, el secretario y el amanuense de quien en su profesión necesita una absoluta exactitud material. Hasta aquí, nada podría ir mejor. Que salve del olvido las ruinas a punto de caerse, los libros, las estampas y los manuscritos que el tiempo devora, las cosas preciosas cuya forma va a desaparecer y que reclaman un lugar en los archivos de nuestra memoria: la fotografía será digna de agradecimiento y aplauso. Per si se le permite invadir el dominio de lo impalpable  y de lo imaginario, de todo aquello que no vale más que por lo que el hombre añade de su alma, entonces, ¡pobres de nosotros!”

Charles Baudelaire, El público moderno y la fotografía.

Siempre pensé que las palabras del poeta maldito fueron obviadas por los actos y conquistas de la fotografía, pero encuentro que existen discusiones que nunca han terminado, todavía hay quien dice que todo aquello que no es documento es decoración, con todo el peyorativo significado que este adjetivo pueda tener.

Habrá que acotar entonces todo aquello que es documento, o en su defecto realizar una apología de la decoración.

P.S. Cómo decíamos ayer…

Cuantas veces ha perdido la fotografía de su vida por no tener ese “puntito” de desvergüenza para afrontar esas situaciones mágicas que rara vez se volverán a presentar. Por otro lado todo fotógrafo se ha visto envuelto, en varias ocasiones, a situaciones que no podía controlar, superado por la estupidez del suceso o por su injusticia.

Por suerte la ciencia, una vez mas,  viene en su ayuda en forma de medicamento:

- No se atreve a fotografiar otra cosa que sean pinos o ríos…. la respuesta es MELASUDINA.

- Cuando va a recoger a sus hijos al colegio,  le miran como si fuera un pedófilo por llevar una cámara al hombro … tome MELASUDINA.

- Los guardias de seguridad le impiden realizar fotografías incluso en la calle … recurra a MELASUDINA.

- Es usted fotógrafo de arquitectura y la policía le persigue … no lo dude, MELASUDINA.

- Es fotógrafo de bodas y tiene que pelearse con los familiares armados con compactillas … tome MELASUDINA tres horas antes de la ceremonia y mándelos a tomar por saco

- Una señora le ha demandado por fotografiarla sacando la basura en bata y chancletas a pleno sol … le dará igual con MELASUDINA.

Sus propiedades son incuestionables y son ya muchos los que,  beneficiados por su uso, han sido tan amables de agradecernos la invención de MELASUDINA:

“La primera vez que fuí a Gibraltar solo me atreví a fotografiar a los monos cuando no me miraban, incluso uno me obligó a darle la fiambrera con el pollo empanado que tenía para la comida. He visitado varias veces el Peñón desde que empecé a tomar Melasudina y creo que ya no me queda nadie por fotografiar, además suelo entrar con la mochila vacía y la saco llena de tabaco. Antes en mi familia no me querían, pero ahora soy el mas popular, de hecho a dos de mis sobrinos les han puesto mi nombre.”

Ludovico Cortés de Bollullos de la Mitación.

“Fuí a Paris con el único objetivo de fotografiar la Torre Eiffel y cuando estaba en ello, inmerso e una experiencia mística, un policía con cara de pocos amigos me tiró el trípode y me animó a desaparecer. En otra ocasión le hubiera hecho caso, pero desde que tomo Melasudina soy otro, soy como siempre he querido ser, soy mejor. Empecé a hablarle y ni siquiera recuerdo lo que le dije, pero si que me hizo de guía, me explicó la historia de la Torre, subimos en el ascensor, e incluso  me dejó fotografiarlo desnudo (con pistola y porra) comiendo cruasanes. La semana que viene seré el padrino del primer hijo de Arnaud.”

Benito Pérez de Parla.

“Siempre tuve el reconcome de fotografiar el Barrio Rojo de Amsterdam y cuando me ofrecieron la oportunidad de probar la Melasudina, no pasó media hora y ya tenía los billetes comprados. Cuando me planté con mi cámara en frente del primer escaparate con mujeres que ví, un gigantón con la cabeza rapada me quitó la cámara y me sacó allí tirándome de la oreja. Hoy Jan y yo compartimos una convivencia inmejorable y realizamos reportajes para una revista gay por todo el mundo. El amor llamó a mi puerta aquella tarde, ¡ni siquiera sabía que me gustaban los hombres!”

Serge (antes conocido como Roque Gutierrez) de Arjonilla.

No lo dude, no sea el último en darte cuenta de que ¡funciona!

(Para informarse mejor sobre este medicamento, no dude en leer su prospecto).

Queremos anunciar también que con motivo de la inminente entrada en el 2011, foto36 tiene el gusto de anunciarles un nuevo servicio de venta al público con  la presentación del primero modelo de nuestra nueva línea de camisetas:

(Pulse sobre la imagen)

Para adquirirla pónganse en contacto con nuestro departamento de ventas. No será barata, tampoco será buena y seguramente el logo desaparecerá en pocos lavados.

(Wrong. Asger Carlsen)

Finaliza el año, y creo que existen pocas maneras de hacer su balance fotográfico que revisando los que pueden ser los mejores libros editados en 2010. Para ello hemos consultado a librerías especializadas  y editoriales para conocer su opinión:

José Manuel Suárez de Dalpine Photobooks (http://www.dalpine.com/), nos da su ranking de libros para el año que estamos dejando:

- Conditions de Andrés Marroquín Winkelmann.

- Desperate Cars de Sébastien Girard.

- A New American Picture de  Doug Rickard.

- Wrong de Asger Carlsen.

- La Vertigine de Federico Clavarino.

(La Vertigine. Federico Clavarino)

Si bien hace referencia a una importante reedición, como es The Pond de John Gossage.

Roberto Durá de Eclipse Libros (http://www.eclipselibros.com/), nos dice que ha sido año un tanto extraño en cuanto a las novedades, pero aprovecha para recomendar dos importantes libros:

- La reedición del famoso libro de Leni Riefenstahl – AFRICA.

- La esperada monografía del fotógrafo Nadav Kander sobre el Yang Tze. – The long river.

(The long river. Nadav Kander)

Por mi parte, haciendo uso de mi diletantismo habitual y avisando de que no he podido disfrutar físicamente del tacto de las páginas de todos ellos, no impediría que los siguientes libros lucieran en mis estanterías:

- Face au silence de Cristophe Agou. Siento no ser muy original, pero coincido plenamente con la opinión de la Asociación Europea de Editoriales de Fotografía. Encuentro pocos fotógrafos con una trayectoria tan redonda como la de Agou, sus fotos son una celebración contínua de la fotografía, una fuente de motivación constante para coger la cámara y salir a la calle, y el respaldo para aquellos que se negaban a creer que ya no se podía contar  nada sin recurrir al conceptualismo mas frío y agresivo.

