Descubrí la obra de  Enric Montes (Barcelona, 1969) casi por casualidad, en un momento en el que estaba hastiado de casi todo lo que veía. Accedí a un enlace donde se mostraban unas fotografías que causaron en mi una sorpresa inmediata y creciente, en gran parte porque me era imposible definir lo que estaba viendo. La curiosidad guió mis pasos y quise contactar con su autor para saciarla.
Tengo ahora el placer de mostrar la entrevista generada tras mi acoso inicial y a la que Enric accedió amablemente.

Enric, cuando veo obras como la tuya (no es que haya visto muchas), no sé si de manera forzada, pero veo también una manera de huir de la vía normal, o la que normalmente se asocia con trabajos de calidad. ¿Eres  capaz de definir o encuadrar tu obra en alguna corriente fotográfica? ¿Eres consciente de que la vía del documentalismo está siendo demasiado explotada?

Creo que no es a mí a quién corresponde encuadrarme en algún movimiento o corriente. En alguna ocasión me han comentado que mi trabajo les parece diferente a todo lo que han visto hasta ahora pero no creo que eso sea totalmente cierto y tampoco sé exactamente donde ubicarlo. Lo único claro es que no está en la línea de las que parecen ser las tendencias dominantes actuales en fotografía, pero no es una cosa que tenga presente y que me preocupe, pienso que si eres honesto (contigo mismo y con los demás) y crees en lo que haces al final encuentras tu público. Si se siguen las tendencias todo el mundo acaba haciendo lo mismo y por eso la sensación de deja vu que provocan muchos de los trabajos actuales, con imágenes casi clónicas en algunos casos. Creo que lo importante es encontrar tu propia voz.

Tus fotos en mi opinión participan principalmente de una experiencia visual, si no entramos en las connotaciones personales que puedan tener. ¿Crees que existen otras experiencias fotográficas que no necesariamente tienen que ver con el contar algo? ¿Consideras que existe poca valentía a la hora de reivindicar una fotografía puramente estética que no participe necesariamente de un mensaje?

Toda imagen siempre cuenta algo, otra cosa es que el mensaje sea más o menos explícito y llegue al que la mira; en todo caso lo primordial está en las reacciones que esa imagen provoca  en el espectador, qué le sugiere, a donde le lleva,… pues está claro que de una misma imagen pueden hacerse lecturas distintas y no siempre complementarias (en prensa podemos ver ejemplos de ello a diario).

En mi caso prefiero evocar o sugerir y que la gente pueda hacerse suya la imagen desde diferentes perspectivas.

Al menos yo lo prefiero así como espectador, que no me lo den todo hecho y que pueda intervenir con algo propio en la lectura de la imagen. Hay una cita de Sarah Moon al respecto que quizá ilustra mejor lo que quiero decir: “Busco una imagen con un mínimo de información y referencia, una imagen no situada y que pese a todo me hable, que evoque lo que pasó y lo que va a pasar después”.

Acerca de la interesante relación entre entre palabra e imagen. ¿Calificarías tu obra como metafotografía? Para mi sí lo es, es fotografía que se basta a sí misma y que no necesita de las palabras ya que no podrían abarcarla.

… si tu lo dices,… me parece halagador,… a veces veo mis imágenes como el principio de posibles relatos, que su carácter evocador puede convertirlas en contenedores de historias,… diferentes según el espectador; y esa faceta de mis fotos me gusta, es como si ofrecieras ventanas y la gente pudiera ver cosas distintas al asomarse.

¿Has pensado alguna vez que tu alejamiento del documentalismo tipo supone una renuncia (seguramente en tu caso placentera) a ser considerado lo que la mayoría considera un fotógrafo “serio”?

No acabo de entender muy bien lo de fotógrafo serio, me parece una categoría más que discutible, no sé si has querido decir profesional, de éxito, reconocido… no sé a qué te refieres en concreto.

De todas formas no creo que por alejarte del documentalismo la obra sea minusvalorada. Cada uno recrea la realidad a su manera y hay fotos que te dejan indiferente y otras que te subyugan de una manera inmediata, independientemente de la corriente o estética a la que pertenezcan.

Mi alejamiento del documentalismo no tiene que ver con ninguna renuncia, yo no renuncio a nada, simplemente traduzco situaciones y vivencias en imágenes,… y no me preocupa saber si los demás te consideran serio o no.

Para mi un fotógrafo serio es aquel volcado plenamente en lo que hace, pero es cierto que la creencia generalizada es adjetivar como tal al reportero en detrimento de otras vías.

Sigo sin aclararme mucho, ¿La gente considera que un fotógrafo serio ha de comportarse como un fotorreportero?, Lo siento, pero… ,¿Eso es tener una visión muy limitada de la fotografía, no?

Me interesa mucho conocer tu proceso de búsqueda, pues no pareces necesitar de escenarios exóticos o lejanos. También sobre el modo en el que disciernes la importancia de lo que tienes delante. Entre fotógrafos se valora muchas veces la dificultad para conseguir la fotografía que estamos viendo y para mi la dificultad máxima es la de conseguir ver donde nadie mas vió nada. ¿Cómo escudriñas ese paisaje doméstico en el que pareces moverte? y ¿Qué grado de significación personal hay en tus fotos? 

