Descubrí la obra de  Enric Montes (Barcelona, 1969) casi por casualidad, en un momento en el que estaba hastiado de casi todo lo que veía. Accedí a un enlace donde se mostraban unas fotografías que causaron en mi una sorpresa inmediata y creciente, en gran parte porque me era imposible definir lo que estaba viendo. La curiosidad guió mis pasos y quise contactar con su autor para saciarla.
Tengo ahora el placer de mostrar la entrevista generada tras mi acoso inicial y a la que Enric accedió amablemente.

Enric, cuando veo obras como la tuya (no es que haya visto muchas), no sé si de manera forzada, pero veo también una manera de huir de la vía normal, o la que normalmente se asocia con trabajos de calidad. ¿Eres  capaz de definir o encuadrar tu obra en alguna corriente fotográfica? ¿Eres consciente de que la vía del documentalismo está siendo demasiado explotada?

Creo que no es a mí a quién corresponde encuadrarme en algún movimiento o corriente. En alguna ocasión me han comentado que mi trabajo les parece diferente a todo lo que han visto hasta ahora pero no creo que eso sea totalmente cierto y tampoco sé exactamente donde ubicarlo. Lo único claro es que no está en la línea de las que parecen ser las tendencias dominantes actuales en fotografía, pero no es una cosa que tenga presente y que me preocupe, pienso que si eres honesto (contigo mismo y con los demás) y crees en lo que haces al final encuentras tu público. Si se siguen las tendencias todo el mundo acaba haciendo lo mismo y por eso la sensación de deja vu que provocan muchos de los trabajos actuales, con imágenes casi clónicas en algunos casos. Creo que lo importante es encontrar tu propia voz.

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(Books of Durer paintings. A book of books, Abelardo Morell)

Intentando crear  costumbre proponemos aquí una breve selección de los que han sido los mejores títulos de fotografía del año saliente.

Jos de Dalpine nos propone lo siguiente:

Ha sido un año en el que se han publicado muchos libros y no es fácil hacer una selección tan reducida sin que quede un poco cargo de conciencia por los que se quedan fuera.

Los cinco libros que me parecen los más interesantes del año son:

- Paloma al Aire de Ricardo Cases.

Maravilloso trabajo documental con un inconfundible estilo personal y

presentado en libro de espiral que recuerda a un block de notas. Sin lugar a dudas el mejor libro de fotografía español de la última década.

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Los estudiantes de jazz con problemas de ego tienen miedo de escuchar buena música.

Una vez estaba en la ciudad tocando con un gran grupo. Al día siguiente dí un curso en la escuela de música local para unas treinta personas y les pregunté si habían ido al concierto de la noche anterior.

Sólo tres levantaron la mano.

(…)

Seguramente si uno se dedica a autocomplacerse, evitará conocer a los grandes músicos. Músicos como estos prefieren el confort y la seguridad de su conejera.

¿Quién quiere admitir que odia escuchar a un buen músico? Lo cierto es que muchos encuentran este acto demasiado doloroso.

Kenny Werner, músico, extraído de  su libro Efortless Mastery.

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Sunray, Texas, 1942. Jay Vachon

Recientemente se han hecho públicas, en forma  de libro, unas fotografías en color capturadas por el inefable Robert Capa. Escrutándolas, mi extrañeza crecía poco a poco, y desde el primer momento supe que no era por algo imputable a su contenido, sin embargo, no podía explicarla;  dar un motivo a esta sensación. Comprendí que me estaba enfrentando a un ataque directo y efectivo a mi comodidad, a lo que yo había concretado como la adecuada temporalidad fotográfica. La identificación, ahora manifiestamente errónea, de una época fotográfica con unas características estéticas.

Soldados senegaleses, Saint Ulrich. Paul Castelnau

No creo haber sido el único que ha escuchado alguna vez manifestaciones de algunos fotógrafos que renuncian al blanco y negro, para huir, según sus palabras, de la melancolía que acoge; tenida ésta como dogma impreso en los grises.

Pero cada vez son mas los ejemplos, que crecen mediante la investigación o con la  abertura, casi siempre casual, de cajones y maletas, que atentan contra lo que alguien postuló, y muchos dieron por cierto.

Rompen una linea espacio-tiempo artificial y lo hacen con la mas bella de las fracturas, exponiéndonos a un pasado que hemos alejado mas de lo debido, ayudados por su transformación albinegra  (sepiada, selenizada,…).  Es entonces, cuando dotamos al pasado de nuevos tonos, que vemos esos rostros dotados de los mismos colores que vemos en el espejo y el cielo pasado del mismo azul que tiñe el nuestro. En ese momento el gusano que teje el tiempo nos reúne con lo que vemos y los lustros, los decenios son reducidos a segundos.