(Face au silence. Christophe Agou)

- A road divided de Todd Hido. La originalidad de su obra radica en los pequeños detalles, en hacer las cosas de forma diferente. La belleza de sus fotos y la hoja de ruta que sigue su obra, tan alejada a lo hoy impera, con sus copias a mano y sus exquisitas ediciones. prometen joyas venideras.

(A road divided. Todd Hido)

- The Long River de Nadav Kander. Algunas veces, en fotografía dos mas dos son cuatro. Unamos un gran fotógrafo de enormes capacidades técnicas, medios materiales y un bueno motivo y el resultado acabará siendo redondo.

- Quatorze Juillet de Johan Van Der Keuken. Pese a mi extrañeza inicial, la sencillez de las fotografías y la inocencia con la que aparecen los fotografiados me parece deliciosa, una pequeña joya.

(Quatorze Juillet. Johan van der Keuken)

- Story/No Story de Tobias Zielony. Mucha gente lo intenta pero pocos consiguen adentrarse en una realidad y que esa cercanía se vea reflejada en sus fotos, como ocurre en este trabajo.

Mis agradecimientos mas sinceros a Dalpine y Eclipse por su ayuda (preguntamos a muchos y solo los mejores contestaron).

Sunray, Texas, 1942. Jay Vachon

Recientemente se han hecho públicas, en forma  de libro, unas fotografías en color capturadas por el inefable Robert Capa. Escrutándolas, mi extrañeza crecía poco a poco, y desde el primer momento supe que no era por algo imputable a su contenido, sin embargo, no podía explicarla;  dar un motivo a esta sensación. Comprendí que me estaba enfrentando a un ataque directo y efectivo a mi comodidad, a lo que yo había concretado como la adecuada temporalidad fotográfica. La identificación, ahora manifiestamente errónea, de una época fotográfica con unas características estéticas.

Soldados senegaleses, Saint Ulrich. Paul Castelnau

No creo haber sido el único que ha escuchado alguna vez manifestaciones de algunos fotógrafos que renuncian al blanco y negro, para huir, según sus palabras, de la melancolía que acoge; tenida ésta como dogma impreso en los grises.

Pero cada vez son mas los ejemplos, que crecen mediante la investigación o con la  abertura, casi siempre casual, de cajones y maletas, que atentan contra lo que alguien postuló, y muchos dieron por cierto.

Rompen una linea espacio-tiempo artificial y lo hacen con la mas bella de las fracturas, exponiéndonos a un pasado que hemos alejado mas de lo debido, ayudados por su transformación albinegra  (sepiada, selenizada,…).  Es entonces, cuando dotamos al pasado de nuevos tonos, que vemos esos rostros dotados de los mismos colores que vemos en el espejo y el cielo pasado del mismo azul que tiñe el nuestro. En ese momento el gusano que teje el tiempo nos reúne con lo que vemos y los lustros, los decenios son reducidos a segundos.

Christina, 1913. Lt. Col. Mervyn O'Gorman

Los autocromos, los kodachromes de la segunda guerra mundial. las diapos de Capa, son  hallazgos que nos hermanan con el pasado y que desvisten al blanco y negro de una melancolía indeseada y falsa, que refuerzan mas si cabe sus capacidades estéticas y abstractivas, dejándolo avanzar; porque ahora el viaje es de ida y vuelta, y con cada hallazgo se afianzan nuevas rutas, una nos hermana con lo pasado y la otra nos devuelve lo perdido.

Kush Beggi, Bukhara, 1905-1915. Sergei Prokudin-Gorskii

Laura Pannack (c)

La Coca-Cola siempre es igual, pero yo no, puedo cambiar” Kiko Veneno, genio de la canción.

No es mi objetivo el realizar aquí un elogio a lo carpetovetónico, un ejercicio chovinista y patrio en defensa de una sensibilidad latina; por supuesto tampoco creo que sea necesario el repaso de todos los adjetivos que nos acreditan por esta cuenca del mundo, todos esos tópicos asociados a estos países denominados despectivamente, por aquel “ocurrente” eurodiputado inglés, como PIGS (Portugal – Italia – Grecia – España).

(Recursos Humanos Magazine. Luis Huete)

Sin embargo no puedo dejar de escribir sobre algo para mi tan claro, si, incluso para alguien tan poco sensible, como  el abrazo de cierta corriente fotográfica de una sensibilidad ajena, una sensibilidad separada a lo que por aquí nos mueve, se trata de un modelo no impuesto pero si digerido, de lo que debe ser una buena fotografía.

De no ser porque existen escritores que se han ocupado (y lo siguen haciendo) de descifrar la geografía de la sensibilidad, si no fuera porque sabemos que por suerte (para la diversión, para la curiosidad, para el turismo, para el arte,…) somos diferentes, hablar hoy en día de una sensibilidad anglosajona, germánica, asiática o latina podría ser denunciado como un ejercicio de racismo, una superchería a la altura de la frenología.

Aún a riesgo de ser tachado como neofrenólogo creo que puede demostrarse una transición de una corriente fotográfica latina a una anglosajona, desde lo sentimental a lo racional, desde lo figurativo a lo conceptual. Para ello solo basta con repasar las corrientes fotográficas actuales y la obra de los premiados en los mas importantes certámenes fotográficos. Y es que ya hablamos otra vez sobre los peligros de la concursística como actividad unificadora, quizá aquella vez como alguien comentó, cometí el error de crear una separación sobre la influencia ejercida por los concursos locales frente a los de mayor nivel, cuando indudablemente la influencia de estos últimos es superior.

Y es que todo aquel que habla de fotografía contemporánea, horrible adjetivo, ha denunciado la existencia de la fórmula “trix forzado a 1600 y estar cerca”, como una corriente con la que hay que acabar, hay que matar a Nachtwey, hay que matar a Salgado, a Giacomelli por poner un ejemplo de lo local; hay que enterrarles bien hondo. Pero parece que nadie se ha percatado de la existencia de una nueva fórmula, un modelo que asegura premios y reconocimiento de una manera mas efectiva que la anterior y sobre todo, de una manera mucho mas sencilla y cómoda, donde el trabajo de sillón es tan importante como el de campo. Se revisita lo sensible y se lo dota de una nueva imaginería; el ser considerado como un autor de gran sensibilidad implica el abrazarla.

La fórmula podría resumirse en: realiza una foto sencilla que ya vestirás después. Una fórmula normalizada de éxito asegurado, que confía en el pié de foto como elemento principal.

Rineke Dijkstra (c)

Alec Soth (c)

Lorena Ros (c)

Es indudable que el fotógrafo novel recibe un mensaje que interpreta de la siguiente manera: ” esto yo lo puedo hacer”. Se trata de los graneros de los Becher de hoy (¿lo germánico?). Puede que otros recuerden a Sander (no es mi opinión)  o consideren que se trata del retorno del retrato clásico; pero pretendo incidir mas en el fondo, en el origen, que en la forma de estas fotografías.