Yo no salgo a hacer fotos, voy siempre con la cámara. Vida y fotografía van íntimamente relacionadas, de tal manera que cualquier espacio o situación cotidianos son susceptibles de ser fotografiados en cualquier momento. El estado de alerta determinará si el día es más o menos provechoso, aunque también es verdad que a veces la realidad se exhibe y lo fotografiable se te presenta de una manera clara y palpable,… lo tienes delante sin buscarlo. Ambas situaciones, las búsquedas y los encuentros, se intercalan continuamente pero en general si miras tu entorno con la actitud adecuada constantemente aparecen imágenes significativas. Sobre este tema I.Calvino comenta que excepcionalmente, y cuando menos se lo espera uno, parece como si la realidad quisiera ser mirada, como si de las cosas partiera una señal o reclamo.

El hecho de ir tomando notas con la cámara determina que al final los proyectos puedan tener un cierto aire autobiográfico, y que según las circunstancias ciertas imágenes adquieran resonancias más íntimas y personales, pero el tono final del proyecto no lo circunscribo a la esfera individual y sí a un carácter más genérico de aventura cotidiana, de experiencia surgida de mirar el mundo con otros ojos. Hay imágenes que me trasladan a su génesis, me recuerdan infinidad de sensaciones y con las que tengo implicaciones emocionales, pero por otro lado tengo que reconocer que también existen las que ni tan siquiera recuerdo dónde están hechas. Todas se van acumulando de manera individual y no es hasta más tarde, a la hora de articular el libro, cuando ilustro de manera global y evocadora las experiencias.

Cuando conozco un nuevo fotógrafo, me gusta compartir la experiencia con la gente que me rodea y he de decir, para que no todo sean halagos, que las opiniones son muy distintas, desde el que quedó maravillado como yo, a una amiga que dijo que los libros parecían formados por los descartes. Eso si, no he visto  a nadie que muestre tibieza ante ellas. ¿Encuentras reacciones de ese tipo, tan diferentes,  ante tu obra? ¿De que parte han venido los mayores halagos y las peores críticas (si las ha habido)?

La verdad es que sí, las reacciones que han surgido a lo largo de estos últimos tres años, que es cuando todo comenzó a tomar forma y se imprimió el primer libro, han sido de lo más variopinto, como también lo ha sido el público al que ha sido mostrado el proyecto; y esas reacciones abarcan todo el espectro existente entre la indiferencia más absoluta y el entusiasmo más desaforado. Hay personas a las que parece que enseñes un libro en blanco y otras en las que ves al instante cómo les cambia la cara  y despegan a través de tus fotos. Un aspecto muy importante en este tema es el tiempo dedicado a observar las imágenes y el lugar o circunstancias en las que enseñas tu trabajo. La sobreabundancia actual de imágenes no ayuda a que la gente se tome el tiempo necesario que puedan necesitar ciertas propuestas, pues hay fotografías en todos lados y a todas horas y las consumimos rápido y en gran cantidad.

En cualquier caso las opiniones son particulares e individuales y no están sujetas a la pertenencia de las personas a un sector en concreto,… pero sí, ha habido de todo y ha sido bueno que así fuera porque afianza tu opinión de que no puedes hacer las cosas pensando en los demás.

¿Por qué crees que existe una diferencia tan grande de valores entre (son categorías muy arbitrarias) pongamos la fotografía concursística o de masas, la fotografía de y para fotógrafos o la fotografía contemporánea o de galerías?

Porque son distintos públicos y mercados fotográficos, independientes unos de otros y cada uno con sus grados de valoración y sus reglas del juego. El valor de la fotografía como objeto o pieza de mercado siempre es un añadido impuesto desde fuera y depende de unas normas no siempre inteligibles.

Me interesa conocer la manera en la que estructuras y formas tus libros y si es una acción a posteriori o si vas buscando entorno a la serie con la que estás trabajando y también saber mas sobre la manera en la que estas series toman sentido. ¿Son estructuras sentimentales, estilísticas, temáticas? ¿Cuando te diste cuenta de que manejabas material de calidad, que tenías algo que merecía ser mostrado?

La trilogía El buscador de prodigios abarca unos once años de trabajo durante los cuales ha ido tomando forma lenta y pausadamente. Simplificando un poco, los ocho primeros han sido el tiempo de disparar y recolectar gran parte del material y los tres últimos han sido los de la publicación en libro de las series, aunque nunca he dejado de tomar fotos durante todo el proceso. Existen unos leitmotivs que son el punto de partida y sobre los que gravita todo lo que hago, a partir de ahí organizo el material y estructuro el proyecto. La génesis de los proyectos no siempre es la misma y puede variar de uno a otro.

En ocasiones parto de una frase, texto o idea y busco las imágenes que creo son más fieles al sentido que ese texto tiene para mí o que mejor encajan en la idea del proyecto; otras veces existen series abiertas desde largo tiempo atrás en las que piensas que puede tener cabida lo que estás disparando en ese momento. Pero nunca salgo pensando en que tengo que hacer un tipo determinado de imagen porque nunca sabes lo que te vas a encontrar. La articulación del proyecto es posterior según el material disponible. Además soy de los que deja reposar las imágenes durante largos períodos, a veces años, y si al cabo del tiempo esa imagen encaja y sigue funcionando la incorporo al proyecto en el que esté trabajando en esos momentos; en cambio otras no aguantan el paso del tiempo y caen en el olvido.

Si no estoy equivocado, has creado tu propia editorial, me gustaría saber si nació debido a la imposibilidad de sacar esos libros recurriendo a otras editoriales o si lo planeaste así desde el principio.

