J. Alfred Prufrock, 2010. Eduardo Momeñe (c)

Mucho se habla del concepto de “educar la mirada” de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.

“Mire usted, me he apuntado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?”  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

Sin ir mas lejos, varios han sido mis intentos infructuosos de encontrar una respuesta a lo que hasta ahora creía, un eslogan vacío. Puede que no recurriera a las personas indicadas.

De hecho esa era una duda mayor si cabe ¿Quién está capacitado para educar fotográficamente?, no sólo eso ¿Se debe proporcionar esta educación? ¿Puede coartar  esta educación la capacidad creativa y de expresión, en este caso de un fotógrafo? Seguro que hablando de educación, la mala, al igual que puede ocurrir en cualquier centro de enseñanza, puede tener efectos nefastos. La responsabilidad debe existir.

Para ello hemos buscado a aquellos que creemos pueden ayudarnos en esta búsqueda y encauzarnos por esta senda tortuosa de lo que debe ser una educación fotográfica completa. Así también consideramos que sería desaprovechar esta oportunidad el no interrogar también sobre la debatida existencia  de limitaciones en el lenguaje fotográfico y la creciente interacción de la fotografía con otras ramas artísticas.

Tenemos el honor de contar para esta primera ronda de preguntas con la amable participación de Eduardo Momeñe (Bilbao 1952), fotógrafo, docente, articulista, creador de la magnífica serie de televisión “La Puerta Abierta” y escritor de “La Visión Fotográfica” un libro que constituye el perfecto punto de arranque perfecto para emprender esta aventura que compartimos. Sus respuestas seguro serán de gran ayuda.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Sólo se puede educar la mirada si ya se tiene. Hay personas que tienen mirada fotográfica y otras no, hay personas que tienen buen oído y dotes musicales y otras no. Se puede estudiar música si se da lo primero. A partir de ahí, es cuando se puede trabajar la mirada, cuando ya existe. Se trata de averiguar, y lleva tiempo, si uno la tiene o la podría tener, o no.  La educación sólo es posible si ya está todo en uno, aunque todavía esté en estado bruto, o sin descubrir. La educación no va ser sino una manera de tratar de sacar lo mejor posible lo que ya está dentro. Hago hincapié en ello porque  es una pregunta que no siempre se hace. La fotografía es el producto de un pensamiento visual (es un pensamiento complejo) , y que será más potente si se desarrolla cultural e intelectualmente. En todo caso, son dos pasos, el primero sería comprender, saber leer fotografías, y a continuación, y sólo después, intentar hacerlas. Hay muchas personas que saben y comprenden muy bien el lenguaje fotográfico pero que serían incapaces de hacer una obra fotográfica. De alguna manera son dos profesiones diferentes. Es muy fácil verlo en extraordinarios galeristas que comprenden perfectamente el medio pero que son incapaces de hacer fotografías.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Lo correcto, en mi opinión sería, comenzar por comprender que la fotografía es un medio de expresión  de manejo complicado, bastante desconocido, y que exige un conocimiento de la manera en la que actúa. En esta dirección debe ir una educación apropiada. Mucha información. En fotografía se piensa muchas veces que no hace falta esa información. Sin embargo, es mucho lo que hay que aprender porque se trata de obtener un conocimiento del mundo, del arte, del pensamiento, de la cultura, etc… que es el que puede producir una obra fotográfica consistente.

Sin educación es difícil hacer algo. Quizás haya alguien que lo haya hecho pero no es un ejemplo para los que no tuvimos tanta suerte. Sí es importante la intuición, pero sin conocimiento, al igual que ocurre con la inteligencia, no vale de mucho.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

¿Quien lo enseña? Probablemente nadie, porque es un proceso lento, acumulativo, de bastante tiempo basado en un interés obsesivo. La fotografía no se enseña, simplemente se pueden recibir pautas, y que una mente con ganas, sepa atrapar. La fotografía se aprende desde todas partes, nadie nos va enseñar a hacer fotografías, simplemente nos pueden echar una mano, pero el aprendizaje es personal. Uno no es artista, simplemente hace cosas, y después si pasado el tiempo todo permite que haya un consenso de que esas obras que uno ha hecho , son obras de arte, quizás pueda pensar que es un artista. Robert Frank es un buen ejemplo. ¿Quien le enseñó a Robert Frank a hacer fotografías…  y a Paul McCartney a hacer canciones? Quizás sus amigos músicos, escritores… quien sabe, pero ya estaba todo dentro anteriormente.

Nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente al peso de su pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos  por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas.

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo que haya ningún tipo de limitación excepto las nuestras.  Desde mi punto de vista, viene una época apasionante, si no nos distraemos. Fotógrafos que van a hacer un cine diferente, fotográfico. Cineastas que utilizan la fotografía, escritores que hacen fotografías, fotógrafos que escriben. Ya está ocurriendo pero por alguna razón en ciertos ambientes aún se piensa que la fotografía debe ser hecha por mentes pictóricas, y que aquel arte conceptual de los 60 con malas cámaras de video y fotografías en blanco y negro expresamente hechas con indiferencia son algo distinto del arte conceptual de ahora, hecho en color en gran formato y con buenas cámaras.

2. ¿Su aceptación es la aceptación del medio?

Las fotografías ya no se van a hacer solamente para colgarlas en una galería como objetos decorativos, sino que van a formara parte de extraordinarias narraciones conceptual y visualmente elaboradas, véase video, libros,… Insisto en la escritura, textual, visual, fotográfica, cinematográfica. Robert Frank no hace cine -o video- y fotografia, Robert Frank escribe con diferentes herramientas. Por supuesto, es mi punto de vista, uno más en otros muchos.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado?¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Desde mi punto de vista, y por fortuna, el futuro de la fotografía es apasionante pero no gracias al Photoshop, ni a las representaciones de carácter simbólico (y pictórico) a gran formato, sino a la escritura, a la confrontación con la realidad mediante el lenguaje. Ahí está un documentalismo  de una potencia conceptual fortísima. Conocimiento en estado puro. Excelentes formas con contenidos inteligentes. El problema es que no es fácil.

Gracias Eduardo por sus respuestas. Os animamos a participar con vuestros comentarios.

Leí el otro día un comentario de Victoriano sobre sus fotos, o más bien, sobre sus espectadores y a quienes se dirigen las fotografías. Me ha sorprendido la rotundidad de la afirmación del título, supongo que por distar de lo que pienso. Veamos…

Partamos de la base en la que tenemos nuestra fotografía y un espectador. Es evidente que cada uno tendremos una opinión diferente de la imagen, pero, ¿por qué? Pues por cómo sómos, cómo pensamos, nuestros conocimientos, nuestro estado de ánimo, etc… En definitiva, por todo lo relativo a nuestra psique. Todo esto básicamente es sobre lo que trata el ensayo sobre la Teoría de la Equivalencia de Minor White. En definitiva:

Fotografía + Persona mirando = Imagen Mental

Así pues, coincido en la idea de que el espectador interviene como parte importante del proceso.

Por otro lado, creo que al igual que a la fotografía le pedimos un mínimo de calidad (en términos generales, más allá de lo técnico) para tener un mínimo entendimiento, el espectador también debe de poseer una serie de conocimientos adquiridos, aunque quizá no conscientemente. Cité hace un par de años a Miguel Martín, profesor de literatura:

Hoy no se transmiten los mensajes como antes, con palabras, sino con imágenes, y quizá más importante que enseñar a leer ‘El Quijote’ es enseñar a interpretar un mensaje publicitario. Y lo digo seguro, y a pesar de ser profesor de Literarura, porque el que hace el mensaje y las imágenes es un ‘cervantes’ de hoy, y el que las recibe, si no sabe interpretarlas es un esclavo, le están engañando

…que bien hubiera poder haberlo dicho el mismo Moholy-Nagy:

El analfabeto del futuro no será el iletrado sino el ignorante en materia de fotografía

La pregunta obligada ahora es… ¿están preparadas las grandes masas para desenvolverse en la cultura visual? Mi opinión es que no. El analfabetismo es patente. Hoy por hoy es fácil impactar, sólo hay que apuntarse a la moda de la última receta photosopiana. El problema de las modas es que acaban pasando, por hastío.