No encuentro mejor ejemplo para ilustrar este proceso que el de la fotógrafa británica (excelente) Vanessa Winship; respetada antes, pero que ha conocido el éxito internacional con un trabajo mas acorde con los gustos y corrientes actuales.

Trabajo anterior. Imaginated States and desires: A Balkan Journey.

Vanessa Winship (c)

Último trabajo. Sweet Nothings: Rural schoolgirls from the borders of eastern Anatolia.

Vanessa Winship (c)

No se equivoquen, no pretendo ejercer un juicio de valor y menos aun menospreciar la obra de autores que considero excelentes, pero si plasmar una realidad como es la influencia de una nueva corriente de lo sensible, algo no necesariamente negativo, salvo que se trate, como en la mayoría de los casos, de una impostura.

¿Quién puede abstenerse de utilizar el método Fosbury del momento?

Creo en una sensibilidad sin límites que no entiende de zonas ni de orígenes, da buena fé de esto la literatura, que gusta de Whitman y de Pessoa, de Heine y de Vallejo, de Basho.

Al final puede que tanta hablar sea redundante, uno debe dedicarse a fotografiar, es difícil hacerlo pensando en cargar sobre tus hombros el futuro de la fotografía occidental. El nacimiento de una buena fotografía puede que necesite mas instinto y menos palabrería.

"No tengo manos que me acaricien el rostro". S.Giacomelli ©

Amanece para nuestro héroe de hoy. Se viste y recoge la bolsa que preparó ayer con todo cuidado; los objetivos brillantes, el cuerpo libre de polvo, los accesorios todos en su sitio.

Bolsa en  hombro saluda a las calles engalanadas con la soledad tempranera de los domingos. Parte hacia su café habitual imaginando las fotos que hará hoy, las capturas en las que ha estado pensando durante toda la semana de arduo trabajo. Las pintaba en su moleskine, las escribía y describía, las dibujaba en su mente obviando lo que le contaba cualquier compañero de oficina sobre el nuevo coche de Alonso, o la cornamenta que lucía Peláez;  tachando con alegría  las jornadas que le restaban hasta su día libre.

Cafelito y tostada, no necesita mas, el recorrido ya ha sido planeado, la cámara oscura del Alcázar de Jerez puede ser un buen destino, no la conoce y desea visitarla, una idea le ronda la cabeza, la posibilidad de una fotografía hace que sus pasos sean mas vivos, ya cámara en mano, reparando en los escasos transeúntes, en los detalles que la calle le proporciona.

Al llegar a taquilla comprueba con estupor como no todo el mundo disfruta de la mañana de Domingo, tampoco los guías de esta atracción. “¡Abrimos a las once!” Las once, dos horas de espera, bueno, cámara en mano el tiempo transcurre deprisa, sin pesadez. Las calles se nutren de gente y alguna instantánea cae en su cesta; disfrutará de sus presas durante la semana, pero quiere la presa mayor, la que antes imaginó.

Puntual acude a su cita y tras pagar su entrada y ser incluido en un grupo mixto de jubilados, alemanes y franceses con cara de mala leche, sube las escaleras el primero, dejando atrás a los demás. Tras las negras cortinas un espejo ovalado le recibe con la visión cóncava de las calles que antes pisó; espera a que los holgazanes se repartan por el perímetro del óvalo y camina en círculos en pos del encuadre que mas le satisfaga.

Lo encuentra entre las permanentes de dos orondas sexagenarias que enmarcan la imagen reflejada, y cuidadosamente eleva la cámara para que el visor encuentre su ojo.

Encuadre,…, está, luz,…, está, obturación,…, “¡Señor aquí no se pueden realizar fotografías!”

¿Cómo?

“Lo siento señor, pero aquí no se pueden hacer fotografías.”

No he visto el cartel.

“Lo siento señor, son las normas”. Y lo dice una y otra vez esta desalmada, esta enviada de Lucifer, con el mismo tono con el que se venden hamburguesas y con una inmensa cara de satisfacción al poder  poner en práctica la frase que ensaya frente al espejo cada noche, para espetarla al primer pringado que ose quebrantar sus estúpidas normas, al primer pánfilo que se adentre en sus dominios.

Al mismo tiempo un jubilado con bigote de coronel deja entrever un: “…con las camaritas, las camaritas,…” tan valiente él como para esconderse al encontrar la mirada humillada de nuestro protagonista.

Guarda su cámara y abandona la sala antes de lo permitido dejando conocer su tremendo enfado en sus gestos, cegando el gran ojo con la luz parásita.  Los ademanes y el ceño fruncido le acompañarán hasta llegar a su casa por la vía rápida, varias horas antes de lo esperado, sin mas premio que el  portar en su bolsillo un domingo roto.

———

Muchos son los que conozco que sólo disponen del Domingo  para poder fotografiar, es mas, lo extraño es encontrar a alguien que disponga de mas tiempo. Pero que esto no sirva de excusa, no quiero escuchar mas un esque: “es que no tengo tiempo”, “es que no puedo ir”, “es que mi mujer…”, “es que mis hijos…”,…

Adjunto a continuación una maravillosa entrevista a un fotógrafo sin igual, Mario Giacomelli, un fotógrafo que creó un universo propio, una estética propia,  dedicado a narrar lo que ocurría a su alrededor, en su Senigalia, un hombre culto (pese a lo que él decía de si mismo) y absolutamente brillante, pero de una humildad y sencillez abrumadora,…, todo esto conseguido domingo tras domingo.

Espero que su lectura os sea tan provechosa como lo ha sido para mi.

Mario Giacomelli entrevista

¡Alto¡ Se me olvidaba. Os planteo un juego. Durante la entrevista Giacomelli lanza una puyita a otro famoso fotógrafo italiano, para mi está claro a quién se refiere.

Leedlo y escribid luego de quien creéis que se trata.

El ganador,…, obtendrá el orgullo del deber cumplido. Lo siento, no hay presupuesto.

P.S. Gracias a ti, compañero,  que me hiciste el regalo de esta lectura.

Elliot Erwitt (c)

Definir el espacio de lo sensible parece tarea no solo imposible sino también injusta, pues sus límites parecen ser propios de cada persona. Ésta podría constituir  sin duda la respuesta mas tolerante y la menos pruriginosa, pero estoy seguro de que muchos otros argumentarán en su contra, hablando de una sensibilidad única y superior, elevada sobre el umbral de lo que la mayoría considera como sensible y resguardada también de lo incomprensible.

Mi correo aparece inundado todos los días de presentaciones de paisajes suizos en Primavera y de mariquitas sobre coloridas flores y me cuesta descifrar el atractivo que pudo encontrar en el remitente en estos archivos, de la misma manera en la que me costaba explicar el éxito de Médico de familia, en su momento.