 Yo simplemente he autopublicado mis libros, no he creado ninguna editorial. Desde siempre he apreciado la intimidad que dan los libros, con ellos he podido realizar continuas lecturas más pausadas e intensas de la obra de los autores que me han interesado. Muchas veces aprecias detalles que son más fáciles de pasar por alto en las incomodidades de una exposición.

De hecho las series están estructuradas y pensadas para el formato libro como destino, pues éste reúne toda una serie de cualidades que lo convierten en una potente herramienta de difusión de tu trabajo; es más fácil de mover o enviar, llegas a más lugares y lo ve más gente, y además también es una manera de que se pueda ver el proyecto completo. Con los medios y avances actuales cada día es una opción más fácil y asequible de realizar, por lo que una buena edición no tiene porqué superar el coste económico que supone producir con calidad el material para una buena exposición.

Aunque todas ellas son razones que han contribuido en la actualidad al auge de la autoedición de libros de fotografía, no hay que olvidar la principal: si no te lo haces tú no te lo hace nadie.

Son multitud la cantidad de fotógrafos que conozco que quieren publicar su obra en libro y que buscan financiación exterior para producirlo,… y la demanda excede en mucho a la oferta. En mi caso vi claro desde un principio que había que concentrar los esfuerzos en la realización del libro en sí y no perder tiempo ni energía en otras cuestiones. De esta manera; y con la ayuda de algunos amigos con criterio que te dan su opinión, aunque finalmente tú tengas la última palabra en todas las decisiones a tomar durante el proceso de realización; he podido publicar tres libros en los últimos tres años.

¿Qué importancia tiene para ti la copia impresa? ¿Es un destino necesario?

La copia impresa de la fotografía es un soporte tan válido como cualquier otro a la hora de difundir lo que haces. Aspectos económicos y de demanda determinarán si al final la foto acaba impresa en una copia fotográfica o no,… pero no entiendo que haya que cuestionarla como soporte. Lo que quizás ha cambiado respecto a tiempos pasados es que en la actualidad la impresión de la copia en papel en muchas ocasiones es el último paso a realizar, pues la imagen puede tener un recorrido previo de difusión más económico y útil por otros medios.

Son muchas las veces en las que he visto recalcar la necesidad de referencias para un fotógrafo, pero en tu caso esas referencias son difíciles de encontrar. ¿Te has visto influenciado por el trabajo de otros fotógrafos? ¿Por qué es difícil hablar de ti sin que aparezca el nombre de David Jiménez en la conversación?

Siempre estamos influenciados por el trabajo de otros aunque sea de una manera inconsciente o al menos no los tengas presentes a la hora de la captura. Las imágenes que consumimos entran a formar parte de nuestro bagaje como persona, de tal modo que podemos decir que somos lo que vemos, … o miramos.

En este aspecto, y sobre todo a un nivel formativo, creo muy importante visionar la obra de autores “clásicos”, ajenos al vaivén de las modas y con obras importantes que hayan sido significativas en la historia de la fotografía.

Yo tengo infinidad de referentes: Kertész, Gibson, Frank, Nozolino, Plossu, Moon, Vallhonrat,… y me dejo muchos, pero un error muy común es que los fotógrafos se alimenten sólo de fotografía, pues muchas veces las influencias mayores y más beneficiosas provienen de otros ámbitos y otras disciplinas artísticas (pintura, cine, literatura,…).

En mi caso puedo afirmar que ciertos escritores han determinado de una manera más profunda mi manera de ver el mundo que los propios fotógrafos; el cómo describen lo que ven, cómo dan la vuelta a las cosas, cómo se enfrentan a lo cotidiano, cómo introducen lo misterioso, lo extraño, lo evocador, lo paradójico e incluso lo lúdico en sus textos,…  Autores como Handke, Cortázar, Calvino, Borges, Vila-Matas,…  han sido y son capitales para mí a la hora de formar una mirada que me permita afrontar y entender el mundo tanto a nivel personal como fotográfico.

Cuando hace un par de años conocí a David de inmediato me sentí identificado con muchas de sus imágenes. Nos presentó una amiga común conocedora de nuestros respectivos trabajos y que enseguida percibió la existencia de conexiones. Siento un gran respeto por su trabajo, conecto muy rápido con su universo y además es una excelente y generosa persona. Si asocias nuestros nombres será porque quizás transitamos territorios próximos y al final eso incluso provoca que se produzcan ciertas coincidencias.

¿Crees que el tener unas referencias claras pueden coartar creativamente e impiden encontrar una vía personal?

Tener referentes siempre ayuda pero no debes ser fagocitado por ellos y has de tener tu propia mirada; de cada uno depende el transitar caminos trillados o dar un paso más allá y aventurarse por sendas más inexploradas. La relación con las referencias o influencias ha de ser similar a la que debe mantenerse con la técnica, una vez controlada y asimilada debes olvidarte de ella y debe proporcionarte seguridad y libertad de acción, nunca coacción.

¿Eres fotógrafo profesional? Si es así, tu trabajo normal es en un ámbito distinto al de tu trabajo de autor.  ¿Tu obra personal supone para ti una escapada o convives perfectamente  con ambas facetas?

Me hace gracia que en tu enunciado ya des por supuesto que no vivo de mi trabajo de autor,…  y tienes razón. El gran problema que supone tener una doble vida en este aspecto son las interrupciones en el proceso de tu trabajo personal…, pero mientras éste último no dé de comer no veo otro camino que compaginarlo con alguna actividad alimenticia, esté relacionada o no con la fotografía.