Y es que al final todo se simplifica al dichoso porqué

Foto CC | Rodrigo Bertolino

Mi intención en este artículo es la de generar un debate sobre el efecto visual de la proporción áurea en la fotografía. Considerar si este fenómeno maravilloso y a la vez mágico del número phi puede interpretarse como una regla fotográfica a seguir o una simple ecuación matemática inevitablemente presente en el arte.

Pero, ¿qué es la proporción áurea? Dicho en una única frase, es la relación fantástica entre los números y la belleza.

Cuando al matemático griego Euclides le dio por trazar una línea y segmentarla de tal manera que cuando el segmento total es a la parte mayor como la parte mayor es a la menor, estaba cimentando una proporción geométrica que posteriormente se manifestaría constantemente.

A principios del siglo XIII fue el matemático italiano Fibonacci quien presenta una sucesión numérica con unas propiedades sorprendentes entre las que destaca la obtención del número de oro 1,618… Investigadores fueron luego encontrando esa proporción exacta en una infinidad de hechos naturales como la disposición y número de los pétalos de las flores, la distribución de hojas en un tallo, la distancia entre las espirales de una piña, la relación de distancias en las espirales de las conchas de los moluscos, etc, etc. Pero no sólo se descubrió esta proporción en la naturaleza sino que también se encontró en el ser humano, en la escultura, en la música, en la arquitectura y prácticamente en todas las facetas artísticas.

Platón dijo que la realidad es un número y consideró la relación áurea la más hermosa de las proporciones matemáticas. Y con él han debido estar de acuerdo artistas como Salvador Dalí, Fidias, Leonardo da Vinci, Durero, Mozart o Debussy que plasmaron en sus obras las bondades de esta divina proporción. 

Pero, ¿ocurrió esto de manera consciente, es decir, aplicaron estos artistas el número áureo deliberadamente? Hay constancia de que por ejemplo Dalí sí lo hizo (Leda atómica) ya que sus testimonios así lo verifican. Pero esta voluntariedad no está tan clara en cambio en otros muchos casos. Sea de manera voluntaria o involuntaria, sí parece cierto que la proporción áurea ha descubierto a los artistas el secreto de las formas armónicas. Numerosos estudios confirman que existe una especie de placer estético en las formas bien proporcionadas y que el ser humano reacciona de manera favorable ante la simetría geométrica.

Llegados a este punto, mi cuestión y duda está en determinar si este “canon de belleza” llamada proporción áurea puede considerarse una regla fotográfica a seguir. En mi modesta opinión, creo que no se le debería dar tal consideración diferenciando de antemano esa característica clave de voluntariedad. Para mí la proporción áurea en fotografía puede ser una herramienta más en manos del artista que en un preciso trabajo pretenda conseguir una estética determinada. Si luego la involuntariedad o el inconsciente le empuja a repetir esas proporciones se entenderá que simplemente tiende a una visión simétrica del mundo que fotografía.

Empiezo diciendo que el post trata sobre el mismo tema que el vídeo que véis arriba, que me parece absolutamente recomendable. Son 24 minutos sobre la intuición, y es totalmente extrapolable al ámbito fotográfico.

Estaréis conmigo en que la Fotografía tiene un componente no meditado, que en muchas ocasiones atribuímos a la suerte o a la casualidad. Pero, ¿hasta qué punto podemos seguros de esta atribución?