Y es que no creo que haya nada peor que la sensibilidad mal entendida,  comprobar como lo sensible ha sido identificado ,sin solución posible, con lo ñoño y lo algodonoso, apoderándose de su significado.

Si el ser alguien sensible depende de la muestra de fotografías de vagabundos fuera de un contexto o de gratuitas imágenes de enamorados haciendo manitas, el serlo no parece un objetivo atrayente, por su facilidad.

Por otro lado para evitar la sensibilidad plebeya, el hartista se refugia en lo críptico, lo incomprensible, lo histriónico y lo indefendiblemente anodino.

Lo obvio o su contrario, evitar estos extremos debería ser un objetivo, ni niños mocosos ni bosques iluminados por grandes luces para reflejar el devenir de Occidente. Ya avisó el poeta de que a quien se aleje del calor, lo único que le espera es la congelación; alejarnos de los referentes, del amor, la amistad, la familia,…, de la vida, anunciará la incomprensión y el ridículo, acercarse demasiado  producirá quemaduras.

Aquellos que consigan moverse al filo del abismo sin perecer en él, los que consigan explorar el alma humana sin abandonar la capacidad de sugestión y de sorpresa, ellos serán los creadores de una obra atemporal que ya no les pertenecerá.

Y ahora seguiré limpiando mi bandeja de correo de estas amistosas presentaciones.

P.S. Me parece que Erwitt camina perfectamente en el límite de ese abismo.

Oscar Garrido. Hong Kong 2009 (Pulsar sobre imagen)

Es Julio en Hong Kong y el calor expulsa de las calles a los extranjeros, hasta mejores horas. Pero nuestro amigo, abrazado a su cámara, recorre las calles derretidas, buscando el refugio de las tiendas, donde el frío brota generoso, sin ahorro.

Y es así, alternando el calor mas extenuante y comercios con complejo de nevera, que sus pasos le conducen a un lugar donde los transeúntes pasean mostrando sus aves, portadas con toda pompa en ornadas jaulas; donde arremolinarse en torno a uno de ellos, para escuchar de su boca explicaciones sobre las excelencias de su bello ejemplar. Un lugar donde comprar toda la comida que un pájaro pueda necesitar o desear, desde insectos vivos a golosinas y por supuesto cualquier accesorio avícola imaginable.

Este caos de orden incierto, esquivo al extranjero, indiferente al ojo inquieto que lo escruta, atento a toda acción y emoción; no repara en la cámara que captura rauda, mediante movimientos cortos, veloces, controlados, que descansa  en la cara el tiempo estrictamente necesario para enfocar y disparar, emplear mas tiempo sería derroche, menos, defectuoso.

Sorteando los pasos que le son contrarios, esquivando lo que observa, observando lo que esquiva, forma parte de una corriente de dirección y ritmo inextricable, de la que consigue desprenderse para reparar en la maravillosa reunión de centenares de jaulas que reclaman su presencia.

Y seducido por el canto de sirenas, por el pálpito, que le hace levantar su cámara un poco mas a cada paso que da, entonces entre ellas aparece el guardián de aquella cárcel, ¿o es el reo?.

Cabizbaja, la vendedora de cárceles, vive enjaulada, tranquila, impasible al ajetreo del que su celda la separa. El acto de la captura es instantáneo, pensar en él no es necesario, como nadie se obliga a respirar; el visor ya se interpone entre el ojo que mira y la escena que propone, pero todavía no es el momento, esperemos un poco mas, esperemos a que la presa descubra que lo es.

La cabeza que sube lentamente hasta que sus ojos reparan en la cámara, ¡ahora!, y el cepo se cierra, acompañado de un clic imperceptible.

Cuando el telón empieza a bajar, los pasos de nuestro héroe ya le llevan hacia otro lugar, sabe de la riqueza que su cofre guarda, que hace bueno el día, que hace bueno el viaje, que hace bueno el haber empuñado una cámara tantas veces, pero para que regodearse en algo que no le será revelado sino en la soledad de su laboratorio; hay que olvidar pronto para mirar de nuevo, puede que la siguiente presa sea aún mejor, mirar sin rémoras, con la misma ilusión de la primera vez.

P.S. Nuestro héroe de hoy, no es otro que Oscar Garrido, un ojo dotado de un instinto fotográfico envidiable, que produce fotografía y de la buena sin necesitar mas que un par de zapatos, calles para gastarlos y su cámara. Uno de los pocos que ha comprendido que la fotografía de calle (street photography) es un término mucho mas complejo que el fotografiar en la calle.

http://www.garridoserra.com/

André Kertész (R)

“No te lleves mas de las que te vayas a comer”

Mi frutero, artista y madridista.

Tantos barcos construidos y ninguno salió de puerto, solo hay que darse cuenta de la fecha del último post en este blog.

Se plantó al menos el germen de un principio, quizás de un fin, aparecieron nuevas preguntas, casi todas por suerte sin responder; como es una suerte también que cuando uno se adentra cada vez mas en alguna disciplina se da cuenta, de que es siempre es mas lo que desconoce, y así debe ser, para seguir conociendo, para seguir teniendo ganas de ir abriendo puertas.

Y es que son muchas las dudas que me abordan, muchos los conflictos: el descubrimiento del artista funcionario, el fotógrafo perdido, el excesivamente encontrado, los galeristas amiguistas, el curador labrador, la pseudocultura, …, el ruido, …

Ser Ruido.

Por todos los lados se habla de ella, de la intoxicación informativa, de la intoxicación visual que nos aborda y atenaza, que nos maneja y obnubila como el chute hormonal de un enamorado. Como toda intoxicación es mala, el exceso no te deja avanzar, si ves demasiado no creas, si ves demasiado no estás haciendo ver, si lees demasiado sobre fotografía ya no tienes tiempo de crearla.

Y si la llaman intoxicación, ¿Por qué no la miden? Como no medir sus efectos, la dosis letal, la dosis semiletal,  cuantificar la información, dotarla de una  unidad de medida, debería provenir de noticia, de news,…, llamemosla neo, EL NEO (lo puedo ver).

neo

1.m.Quím. neón (elemento químico)

2.m. Unidad de información del Sistema Internacional, que se define como la cantidad de información capaz de procesar un humano de facultades intelectuales medias.

“Hoy he consumido dos neos, voy a ver Crónicas Marcianas para deshacerme de uno”

sabio

1.adj. Dicho de una persona, que posee la sabiduría.

2.adj. Aprehensor del mayor número de neos sin resultar dañado.

Bromas aparte, en  tanto formemos parte de la intoxicación (¿hablo en plural?) seremos ruido, ruido molesto pero inútil (si no eres parte de la solución …).

¿Que hacer para no ser ruido? …

Ser Filtro.