La fotografía acaba siendo casi una filosofía de vida y determina tu manera de percibir la realidad, y esa mirada la llevas siempre contigo, da igual lo que hagas y por donde te muevas porque siempre acompaña tus vivencias,…  pero claro que toca convivir, algunas veces menos amistosamente que otras,…  y el hecho de que nunca haya tenido un cliente que me dijera “Haz lo que quieras” los convierte para mí en ámbitos muy separados.

(Trilogía El Buscador de Prodigios. Enric Montes)

¿Cómo participas del mundillo fotográfico? Participas en talleres, charlas,… , o por el contrario prefieres prevenirte de sus  peligros (si consideras que los tiene).

En mi caso yo no participo mucho de la vida social fotográfica y desde mi época de formación académica casi no he realizado ningún taller. Ultimamente esta tendencia está cambiando porque al difundir los libros también te haces más visible socialmente,… pero en general las relaciones públicas no son mi fuerte.

El único peligro que puedo ver es que demasiada actividad social y demasiado fijarte en los demás te quite tiempo y te despiste a la hora de desarrollar lo tuyo,… pero de todos modos creo que tampoco hay que desaprovechar la oportunidad, cuando se da el caso, de compartir experiencias y escuchar a la gente que tiene cosas interesantes que decir.

Quise realizarte esta pregunta al inicio de la entrevista pero creo que este es su momento ¿Cómo definirías calidad fotográfica? o  ¿Qué condiciones crees tu que participan de la calidad en la fotografía?

No sé si puedo darte una respuesta satisfactoria a esta pregunta y cuando he pedido la opinión de amigos tampoco he obtenido respuestas taxativas,  pero presiento que lo que puede dar calidad a un trabajo no son aspectos tangibles o cuantificables, ni tan siquiera técnicos, y sí conceptos que no por manidos son menos importantes, como el rigor, la honestidad, el trabajo,… que al final den como fruto imágenes con la capacidad de comunicar y provocar emociones;… pues quizás las obras que nos remueven y nos atrapan sean las que nos generan más preguntas que respuestas.

Por último espero que hayas disfrutado tanto como yo de la entrevista o por lo menos que no la hayas sufrido y por supuesto agradecerte que accedieras a realizarla.

Gracias a ti por proponerla, ha sido divertido contestarla y halagador el haber podido provocar un interés tan profundo por mi trabajo.

(Books of Durer paintings. A book of books, Abelardo Morell)

Intentando crear  costumbre proponemos aquí una breve selección de los que han sido los mejores títulos de fotografía del año saliente.

Jos de Dalpine nos propone lo siguiente:

Ha sido un año en el que se han publicado muchos libros y no es fácil hacer una selección tan reducida sin que quede un poco cargo de conciencia por los que se quedan fuera.

Los cinco libros que me parecen los más interesantes del año son:

- Paloma al Aire de Ricardo Cases.

Maravilloso trabajo documental con un inconfundible estilo personal y

presentado en libro de espiral que recuerda a un block de notas. Sin lugar a dudas el mejor libro de fotografía español de la última década.

- Censura de Julián Barón.

Exploración en los límites de la fotografía para abordar la censura política española. Atrevido y provocador.

- Eden is a Magic World de Miguel Calderón

El autor nos volvió a sorprender con un libro cuya clave está en la edición y no en las fotografías. Un delirante entramado que nos

muestra el amor idílico de un joven coreano que se enamora de una actriz de una teleserie mexicana.

- Redheaded Peckerwood de Christian Patterson

Elegante ejercicio de edición que intenta acercarse a la mente de un asesino en serie. Excelente impresión y presentación.

- A New Map of Italy de Guido Guidi

Pura poesía visual. Publicado por la editorial de John Gossage, Loosestrife Editions.

(Agradezco a Dalpine  su inestimable y entendida  ayuda, una vez mas).

En mi  opinión,  este año ha sido el de las reediciones (Eggleston, Davidson, Koudelka, Smith, Sternfeld,..) como queda reflejado en mi selección. Prefiero pensar que ello se debe a un interés creciente en la adquisición de cultura fotográfica y menospreciaré mis bajos instintos sobre la cuestión; para calmarlos me apoyo también en los espléndidos libros que han nacido este año:

- El domador de sueños de Enric Montes. La continuación lógica de su trilogía El Buscador de Prodigios. Lógico es que continúe maravillándonos. Mi desconocimiento de su obra impidió su inclusión en la lista de 2010.

- Gitanos de Josef Koudelka.  Un título inolvidable, reeditado y espero que mi regalo de Reyes.

- Subway de Bruce Davidson. Otro libro al que solo podíamos acceder a costa de no pagar la hipoteca.

- Animals that saw me  de Ed Panar. – Sencillo, pero sorprendente ejercicio de humor.

- Bodas de sangre (Federico García Lorca) de Juan Manuel Castro Prieto. Proyecto resuelto de la mejor de las maneras (la maestría habitual). No es fácil acompañar las palabras del genio de Fuente Vaqueros.

Os  animo  a comprar y regalar libros de fotografía (también de lectura), nuevos, viejos, reeditados,…, siempre es un gozo compartir páginas con alguien querido.

Los estudiantes de jazz con problemas de ego tienen miedo de escuchar buena música.