Christina, 1913. Lt. Col. Mervyn O'Gorman

Los autocromos, los kodachromes de la segunda guerra mundial. las diapos de Capa, son  hallazgos que nos hermanan con el pasado y que desvisten al blanco y negro de una melancolía indeseada y falsa, que refuerzan mas si cabe sus capacidades estéticas y abstractivas, dejándolo avanzar; porque ahora el viaje es de ida y vuelta, y con cada hallazgo se afianzan nuevas rutas, una nos hermana con lo pasado y la otra nos devuelve lo perdido.

Kush Beggi, Bukhara, 1905-1915. Sergei Prokudin-Gorskii

Portugal, 2005. David Jiménez (c)

En nuestro intento de definir el cada vez mas famoso concepto de “educación de la mirada” hemos tenido la suerte de recibir las respuestas de David Jiménez (Alcalá de Guadaira, 1970), fotógrafo de un curriculum impresionante y conocido educador, tanto a nivel universitario como impartiendo muchos e interesantes talleres.

Quizá entorpeciendo vuestra lectura, me ha interesado sobremanera la manera de ver a un educador como alguien que necesita ser superado para realizarse.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Creo que no se puede definir qué es lo correcto.

Lo correcto sería quizá lo que funciona bien para que alguien se desarrolle de la mejor manera posible, y eso es distinto para cada uno.

En todo caso, encuentro positivo que la formación sea del interior de la persona, una educación que ayude a ser más reflexivos, a conocer más puntos de vista, a desarrollar la curiosidad y las ganas de ir más lejos, a ser más valientes, a trabajar disfrutando y por lo tanto, a trabajar mucho y bien. A quemar los estereotipos y las ideas preconcebidas sobre cualquier cosa.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Por eso creo que debe ser una educación muy abierta. Cualquier fórmula, cualquiera, que se de a alguien en cuanto a lo que debe hacer o dejar de hacer en su proceso creativo o en cualquier otra cosa, es veneno puro. Una educación que haga eso es pues, a mi modo de ver, perjudicial. Pero lo contrario podría ser bueno, incluso muy bueno. Eso creo.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

Personas generosas, que se hayan tomado la molestia de aprender algo en sus vidas, que deseen que sus alumnos sean mejores que ellos y les ayuden a serlo, y que hayan entendido algunas cosas fundamentales.

Por otro lado nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente a su  pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos creativos por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas (si bien son muchos los autores que lo han hecho anteriormente, véase Robert Frank, William Klein, Anton Corbijn).

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo, de hecho en el territorio entre los distintos medios aparecen con frecuencia obras maravillosas (aunque otras veces, soberanas tonterías: esto es como todo: depende de lo que haya en el interior de la persona, y de los objetivos que tenga. Si es quedar bien ante la sociedad y recibir aplausos, lo que sale de ahí ya se puede imaginar por sí mismo)

2. ¿La aceptación de esas limitaciones, es la aceptación del medio?

No creo que se deba aceptar ninguna aparente limitación, nunca. Muchas grandes obras creativas se han hecho precisamente poniendo en cuestión y rompiendo los límites establecidos, encontrando territorios nuevos y empujando esos límites un poco más lejos. Creo que es una parte importante de toda propuesta artística, y a la vez una metáfora de que también en la vida conviene desafiar los límites e ir más allá.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado? ¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Siempre existen posibilidades futuras. El problema es que no las vemos. Sabemos muy poco, pero sobre todo no tenemos ni idea de todo lo que nos falta por saber, y es mucho, muchísimo. Creo que es absurdo pensar que todo está inventado. Casi nada está en realidad inventado.

En cuanto a la segunda pregunta, en absoluto estoy de acuerdo. Precisamente los contenidos son más o menos los mismos desde hace unos cuantos miles de años. Las formas cambian, aunque también se repiten, y van y vuelven. Pero la forma es una inmensa parte del “contenido”. A mi modo de ver, el cómo es una parte muy grande, por no decir la fundamental, del qué.

Gracias a David por sus respuestas, mas si cabe teniendo en cuenta su apretada agenda. Espero que os sean provechosas.

J. Alfred Prufrock, 2010. Eduardo Momeñe (c)

Mucho se habla del concepto de “educar la mirada” de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.

“Mire usted, me he apuntado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?”  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

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"Un santo oscuro". Joel Peter Witkin (c)

Paseaba sin ir a ningún lado, cuando ví por primera vez aquella extraña figura. No sé lo que me llamó la atención al inicio, pero a primera vista aquel hombre no parecía un ser humano, de hecho me aseguré de que lo era caminando hacia su esquina.