(Ser parte de la solución)

Indefensos ante lo que se nos viene encima, necesitamos de filtros, elegidos y no impuestos, en los que confiar la difícil tarea de discriminar la información que nos debe interesar y la que no. Se trata por lo tanto de una relación de responsabilidad hacia el lector para la cual uno debe estar seguro de estar facultado.

¿Quién debe ser filtro? No existen titulaciones sobre fotografía (quizás algo que se le parezca) por lo que no existe un papelito que pueda acreditar a alguien como Filtrador Oficial de Información Visual, o mejor, Educador Visual. Como no podemos recurrir a alguien a un trozo de papel pegado, recurramos a la experiencia;  o mejor no: “llaman experiencia a llevar veinte años equivocado”.

Es imposible entonces externalizar la labor de educar nuestra mirada; como el reo sin dinero, deberemos ser nuestros propios abogados.

Educar la mirada.

Parece que la única actitud adecuada que podemos adquirir frente a todo esto es la de adentrarnos en esta inmensa frutería, picando de allí, probando de allá, conformando nuestra propia despensa y eligiendo cuidadosamente los fruteros de los que surtirnos. Muchos de ellos, como es el caso, no son Licenciados en Macedonia, sino personas que decidieron aprender de fruta mientras la vendían.

Y es ahí que deshago mi tuerto entuerto,  abandono mis penas por no saber como servir a mis clientes, para acogerme a la alegría de sacaros los cuartos. La empresa consigue un objetivo, una meta, os pienso vaciar la cartera de vuestros conocimientos, para desquitarme de la fea labor de ser un filtro, para que lo seáis vosotros para mi.

Oriol Maspons (R)

“No participe en concursos. No lo haga. No es bueno”.
Manifiesto para el crecimiento personal. Bruce Mau.

Llevaba tiempo queriendo hablar del concursismo y de su uso atroz e idiotizante. Es un fenómeno que he podido vivir  de cerca y con horror; ver como algunos “fotógrafos” presumían del número de concursos que llevaban ganados ese año y de como esos ingresos les habían permitido cambiar la cocina.
Los cartapacios se mueven velozmente, hay que colocar paspartús, 40×50 y 30×40 de la foto, dos concursos por semana, cien concursos al año,…
Y en eso empeñan su tiempo que no sus ganas, lo que entregan no se parece en nada a lo que les gusta, o eso me gustaría creer, que no gustan de esa imagen amanerada en exceso, vacía, que tanto rédito da.
Conocen lo que gusta en cada sitio, y para cada lugar hacen un trabajo nuevo, que no es sino un refrito de lo anterior, no les hables de búsqueda personal, háblales de dinero. Te dirán que el primer año no ganaron pero vieron la foto del ganador, el segundo se acercaron, el tercero estaban en la pomada. En tal pueblo gusta el blanco y negro, en tal otro les han dicho que están buscando algo totalmente diferente, habrá que saturar todo lo saturable. Artistas, son unos artistas, exponentes de una fotografía “inalcanzable” para los demás.
Cuantos buenos fotógrafos se habrán pervertido de esa manera, yo conozco a muchos, pero ellos tienen cocinas nuevas y los bolsillos llenos; los denunciantes un coche viejo.
Pero para que hablar mas si está ya todo dicho, el hombre tiene la memoria lo suficientemente pequeña para poder repetir sus errores, su perfección sería intolerable en otro caso. Quiso la casualidad que conociera hace poco el famoso artículo de Oriol Maspons, “Salonismo” en el número 61 de la revista Arte Fotográfico. Un escrito maravilloso, espléndido, que no deja nada por explicar, lo deja todo tan claro que aquello le valió la expulsión de la Agrupación Fotográfica de Cataluña. Dicen que si duele es que la cosa va por buen camino.
En el ideario de este blog se especifica que estará basado en contenidos propios, pero quien puede tratar de escribir lo que está escrito y tan bien cincuenta años antes, porque todo se repite, mas bien nunca se fueron, siguieron ahí, ajenos a todo lo bueno que se hace en el exterior de lo que sus mentes limitadas abarcan. Permitidme que me salte esa norma y adjunte el artículo en cuestión aunque comprendo que alguien vea en esto la oportunidad de escribir menos, menos aun de lo que lo hacen mis compañeros (a ver si se percatan del tirón de orejas).

Curiosidades. En la revista donde se expone, el artículo de Maspons viene acompañado con un recuadro anunciando un concurso nacional, en otras páginas de la publicación se anuncian también el Nacional de Fotografía Artística de Cartagena y el Primer Salón de Fotografía Artística del Pueblo Español. Tengo la impresión de que Maspons pilló desprevenido a mas de uno.

Salonismo por Oriol Maspons.

Seguir las mismas reglas es el camino mas rápido para que los dos hagamos las mismas fotos”

(Lee Friedlander (c). New York City 1966)

Hablaré hoy de un extraño rito que acontece dos (o cuatro, no me acuerdo) días al mes en la agrupación fotográfica a la que pertenezco. Este rito llamado  EL MENSUAL propone la muestra, por cualquier participante de forma voluntaria, de un número de fotografías de las cuales el “pueblo soberano”, de forma democrática, elegirá una para engrosar el plantel de una futura exposición.
(Dejaré para otro día el plantear si el número de exposiciones fotográficas es excesivo y de Juanito se ha pasado a Don Juan.)
Se acerca el fotógrafo con su carpeta bajo el hombro hacia el atril y allí cuidadosamente deposita sus copias, normalmente con  passepartouts reciclados (para que las dimensiones de la foto acepten al marco y no al revés, primero fué el marco y luego la copia), el orden es importante, la orientación mas, dimensiones consonantes, apaisadas con apaisadas, verticales con  verticales, no mezclar blanco y negro y color,…
Una vez allí , empieza la visualización, unos se levantan y escudriñan sus valores técnicos, uno grita que seguramente ha sido hecha a una abertura de 5’6, otro que la profundidad de campo es insuficiente, que una luz se ha quemado, que está ligeramente trepidada, que que bonita, que maravilla de composición, que diagonales, …

Y una vez violada, el pueblo vota, atendiendo a valores tan “importantes” como la regla de los tercios o la presencia de tonos en las luces.
Suele ocurrir que siempre (o casi) una vez elegida la ganadora del grupo, el autor exclama: ¡Pues a mi me gusta la otra!
Pero que importa, lo importante es la medida general, la imposición de la media estadística de los gustos, y en eso se ha convertido la obra seleccionada de este fotógrafo, que ya está  guardando su copia favorita para que no vea mas la luz.

Merecida es esta condena por la falta de valentía del autor, incapaz de elegir entre sus propuestas y que deja que sean otros los que realizan sus funciones.
Puede ocurrir que necesitemos ayuda para encauzar un trabajo, busquemos entonces a alguien que visione nuestras fotografías y escuchemos sus directrices, eso si, que no sea nuestra madre o abuela.