Una vez estaba en la ciudad tocando con un gran grupo. Al día siguiente dí un curso en la escuela de música local para unas treinta personas y les pregunté si habían ido al concierto de la noche anterior.

Sólo tres levantaron la mano.

(…)

Seguramente si uno se dedica a autocomplacerse, evitará conocer a los grandes músicos. Músicos como estos prefieren el confort y la seguridad de su conejera.

¿Quién quiere admitir que odia escuchar a un buen músico? Lo cierto es que muchos encuentran este acto demasiado doloroso.

Kenny Werner, músico, extraído de  su libro Efortless Mastery.

No hace mucho daba una charla sobre fotografía, una de esas  que una persona con mas preguntas que respuestas no debería dar, pero bueno, al menos no cobro. Con su desarrollo aparecían fotos de grandes maestros de nuestra afición y se me ocurrió preguntar con cada ejemplo sobre su autoría. Salvo en una ocasión (solicité el silencio del acertado desde entonces) todas las preguntas quedaron sin contestar. Esto podría tener excusa al tratarse de recién llegados a la fotografía, pero en su mayoría eran aficionados, otros profesionales, con décadas de experiencia con la cámara. Podrían excusarse en la falta de tiempo, en las obligaciones diarias, en que la biblioteca cerraba por reformas,…, pero para muchos de ellos la razón de su silencio era mas grave.

Veo claro como el proceso normal de aprendizaje va  de la mano de la curiosidad, de saber y conocer lo que se ha fotografiado antes, de buscar referentes, de ver como distintos fotógrafos han resuelto temas o situaciones parecidas,…, esto forma parte del disfrute fotográfico, en mi caso tanto como el de la captura en si.

Pero son muchos los que se niegan a conocer, los que no indagan, pero no porque no lo hicieran en un principio sino porque este acto resultó excesivamente doloroso.

Darse cuenta de la gran cantidad de fotógrafos que hay, y lo peor,buenos, ¡prurito!, conocer nuevas formas de mirar,…, ¡prurito intenso!, unas nuevas prioridades,…, ¡dolor!, nuevas realidades, ¡gran dolor!,…, unos nuevos límites,…., ¡dolor insondable!

Otros asomaron las narices por la puerta de algún taller fotográfico y recibieron tal sopapo, en forma de crítica en las napias, que no han osado volver; o se dieron cuenta de que no necesitan la crítica satisfactoria de un prócer, pues con la de la de sus vecinos tienen suficiente para estar satisfechos y exponer en su localidad dos veces al año.

Es mas fácil convertirse en la medida de todo, ser el referente de uno mismo, creer que nuestros límites son los de todos; olvidarse de libros de fotografía, de las grandes exposiciones posibles a media hora de viaje. Es mas fácil y mas cómodo, reduce la ansiedad, anula la búsqueda, hace innecesario el esfuerzo.

¡La comodidad es el fin del hombre!

No seré yo el que defienda el formato del curso o taller, de hecho prevengo del cuidado que hay que tener en su elección si no se quiere formar parte de una venta de humo organizada; pero si estoy seguro de que para avanzar como fotógrafo hay que caminar con humildad, mostrar, recibir y recoger, sin caer en la obediencia, sin olvidarse de lo que uno quiere, porque al fin y al cabo las críticas recibidas suelen ser el recuerdo de las que una vez nosotros mismos nos hicimos.

Caminando apartados de la condescendencia y el masoquismo extremo (podríamos hablar otro día de un personaje fotográfico, el profesional del taller, el que no se pierde ni uno parece ser que buscando ser dilapidado), me parece la única manera de avanzar.

P.S. Título alternativo del escrito “Rapapolvo cuyo destino incluye al origen”.

Sunray, Texas, 1942. Jay Vachon

Recientemente se han hecho públicas, en forma  de libro, unas fotografías en color capturadas por el inefable Robert Capa. Escrutándolas, mi extrañeza crecía poco a poco, y desde el primer momento supe que no era por algo imputable a su contenido, sin embargo, no podía explicarla;  dar un motivo a esta sensación. Comprendí que me estaba enfrentando a un ataque directo y efectivo a mi comodidad, a lo que yo había concretado como la adecuada temporalidad fotográfica. La identificación, ahora manifiestamente errónea, de una época fotográfica con unas características estéticas.

Soldados senegaleses, Saint Ulrich. Paul Castelnau

No creo haber sido el único que ha escuchado alguna vez manifestaciones de algunos fotógrafos que renuncian al blanco y negro, para huir, según sus palabras, de la melancolía que acoge; tenida ésta como dogma impreso en los grises.

Pero cada vez son mas los ejemplos, que crecen mediante la investigación o con la  abertura, casi siempre casual, de cajones y maletas, que atentan contra lo que alguien postuló, y muchos dieron por cierto.

Rompen una linea espacio-tiempo artificial y lo hacen con la mas bella de las fracturas, exponiéndonos a un pasado que hemos alejado mas de lo debido, ayudados por su transformación albinegra  (sepiada, selenizada,…).  Es entonces, cuando dotamos al pasado de nuevos tonos, que vemos esos rostros dotados de los mismos colores que vemos en el espejo y el cielo pasado del mismo azul que tiñe el nuestro. En ese momento el gusano que teje el tiempo nos reúne con lo que vemos y los lustros, los decenios son reducidos a segundos.