El acto fotográfico es tan complejo que es imposible controlarlo todo antes del momento del disparo. Ni en estudio, siempre hay algo que se escapa a nuestra percepción, al menos siendo conscientes. Si fueramos capaces de ésto, podríamos construir imágenes perfectas, o al menos de morir en el intento. En realidad sólo manejamos unas cuantas variables e ignoramos la mayoría. No sabemos cómo reaccionará la persona que tenemos delante, decidimos dónde podemos colocarnos simplemente viendo la situación, qué material vamos a usar, tampoco por qué decidimos esperar un poco más o por qué usamos tal o cual encuadre, aunque ciertamente todo esto haya funcionado muy bien. ¿Simple casualidad? Lo dudo.

En todas estas cuestiones entra en juego nuestro ángel de la guarda particular que decide por nosotros. La intuición. Hasta hace poco la intuición se consideraba un sexto sentido sin una base racional. Al parecer no es tan irracional como pudiera parecer. Intuición es reconocer, usar nuestros conocimientos previos para tomar decisiones instantáneas inconscientemente. No sabes por qué, pero algo te dice que es lo correcto. No piensas, actúas. Curiosamente la intuición suele acertar más que el planteamiento meditado en situaciones de incertidumbre. La razón es que la intuición se basa en que la intuición se basa en una buena razón para elegir, mientras que en el planteamiento nos perdemos en un mar de razones que sugieren cosas distintas elecciones.

Con esto no quiero decir que haya que ser ignorante. Creo que hay que dominar al menos la técnica al dedillo, pues es lo que sí podemos abarcar y tenerla a nuestro servicio. Es como el conocimiento de la escritura, la gramática y la retórica para un escritor. Creo que el resto lo da la experiencias, las tablas. Te desenvuelves mejor si no es la primera vez que te encuentras en una determinada situación. No hace falta pensar, te mueves en tu salsa, en tu medio, como pez en el agua.

No obstante es sorprendente las fotos que puede hacer un niño con una cámara en automático, en aspectos como el encuadre y el punto de vista. Jamás ha experimentado con la fotografía y no sabe nada de técnica. Paradójico, ¿no?

De cualquier modo y aunque la anticipación consciente o inconsciente puede darnos resultado, hay circunstancias que no dependen de nosotros y son imprevisibles ¿o no? ¿Existe el factor suerte? ¿o todo es un cúmulo de decisiones?

Hace apenas un año me encontré con este concepto fotográfico-artístico que atrapó mi atención e interés desde el primer instante. Miksang es una palabra tibetana que significa “buen ojo” y viene a estar teóricamente ligada a la fotografía contemplativa.

A través de la meditación se nos invita a realizar una percepción de las cosas y de la naturaleza en general diferente, libre de prejuicios y asociaciones ya aprendidas. Se trata de apreciar todo lo que nos rodea sin pensamientos subjetivos ni temores previos al instante de capturar la imagen.

El Miksang está basado en las enseñanzas Shambhala del maestro de meditación, artista y profesor budista Chögyam Trungpa Rimpoche. Según él, debemos dejar de luchar por obtener una imagen fotográfica brillante o conmovedora y liberarnos de la necesidad de impresionar. Esto sólo ocurre cuando practicamos una percepción pura.

A continuación cito un párrafo de su libro “Enseñanzas esenciales” que en mi opinión dibuja muy bien la idea o concepto que intentaba transmitirnos este maestro tibetano:

El descubrimiento de la auténtica bondad es algo que se alcanza a partir de las experiencias más sencillas. Continuamente tenemos atisbos de esa bondad, pero no solemos reconocerlos. Cuando escuchamos un sonido melodioso, cuando salimos de la ducha nos sentimos frescos y limpios y, al salir de una habitación cargada, agradecemos la bocanada súbita de aire fresco. Aunque estos eventos pueden durar una fracción de segundo, constituyen auténticas experiencias de bondad. Están sucediéndonos continuamente, pero por lo común los ignoramos. Según los principios Shambhala, merece la pena reconocer y aprovechar esos momentos, porque ellos nos revelan la no agresión y la frescura que son el fundamento de nuestra existencia.