Aquello debía tratarse de una estrategia comercial pensé, una manera de atraer limosnas. Bajo la sombra de un enorme paraguas, colgado de la pared, estaba allí sentado, sobre una silla de ruedas. Mientras me acercaba advertí la presencia de dos andrajosos que lo guardaban con disimulo, a cierta distancia.

A cada paso mis dudas se disipaban, podía ver  como su cabeza y su cuerpo se movían aunque no podía ver su cara, tapada por la sombra de la gorra. Una bufanda cubría su cuello y lo que creía que serían sus orejas (luego descubrí que tampoco tenía), no tenía piernas y  su única extremidad era en realidad una prótesis que sujetaba un cigarrillo que acercaba y alejaba a su boca.

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Oscar Garrido. Hong Kong 2009 (Pulsar sobre imagen)

Es Julio en Hong Kong y el calor expulsa de las calles a los extranjeros, hasta mejores horas. Pero nuestro amigo, abrazado a su cámara, recorre las calles derretidas, buscando el refugio de las tiendas, donde el frío brota generoso, sin ahorro.

Y es así, alternando el calor mas extenuante y comercios con complejo de nevera, que sus pasos le conducen a un lugar donde los transeúntes pasean mostrando sus aves, portadas con toda pompa en ornadas jaulas; donde arremolinarse en torno a uno de ellos, para escuchar de su boca explicaciones sobre las excelencias de su bello ejemplar. Un lugar donde comprar toda la comida que un pájaro pueda necesitar o desear, desde insectos vivos a golosinas y por supuesto cualquier accesorio avícola imaginable.

Este caos de orden incierto, esquivo al extranjero, indiferente al ojo inquieto que lo escruta, atento a toda acción y emoción; no repara en la cámara que captura rauda, mediante movimientos cortos, veloces, controlados, que descansa  en la cara el tiempo estrictamente necesario para enfocar y disparar, emplear mas tiempo sería derroche, menos, defectuoso. Seguir leyendo »

“Y he aquí que estas alas que recuerdo remontando el vuelo, aparecen ante mi inmóviles, sostenidas por hilos invisibles como siempre imaginé, y todavía no puedo asegurar que esto que veo sea cierto.

Procuré tu derrota, ingeniando el dique que tu fluir detuviera, e inesperada mi pirríca victoria acaeció entre las láminas de este bisturí, que a ti tiempo, disecciona y almacena.

El gusto amargo del arrepentimiento abrazó un tiempo mis labios. Me preguntaba sobre mi derecho a desvirgar lo  que único y sutil ante nuestros ojos aparece, el derecho a cortar el vuelo de las cigüeñas e interrumpir la carrera de los zorros, a desposeer a lo visible de su momento y su lugar.

¿Debería serme permitido el escudriñar entre los límites del tiempo y la percepción?

Soy yo el que abre la veda, esa debe ser mi responsibilidad y puede que también mi pena.

Al fin y al cabo puede que todo forme parte de un sueño maravilloso y que ni el tiempo ni el movimiento existan.

Ahora lo único que lamento es no haber registrado la compañía de aquellos que amé y ya no existen, congelar sus risas, sus ademas, sus bailes, congelar su vida para que siempre me acompañen, su imagen no trascenderá mi memoria como su tacto no sobrepasó jamás mi piel.”

(Ottomar Anschutz inventó el obturador de cortinilla en 1882).

Sin duda, el digital ha supuesto una nueva era al democratizar el acceso a la fotografía a personas que ni siquiera se hubieran planteado su uso anteriormente. No obstante hablamos simple y llanamente de técnica. Se ha perdido quizá el compenente manual y artesanal que tenía anteriormente, más allá de la imagen intangible de un monitor.

Antonio Graell hace una propuesta que me parece interesante. Dado que lo único realmente necesario para fotografiar es la luz, ¿qué ocurriría si utilizáramos la luz que emite nuestro monitor para impresionar un papel fotográfico convencional? El resultado es la halurización del píxel, la simbiosis de ambos mundos. La simplicidad frente a la vorágine.

Antonio es un habitual de Foto36, así que podrá responder a vuestras preguntas, comentarios e inquietudes.

Podéis ver el trabajo de Antonio Graell, “La Halurización del Píxel” expuesto este Viernes 22 de Mayo de 19 a 23h y el Domingo 24 de 12 a 16h en Metol-4, Calle San Pedro nº6 (se entra a través del portal), Metro L1, estaciones de Antón Martín o Atocha. Madrid (una lástima no poder acercarme)