¿Qué fotografías haces?
Yo sigo los designios del gusto medio del español de la calle.

Esta respuesta, suficiente pretexto como para aparcar las cámaras y que recojan polvo para siempre, no indica nada distinto a lo narrado anteriormente, ¿alguien podría soportar dicho trámite?
Y sucede que como el gusto general se convierte en costumbre, nuestro amigo fotógrafo deja de hacer la fotografía que le gusta y empieza a realizar la que gusta al resto, y se convierte ahora en previsible y se convierte ahora en un aburrido fotógrafo que nunca nos volverá a sorprender.
Y así ocurre también en los profesionales de la concursística, aquellos que saben lo que gusta en cada casa y para tal casa proponen un trabajo específico, no atendiendo a la temática sino al juicio conocido.
Todos absorbidos por la masa, encuadrados en la media estadística del gusto, por la democracia estética que se convierte en dictadora.
Debe existir un paso intermedio entre lo anterior y el pensar que eres un artista porque nadie te entiende, entre provocar siempre las mismas respuestas previstas de antemano o el buscar que no las haya.

Quizas sea el momento de retractarme (retractarnos) de posts anteriores en los que se valoraban los fallos de algunos concursos (Miguel Ángel Tornero, Bleda y Rosa,…) y el funcionamiento de las galerías y salas de arte , plantear si no son en realidad las estructuras ya formadas, las mejores para realizar valoraciones, o si nacieron para solucionar estos problemas.
¿Hemos participado desde aquí a la expansión del gris medio? Si es así, pido perdón.

En lugar de dar carnés a quien no sabe conducir, en lugar de una democracia directa donde opinen meros diletantes, dejar que sea la élite, los ilustrados, los que opinen, seleccionen y premien.
Contra la democracia dictadora, la dictadura de un sabio.

¡Encuentren a ese sabio, rápido!

Expuestos de forma cruel y constante ante una nueva promesa de cuadrar el círculo, ante la resolución de problemas que ni siquera sabíamos que lo eran y que ahora nos parecen horribles e insoportables.

Marionetas en manos de un mercado que crea, a un vertiginoso ritmo, supuestas mejoras y estrategias para su venta, que apuntan al sentimiento de posesión, de innovación del ser humano. Estar a la última, como si eso dependiera de los medios y no de las mentes, ahí es donde atacan de forma impía, creando nuevas necesidades, haciendo que algo parezca imprescindible cuando no lo es.

Aprendimos a escribir hace mucho ya, pero pretenden que volvamos a aprender cada día, a cada hora, renovar la nada, volver a hacer lo mismo pero de otra manera, decir lo mismo pero con otros medios, llegar al mismo punto pero con otras técnicas. Obligados a cambiar el lápiz y la forma de empuñarlo por imperativo legal.

Una nueva forma de escribir, eso prometen, y entramos en el reciclaje de conocimientos contínuo y sin ninguna necesidad. Mientras te reciclas no rindes, mientras estudias no creas, mientras estudias sólo estudias.

¿Por qué nadie estudia sobre el que fotografiar y todo el mundo lo hace sobre como hacerlo?

Nuevo software que nunca usarás, nueva cámara cada seis meses, nuevas funciones que nunca te van a hacer falta, reductores de ruido, interminables fases por segundo, programas de aumento de rango dinámico, reveladores de archivos digitales, filtros virtuales, catalogadores de imágenes, visualizadores con gestión de color, calibradores de impresión, perfiles personalizados,…, cuanta pamplina para llegar de A a B por caminos diferentes. No hay tantas formas para andar el mismo camino.

Aprendemos a escribir, a fotografiar, cada día, otra vez, otra vez, otra vez, como escribías ayer era incorrecto, hay que hacerlo de esta manera, no, de esta nueva manera, eso ya es viejo, ahora, esta es la manera,…

Alguien supondrá que este escrito hace apología de lo estático y lo mediocre, les diré que intenta tratar la estúpida pérdida de tiempo y medios. Actualizarse está bien cuando no supone la mayor parte de nuestra vivencia fotográfica.

Por último y como no puede ser de otra manera, siendo yo el tonto las citas, una frase extraida de una entrevista  al fotógrafo (magnífico) Álvaro Ybarra Zavala y que él tiene como uno de los mejores consejos que le han dado: “no caigas en el error del mundo que rodea a la fotografía. Céntrate en los trabajos y haz lo que realmente quieres hacer, porque es lo que realmente vale”.

P.S. Dedicado al friki  que inunda mi correo con todas las novedades fotográficas del mercado, para que abandone su Día de la Marmota particular  y empiece a hacer fotos, y al iluminado al que se le ha ocurrido poner una sección de material en la revista Ojo de Pez.

Foto (c) Ralph Gibson

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

Para Julián Barón hacer fotos debe de ser algo muy fácil, una actividad fluida y debe ser así por la manera en la que consuma sus capturas, por la manera en la que complica lo sencillo y encuentra detalles en lo habitual. Los detalles, los detalles lo son todo, lo inundan todo; son los que hacen que fotografías en apariencia sencillas nos sumerjan en un ambiente, los que describen la luz que en una tierra brilla, son los que me hacen querer saber que existe detrás de una cortina blindada de rojo.

JULIÁN BARÓN.

Castellón, 1978. Fotógrafo. Coordinador de la Escuela Blankpaper en Castellón. Profesor de Fotografía Documental.

http://www.julianbaron.com

¿Qué supone para ti el documentalismo?

¿Documentalismo? Creo que este término es una forma más de intentar clasificar todo lo que el ser humano tiene en sus manos. Parece ser que clasificándolo todo, somos y tenemos mejor conocimiento sobre los temas. ¿No sé por que?
Sin duda una fotografía o un proyecto fotográfico (reportaje, ensayo…) debe de generar una reflexión, sino da igual que sea documental, artística, foto periodística, de autor… y otros mil millones de clasificaciones mas.
No me gusta clasificar. La fotografía es fotografía, y toda tiene un sentido y una vía de escape hacia el espectador, que debe reflexionar también acerca del mensaje que se le transmite.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué hace bueno un reportaje?

Un reportaje lo hace bueno un cúmulo de puntos a tener en cuenta. Por un lado el fotógrafo debe analizar y reflexionar sobre lo que ocurre ante él, cuando está frente al acto fotográfico, para conseguir la fotografía que de cadencia a otros cientos de fotografías tomadas sobre el proyecto. Luego existe otro punto importante que es el de editar y dar coherencia narrativa al conjunto de imágenes. Y por último creo que el espectador debe también de ser reflexivo y ser el más crítico con el reportaje.
Un buen espectador no se deja llevar por lo que opinen las masas, y mantiene su propio criterio.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?