En este tiempo breve pero intenso que llevo de lectura y aprendizaje sobre este tema, creo que la mejor enseñanza del Miksang pasa por una valoración muy diferente del concepto de belleza que tenía hasta ahora. En todo lo que nos rodea hay magia y hay vida en todos los detalles e instantes que vivimos. La gran dificultad es saber apreciar esto y el gran reto conocer la manera expresarlo en imágenes.

Foto (c) Julieanne Kaplan

La subjetividad del observador es única y determinante.

El proceso de percepción de una imagen está ligado muy estrechamente con la familiarización que el observador tenga con los elementos mostrados. Dicho de otra manera, el modo en que vemos y aceptamos las fotografías depende en gran medida de las identificaciones que hagamos con imágenes pasadas que mantenemos en una especie de memoria latente.
Desde que nacemos, vamos incorporando a nuestra mente una infinidad de imágenes y hechos que, consciente o inconscientemente, quedan archivados para toda la vida. Las posteriores visualizaciones que vamos haciendo van a estar siempre condicionadas de tal manera que aceptaremos antes aquello que nos es familiar en detrimento de lo que no lo es. Lo identificable captará mas fácilmente nuestra atención y aprobación que aquello desconocido del que no guardamos referencia alguna.

Roland Barthes escribió que “la percepción no se da sin una categorización inmediata, la fotografía se verbaliza en el mismo instante que se percibe”.

Cuando vemos una imagen estamos seleccionando, procesando la información en milésimas de segundo, identificando todos los elementos que nos son familiares y completando un concepto. Nuestra aprobación va a depender del resultado de este trabajo mental.

Según la psicología de la Gestalt, la mente construye la imagen gracias a la experiencia y la memoria, configurando así una comprensión total de lo observado que puede ser distinta según la subjetividad de la persona en cuestión. Esta subjetividad no es estática ni mucho menos, sino que evoluciona con el paso del tiempo. Así, podremos valorar y reaccionar de manera muy diferente ante una fotografía observada en el pasado que quizás apenas nos transmitió mensaje alguno y, en cambio, recibir de ella en el presente una carga emocional o de significado que no existieron en la primera ocasión.

Un ejemplo muy simple pero quizás ilustrativo podríamos tomarlo de la fotografía “Muerte de un miliciano” de Robert Capa. Una persona que haya vivido en la selva amazónica durante toda su vida es muy probable que apenas prestase atención a esta imagen. No identificaría ningún elemento de la misma, ni siquiera el fusil le es familiar y su atención sería mínima. Otra persona con una acumulación importante de antecedentes visuales sobre la guerra y que incluso sea capaz de identificar el uniforme del soldado, tendrá obviamente una reacción totalmente distinta y su asimilación de la imagen será también diferente.

No es mi intención recopilar aqui datos e historia sobre estos conceptos pero sí suscitar un diálogo entre los lectores de foto36.
Para el pictorialista, la fotografía es el medio, y el arte es el fin. Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos.

Los pictorialistas en sus inicios promovían una falta de nitidez evidente en las imágenes, despreciaban la técnica y usaban material no apropiado o incluso con defectos. Su intención era alejarse de la “realidad” que la fotografía había proporcionado hasta ese momento adoptando características como borrosidad, desenfoque, marcas o suciedad en las imágenes, falta de nitidez, etc.

La fotografía purista, en contraposición al pictorialismo, rechaza cualquier tipo de manipulación del original y trata de construir una escena lo más realista y objetiva posible. Los puristas defienden la riqueza de texturas, la exactitud, definición, imparcialidad y sensación de realidad.

Yo particularmente me considero pictorialista ya que mis gustos estéticos coinciden en gran mayoría con esa falta de rigor técnico del pictorialismo e incluso disfruto con el uso de cámaras defectuosas.
¿Y tú? ¿te consideras pictorialista, purista o estás a medias?