Christina, 1913. Lt. Col. Mervyn O'Gorman

Los autocromos, los kodachromes de la segunda guerra mundial. las diapos de Capa, son  hallazgos que nos hermanan con el pasado y que desvisten al blanco y negro de una melancolía indeseada y falsa, que refuerzan mas si cabe sus capacidades estéticas y abstractivas, dejándolo avanzar; porque ahora el viaje es de ida y vuelta, y con cada hallazgo se afianzan nuevas rutas, una nos hermana con lo pasado y la otra nos devuelve lo perdido.

Kush Beggi, Bukhara, 1905-1915. Sergei Prokudin-Gorskii

Portugal, 2005. David Jiménez (c)

En nuestro intento de definir el cada vez mas famoso concepto de “educación de la mirada” hemos tenido la suerte de recibir las respuestas de David Jiménez (Alcalá de Guadaira, 1970), fotógrafo de un curriculum impresionante y conocido educador, tanto a nivel universitario como impartiendo muchos e interesantes talleres.

Quizá entorpeciendo vuestra lectura, me ha interesado sobremanera la manera de ver a un educador como alguien que necesita ser superado para realizarse.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Creo que no se puede definir qué es lo correcto.

Lo correcto sería quizá lo que funciona bien para que alguien se desarrolle de la mejor manera posible, y eso es distinto para cada uno.

En todo caso, encuentro positivo que la formación sea del interior de la persona, una educación que ayude a ser más reflexivos, a conocer más puntos de vista, a desarrollar la curiosidad y las ganas de ir más lejos, a ser más valientes, a trabajar disfrutando y por lo tanto, a trabajar mucho y bien. A quemar los estereotipos y las ideas preconcebidas sobre cualquier cosa.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Por eso creo que debe ser una educación muy abierta. Cualquier fórmula, cualquiera, que se de a alguien en cuanto a lo que debe hacer o dejar de hacer en su proceso creativo o en cualquier otra cosa, es veneno puro. Una educación que haga eso es pues, a mi modo de ver, perjudicial. Pero lo contrario podría ser bueno, incluso muy bueno. Eso creo.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

Personas generosas, que se hayan tomado la molestia de aprender algo en sus vidas, que deseen que sus alumnos sean mejores que ellos y les ayuden a serlo, y que hayan entendido algunas cosas fundamentales.

Por otro lado nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente a su  pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos creativos por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas (si bien son muchos los autores que lo han hecho anteriormente, véase Robert Frank, William Klein, Anton Corbijn).

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo, de hecho en el territorio entre los distintos medios aparecen con frecuencia obras maravillosas (aunque otras veces, soberanas tonterías: esto es como todo: depende de lo que haya en el interior de la persona, y de los objetivos que tenga. Si es quedar bien ante la sociedad y recibir aplausos, lo que sale de ahí ya se puede imaginar por sí mismo)

2. ¿La aceptación de esas limitaciones, es la aceptación del medio?

No creo que se deba aceptar ninguna aparente limitación, nunca. Muchas grandes obras creativas se han hecho precisamente poniendo en cuestión y rompiendo los límites establecidos, encontrando territorios nuevos y empujando esos límites un poco más lejos. Creo que es una parte importante de toda propuesta artística, y a la vez una metáfora de que también en la vida conviene desafiar los límites e ir más allá.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado? ¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Siempre existen posibilidades futuras. El problema es que no las vemos. Sabemos muy poco, pero sobre todo no tenemos ni idea de todo lo que nos falta por saber, y es mucho, muchísimo. Creo que es absurdo pensar que todo está inventado. Casi nada está en realidad inventado.

En cuanto a la segunda pregunta, en absoluto estoy de acuerdo. Precisamente los contenidos son más o menos los mismos desde hace unos cuantos miles de años. Las formas cambian, aunque también se repiten, y van y vuelven. Pero la forma es una inmensa parte del “contenido”. A mi modo de ver, el cómo es una parte muy grande, por no decir la fundamental, del qué.

Gracias a David por sus respuestas, mas si cabe teniendo en cuenta su apretada agenda. Espero que os sean provechosas.

J. Alfred Prufrock, 2010. Eduardo Momeñe (c)

Mucho se habla del concepto de “educar la mirada” de hecho se está convirtiendo en el eslogan preferido para anunciar todo aquello relacionado con la impartición de talleres y cursos de fotografía, es decir, el siguiente escalón. El paso que normalmente sigue el fotógrafo que ya ha recibido suficientes cursos sobre focales, trípodes y uso del flash y que busca algo más, unas veces por inercia, otras veces porque su obra se ha estancado y necesita la luz que ilumine su abismo, o que lo evidencie,  y la mejor de las veces porque necesita consejos que le ayuden a potenciar su capacidad creativa y expresiva, o simplemente sus ganas.

El problema es cuando se recurre a una fórmula publicitaria, y no hay nada detrás que la sustente.

“Mire usted, me he apuntado a este taller, nada barato por cierto, para que eduque mi mirada, la cuestión es ¿Qué es educar la mirada?”  Encontrar ante esa pregunta, el silencio mas desolador, puede provocar (y para mas de uno así ha sido) una enorme desazón y vergüenza, incluso mas que rabia.

Sin ir mas lejos, varios han sido mis intentos infructuosos de encontrar una respuesta a lo que hasta ahora creía, un eslogan vacío. Puede que no recurriera a las personas indicadas.