Como he comentado en la pregunta anterior, el fotógrafo debe ser él mismo, con sus aciertos y fallos en todo su esplendor. Pero sobre todo debe mantener un respeto y compromiso con el acto fotográfico y todo lo que ello implica. La fotografía no es solo imágenes.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Debe predominar el estilo sobre la información?

No creo que estos terminos tengan una jerarquía de uso, puesto que se
deben complementar y no enfrentarse o crear un conflicto de ego. Es
decir, el fotografo tienen implicito su estilo y la información esta
en forma explicita hacia donde se dirije la mirada y porque.
Lo unico que debe predominar (si es que algo tiene que predominar) es
el compromiso.

(Gonzalo Höhr. SÁHARA)

Continuando con el artículo anterior y aprovechando las bondades de La Red, que nos han permitido contactar con varios fotógrafos de apreciada opinión, he realizado un pequeño cuestionario, sin pretensión de entrevista, con preguntas que pueden parecer algo laxas pero que creo nos permitirán definir (si eso es posible) lo que es el documentalismo y algunas de sus implicaciones.

Las preguntas eran las siguientes:

1. ¿Qué supone para ti el documentalismo?
2. ¿Qué hace bueno un reportaje?
3. ¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?
4. ¿Debe predominar el estilo sobre la información?

Agradecezco las amables respuestas obtenidas (recogidas en éste y otros artículos posteriores) y disculpo, como no podía ser de otra manera, a aquellos que no respondieron. Deseo que la estrechez de sus agendas no cese.

JOSÉ MANUEL NAVIA.

http://www.jmnavia.blogspot.com

Fué la primera persona a la que se me ocurrió preguntar, por lo que encontrar su respuesta en mi bandeja de correo supuso para mi una monumental alegría:

Hola Sergio.

Perdona el retraso en contestarte, pero he estado viajando sin parar hasta ahora y a tope de trabajo.
(1.) Creo que el buen documentalismo, el buen reportaje, debe encerrar una enorme curiosidad por el mundo que nos rodea, filtrado, eso sí, por nuestra propia mirada, que es como decir por nuestra inteligencia y sensibilidad.

(3.) El fotógrafo con la cámara sólo debe plantearse preguntas, y a veces, sólo a veces, la fotografía puede ser la respuesta (como decía Lisette Model).

(4.) El estilo sólo debe ser el fruto espontáneo de un trabajo continuado, independiente y honesto, unido a una vida vivida lo más plenamente posible. Preocuparse por el propio estilo solo lleva a amanerar el trabajo (aunque a veces pueda llevar también a una fama efímera).

Un cordial saludo.
José Manuel Navia

RICKY DÁVILA.

Hace tiempo que no logro hacer plano medio corto sin acordarme de IBÉRICA.

(1.) Distingo entre documentalismo y periodismo. En el primer caso, el campo de acción es más amplio e incluye la autoría y una aproximación subjetiva al motivo fotografiado que permite, entre otras cuestiones, un desarrollo más formal, poético, o como quiera decirse, en perjuicio del espíritu informativo del trabajo.

(4.)En el caso del periodismo, la acción fotográfica está vinculada -y acotada- a los medios de comunicación, en los que de modo creciente hay muy poco espacio para la aproximación subjetiva al tema y, por lo mismo, ningún margen para la acción poética.

Un saludo,
R.

(Gonzalo Höhr. SÁHARA)

GONZALO HÖHR.

http://www.gonzalohohr.es

Gonzalo es un magnífico fotógrafo con un amplio currículo, es director de AL LIQUINDOI (junto a Jessica Murray), desde donde se organizan talleres que cuentan con la presencia de fotógrafos de talla mundial.

(1.) El documentalismo es “masticar” la realidad para que pueda ser “digerida” por los demás. Documentar es el acto por el cual analizamos una situación desde distintas vertientes para así poder sacar conclusiones más profundas y cercanas a la realidad. Haciendo una comparación un poco simple, diríamos que el fotoperiodismo gira en torno a la realización de una portada de un libro que explique todo el contenido interior, y la fotografía documental se encargaría de escribir las páginas del mismo.

(2.) No sé si distinguir entre reportajes buenos o malos, pero si lo haré entre interesentes para mí o no. Para mí un reportaje bueno consiste en crear un análisis único sobre el tema tratado. Más allá de atractivos estéticos y funcionales, un reportaje bueno es capaz de conmover a cualquier persona y permanecer en nuestras memorias para siempre.

(3.) El papel del fotógrafo frente a lo que ve, desde mi punto de vista, es uno de los factores que más condicionan un reportaje. La actitud que un fotógrafo adopte frente a una situación será la que marcara el carácter último de sus imágenes. Creo que ser sincero consigo mismo, coherente con lo que haces y respetuoso hacia quienes te muestran su historia, es algo indispensable para luego sentirte con derecho y orgulloso a difundir un reportaje.

(4.) No lo creo. Creo que deben ir de la mano y complementarse uno al otro. Sucede mucho que ciertos temas tratados con determinado estilo producen un conflicto que no ayuda en nada a un reportaje. Aunque el mismo tema puedes abarcarlo desde distintos estilos fotográficos, siempre hay que tener presente que dicho estilo condicionará la lectura del tema.

Un saludo,
Gonzalo Höhr

Las respuestas son siempre eso, respuestas. Personales, basadas a veces en connotaciones intransferibles, en vivencias, extraidas de conversaciones interminables,…, respuestas. Eso si, algunas respuestas se comportan como los hombros de un gigante, el que en ellas se apoye conseguirá ver mas alto.

(En el próximo artículo, será Julián Barón quien conteste a nuestro cuestionario).

” Reportaje documentado sobre un tema en concreto, que ha sido planteado como un proyecto a largo plazo y no necesariamente a acontecimientos actuales. La selección de temas, la presencia subjetiva y la dedicación del fotógrafo contribuyen a la eficacia del proyecto.”
Arianna Rinaldo, Magazine Ojo de Pez, 02.

(Esta definición me parece perfecta salvo por la omisión de la fotografía de viaje con vocación documental, los “journeys“)

El término documento o documental fué acuñado por el cine para designar un tipo de trabajo no basado en la ficción o la fantasía sino en sucesos o hechos, ilustrados sin unas reglas fijas y con la utilización de todas las herramientas de expresión posibles.
Posteriormente fué acogido este término por la fotografía, con el mismo sentido, siendo visto desde la distancia por la mayoría de fotógrafos y considerada durante mucho tiempo como la hermana pequeña de la fotografía “fine art”, como hermanastra de las fotografía “que se hace”.

Transcurre el tiempo hasta la aparición necesaria de una primera crisis documental. necesaria digo debido al uso reiterado de una misma temática, y de la misma forma de mostrarla. Unido esto también al abuso del blanco y negro y de un formato cinematográfico casi impuesto. El fotógrafo se revela contra unos contenidos faltos de originalidad, excesivamente trillados y sobrios; y apuesta a su vez por el uso del color y por toda clase de formatos (se rescata el gran formato).