De hecho esa era una duda mayor si cabe ¿Quién está capacitado para educar fotográficamente?, no sólo eso ¿Se debe proporcionar esta educación? ¿Puede coartar  esta educación la capacidad creativa y de expresión, en este caso de un fotógrafo? Seguro que hablando de educación, la mala, al igual que puede ocurrir en cualquier centro de enseñanza, puede tener efectos nefastos. La responsabilidad debe existir.

Para ello hemos buscado a aquellos que creemos pueden ayudarnos en esta búsqueda y encauzarnos por esta senda tortuosa de lo que debe ser una educación fotográfica completa. Así también consideramos que sería desaprovechar esta oportunidad el no interrogar también sobre la debatida existencia  de limitaciones en el lenguaje fotográfico y la creciente interacción de la fotografía con otras ramas artísticas.

Tenemos el honor de contar para esta primera ronda de preguntas con la amable participación de Eduardo Momeñe (Bilbao 1952), fotógrafo, docente, articulista, creador de la magnífica serie de televisión “La Puerta Abierta” y escritor de “La Visión Fotográfica” un libro que constituye el perfecto punto de arranque perfecto para emprender esta aventura que compartimos. Sus respuestas seguro serán de gran ayuda.

1. ¿En qué debe consistir una educación visual correcta?

Sólo se puede educar la mirada si ya se tiene. Hay personas que tienen mirada fotográfica y otras no, hay personas que tienen buen oído y dotes musicales y otras no. Se puede estudiar música si se da lo primero. A partir de ahí, es cuando se puede trabajar la mirada, cuando ya existe. Se trata de averiguar, y lleva tiempo, si uno la tiene o la podría tener, o no.  La educación sólo es posible si ya está todo en uno, aunque todavía esté en estado bruto, o sin descubrir. La educación no va ser sino una manera de tratar de sacar lo mejor posible lo que ya está dentro. Hago hincapié en ello porque  es una pregunta que no siempre se hace. La fotografía es el producto de un pensamiento visual (es un pensamiento complejo) , y que será más potente si se desarrolla cultural e intelectualmente. En todo caso, son dos pasos, el primero sería comprender, saber leer fotografías, y a continuación, y sólo después, intentar hacerlas. Hay muchas personas que saben y comprenden muy bien el lenguaje fotográfico pero que serían incapaces de hacer una obra fotográfica. De alguna manera son dos profesiones diferentes. Es muy fácil verlo en extraordinarios galeristas que comprenden perfectamente el medio pero que son incapaces de hacer fotografías.

2. ¿Qué es lo correcto? ¿Pretender dicha educación no es interferir desde el inicio en el proceso creativo de un autor?

Lo correcto, en mi opinión sería, comenzar por comprender que la fotografía es un medio de expresión  de manejo complicado, bastante desconocido, y que exige un conocimiento de la manera en la que actúa. En esta dirección debe ir una educación apropiada. Mucha información. En fotografía se piensa muchas veces que no hace falta esa información. Sin embargo, es mucho lo que hay que aprender porque se trata de obtener un conocimiento del mundo, del arte, del pensamiento, de la cultura, etc… que es el que puede producir una obra fotográfica consistente.

Sin educación es difícil hacer algo. Quizás haya alguien que lo haya hecho pero no es un ejemplo para los que no tuvimos tanta suerte. Sí es importante la intuición, pero sin conocimiento, al igual que ocurre con la inteligencia, no vale de mucho.

3. ¿Quién tiene la capacidad de impartir esta educación?

¿Quien lo enseña? Probablemente nadie, porque es un proceso lento, acumulativo, de bastante tiempo basado en un interés obsesivo. La fotografía no se enseña, simplemente se pueden recibir pautas, y que una mente con ganas, sepa atrapar. La fotografía se aprende desde todas partes, nadie nos va enseñar a hacer fotografías, simplemente nos pueden echar una mano, pero el aprendizaje es personal. Uno no es artista, simplemente hace cosas, y después si pasado el tiempo todo permite que haya un consenso de que esas obras que uno ha hecho , son obras de arte, quizás pueda pensar que es un artista. Robert Frank es un buen ejemplo. ¿Quien le enseñó a Robert Frank a hacer fotografías…  y a Paul McCartney a hacer canciones? Quizás sus amigos músicos, escritores… quien sabe, pero ya estaba todo dentro anteriormente.

Nos interesa también hablar de las posibles limitaciones de expresión de la fotografía frente al peso de su pasado y frente a la imagen continua; algo que se está haciendo patente con la compaginación de ambos procesos  por cada vez mas fotógrafos, apoyado también por la aparición de cámaras mixtas.

1. ¿Existen estas limitaciones?

No creo que haya ningún tipo de limitación excepto las nuestras.  Desde mi punto de vista, viene una época apasionante, si no nos distraemos. Fotógrafos que van a hacer un cine diferente, fotográfico. Cineastas que utilizan la fotografía, escritores que hacen fotografías, fotógrafos que escriben. Ya está ocurriendo pero por alguna razón en ciertos ambientes aún se piensa que la fotografía debe ser hecha por mentes pictóricas, y que aquel arte conceptual de los 60 con malas cámaras de video y fotografías en blanco y negro expresamente hechas con indiferencia son algo distinto del arte conceptual de ahora, hecho en color en gran formato y con buenas cámaras.

2. ¿Su aceptación es la aceptación del medio?