Aparecen nuevos rumbos documentales que se desarrollan de distintas formas y con diferentes escuelas: la apuesta por una estética de la banalidad, la aparición de los temas no conceptuales, la aparición de la subjetividad total, el documento topográfico (los Becher), el documentalismo británico (la acidez de Martin Parr), la fotografía descriptivista americana y el New Color (Eggleston, Shore, Sternfeld), el documentalismo centroeuropeo, ..
El nuevo documental aprovecha todas las opciones anteriores para la consecución de su objetivo.

Volcados hacia el exterior, hacia el otro mundo, el aparentemente no conocido, los fotógrafos inundaron el Tercer Mundo, cubrieron guerras e inspeccionaron paises desconocidos,  y a su vuelta se dieron cuenta de lo inexplorado que estaba el suyo.
No sabían nada de su mundo, de su forma de vivir, de su sistema económico, de la existencia o no de valores comunes a ese Viejo Mundo que por descuido olvidaron.
Aparece la banalidad como motivo y todo aquello que aparentemente no tenía valor fotográfico ahora lo obtiene, la arquitectura, los objetos que nos rodean, las escenas mas cotidianas, los fotógrafos empiezan a ver cosas fotografiables donde nadie las ve.

“Fotografío esto, para ver como se ve en fotografías”

Se meten en el supermercado, en las tiendas, fotografían nuestros objetos, joyas, vallas publicitarias,…, se lucha contra todo aquello que había sido impuesto, contra lo que se había enseñado como atractivo.

El momento decisivo muere. El fotografiado aparece consciente ante la cámara, descubierto, de forma frontal, y en su sencillez esa fotografía nos abre nuevas puertas, nos hace formular preguntas mas allá de las que provoca la anécdota de un salto o de la casualidad. Estos documentos estáticos no interpretan la realidad, simplemente la recogen, genera preguntas mas que responderlas.

Conviven por tanto el fotógrafo estático con aquel que expresa su estilo y su forma de ver las cosas en sus fotografías, se nota su presencia y aprovecha todas las técnicas posibles para hacerla notar, para remarcar su personalidad y diferenciarse del resto.

Pero el punto de cambio principal, por encima de cualquier innovación técnica, del uso de byn o color, del motivo fotografiado, …, el concepto sobre el que todo cambia, es la nueva actitud del fotógrafo, se apuesta de forma total por la SUBJETIVIDAD, se procede a quemar cualquier ideario periodístico (el ideario Reuters, ver las partes no dedicadas al uso del editor de imágenes). Era la única vía posible, desligada ya la fotografía, como facilitó antes ésta a la pintura, de la misión de sostener la verdad.

“Not the picture of reality,but really just the picture.” (Jean-Luc Godard)

La crisis actual:

No parte tal crisis, como la anterior, de la reivindicación de nuevos temas, motivos y formas (lo que no es atractivo hoy lo será mañana) sino que es una crisis mas terrena, menos romántica, se trata de un problema de consumo y tiempo.

El fotografo documental actual intenta buscar su lugar, utilizando de forma consciente o insconciente las herramientas utilizadas por fotógrafos anteriores (el uso del byn o el color ya no es ninguna reivindicación, simplemente una opción) y lucha por situarse entre el aficionado de gatillo fácil y el artista incomprensible (el documento ha aspirado al arte de forma que nadie sabe si sigue siendo documento) , a lo mejor utilizando las mismas herramientas pero con afán de distancia.

El documental no vende, y para hacerlo hay que revestirlo de arte para tapizar galerías o desmenuzarlo en partes que ilustren artículos sesgados.
Hay que hacerlo todo deprisa, hay que generar fotografías de fácil digestión, cagables y de olvido garantizado. Las agencias buscan la foto que necesitan en un formulario electrónico seleccionando las etiquetas adecuadas, los periódicos y revistas pueden obtener veinte fotografías del mismo suceso o tema buscando en el buzón web repleto de fotos que algunos que pasaban por allí hicieron con el móvil.

¡Corred, corred, malditos!

Pocos son ya los elegidos, el fotógrafo tipo, hace fotos de la famosa de turno en la puerta de su casa y rescata alguna hora para acabar un proyecto interminable que tiene en mente, otro es electricista y ahorra de donde no hay para sufragar sus viajes de camping gas y canadiense y el albañil aprovecha el aprovecha el almuerzo para relatar su vida y hace bodas el fin de semana para sacar dinero.

Un poco de tiempo, por favor.

Imaginemos la habitación de un hospital, uno cualquiera, uno de esos encargados con el fin de la tristeza, enmarcados en gris.
Un hombre joven que se sabe muerto alterna las horas en las que no dormita entre el ejercicio de la mirada a través de la ventana y el dolor.
A escasos metros de allí , en el edificio donde se suelen repartir las alegrías, hace unas horas que nació un bebé, uno precioso, un bebé hermoso de cuatro kilos, la piel rosada y la cabeza llena de pelo, uno de esos pocos a salvo de los comentarios de marujas malcaradas.
Estas dos historias, estos dos momentos tan diferentes que conviven en el tiempo se entrelazan mas allá. El abuelo está muriendo y el nieto nace, un abuelo nervioso por saber como va todo,  si su nuera está  bien y ha sufrido lo justo, si su nieto nació sano, por saber si  es llorón, si es rubio y fuerte como él.
Y ese nexo lo encontramos en una abuela que recorre apresurada los pasillos plagados de padres risueños, pasa por delante de la cafetería con insoportable olor a fritos y café malo, con una carpeta entre los brazos mirando hacia adelante para no ver ahora a los que vienen a despedir lo que mas querían, a los hijos que creen que su padre o su madre, está preparándose para viajar a un cielo que no imaginan.
Tantea el pomo que abre la tumba y forzando la sonrisa entra, apretando los dientes para no llorar al ver lo que queda del gigantón que fué. Con cuidado extrae de la carpeta una fotografía que nuestro hombre recoge  para su escrutinio pausado, disfrutando sin disimulo los detalles que le ofrece.
Aquel será su único contacto con su nieto, nunca lo verá, no tendrá tiempo.

Dejemos de imaginar entonces, por que lo que aquí se cuenta no hace mucho ocurrió.

DECADENCIA.

La secuencia de palabras encadenadas queda de la siguiente forma:

DECADENCIA – DIGITAL – NEWTON – ANILLOS – LISBOA – LIBERALISMO – IMPERIALISMO – FIDEL CASTRO – KOUDELKA – BASURA – OCASO – TEMOR – MICROSOFT WINDOWS – VALOR – JAN SAUDEK.

El siguiente paso no puede ser otro que el de encontrar una imagen que intente aglutinar la mayoría de los valores anteriores.  Adjunten pues enlaces a la fotografía propuesta.