Las fotografías ya no se van a hacer solamente para colgarlas en una galería como objetos decorativos, sino que van a formara parte de extraordinarias narraciones conceptual y visualmente elaboradas, véase video, libros,… Insisto en la escritura, textual, visual, fotográfica, cinematográfica. Robert Frank no hace cine -o video- y fotografia, Robert Frank escribe con diferentes herramientas. Por supuesto, es mi punto de vista, uno más en otros muchos.

3. ¿Existen posibilidades creativas futuras o está todo inventado?¿Está el futuro en los contenidos y no en las formas?

Desde mi punto de vista, y por fortuna, el futuro de la fotografía es apasionante pero no gracias al Photoshop, ni a las representaciones de carácter simbólico (y pictórico) a gran formato, sino a la escritura, a la confrontación con la realidad mediante el lenguaje. Ahí está un documentalismo  de una potencia conceptual fortísima. Conocimiento en estado puro. Excelentes formas con contenidos inteligentes. El problema es que no es fácil.

Gracias Eduardo por sus respuestas. Os animamos a participar con vuestros comentarios.

"Un santo oscuro". Joel Peter Witkin (c)

Paseaba sin ir a ningún lado, cuando ví por primera vez aquella extraña figura. No sé lo que me llamó la atención al inicio, pero a primera vista aquel hombre no parecía un ser humano, de hecho me aseguré de que lo era caminando hacia su esquina.

Aquello debía tratarse de una estrategia comercial pensé, una manera de atraer limosnas. Bajo la sombra de un enorme paraguas, colgado de la pared, estaba allí sentado, sobre una silla de ruedas. Mientras me acercaba advertí la presencia de dos andrajosos que lo guardaban con disimulo, a cierta distancia.

A cada paso mis dudas se disipaban, podía ver  como su cabeza y su cuerpo se movían aunque no podía ver su cara, tapada por la sombra de la gorra. Una bufanda cubría su cuello y lo que creía que serían sus orejas (luego descubrí que tampoco tenía), no tenía piernas y  su única extremidad era en realidad una prótesis que sujetaba un cigarrillo que acercaba y alejaba a su boca.

Cuando estaba encima de él, debió intuir mi duda y me habló, con una voz increíblemente honda para tan pequeño cuerpo.

- Eche su moneda en el vaso de la izquierda, el de la derecha es el cenicero.

No había reparado en la bandeja de la silla, donde estaban dispuestos dos vasos, uno mas ancho depósito de las monedas y otro repleto de colillas.

Tenia una de mis manos en el bolsillo pero hasta entonces tampoco había pensado en darle nada. Escapando a mi despiste, empecé a buscar, aunque sin éxito, alguna moneda extraviada; tan torpe resultaba, que levantó la cabeza para verme mejor. Pude entonces escudriñar aquellos ojos enormes, extraños (días mas tarde comprendí que carecía de párpados) pero bellos, su tez plástica, que brillaba al paso de la escasa luz que el paraguas no retenía, lo convertía en un pinocho moderno, un muñeco dotado de vida.

Volvió a hablarme, ahora extrañado: – ¿no me va a dar nada?

A sus amigos no debió gustarle que yo estuviera allí tanto tiempo y se fueron levantando lentamente, con pesadez, dejándome advertir que venían hacia allí.

-¡Quiero fotografiarlo! – exclamé mientras miraba hacia el lado del peligro.

- Usted está loco. De ninguna manera. No soy un mono de circo.

En ese momento uno de los andrajosos me empujó a un lado y me hizo señas con la mano para que siguiera hacia delante.

Alejado intenté hablarle: – No quise ofenderle, me gustaría hablar con usted. – Pero uno de ellos estaba empujando su silla en dirección contraria mientras el otro me miraba fijamente, si es que eran ojos lo que había tras aquel cabello que le tapaba la cara.

Visité aquella esquina al día siguiente, y al siguiente, y al otro,… Los primeros días me mantenía de pie en la esquina opuesta, esperando una invitación que no llegaba, después mi pesadez empezó a funcionar y me dejaban que hablara con él, aunque él nunca me respondía. Desesperado lo dí por imposible; me diseñé una pequeña tarjeta de visita con mis datos y cogí unas copias pequeñas de algunas de mis fotografías. Me acerqué una tarde y le dejé el sobre que las guardaba, tampoco hablamos nada entonces.

Pasaron las semanas y seguía pensando en aquella fotografía perdida cuando recibí su llamada; era tarde, lo atendí desde la cama. Su voz parecía particularmente triste: – Quiero trescientos pavos y tendrá que fotografiarme en mi casa.- Inmediatamente pasó a decirme su dirección.

Sólo tuve que recoger todo aquello que había preparado por si la oportunidad llegaba, la imagen ya estaba en mi cabeza, solo faltaba él, El Santo, necesitaba al santo de mi cuadro.

Al día siguiente de camino a su casa me dí cuenta de que con las prisas solo contaba con la película que tenía la cámara, no había traído más; tenía todo lo demás para la escena, pero solo dos oportunidades.

Llamé nervioso al timbre, pero no fue hasta la tercera llamada que la puerta se abrió. Era el muchacho que me empujó en la calle, esta vez mas calmado, aunque al verle no pude evitar dar un paso hacia atrás.

- No se preocupe, no le haré nada. ¿Ha traído la pasta?

Solté el sobre con el dinero tras cruzar el umbral de la puerta; desde allí podía ver como en una de las habitaciones el otro chaval, el mas tranquilo, estaba drogándose iluminado por un pequeño flexo.

De forma inconsciente, quizá por eliminación, me dirigí a la habitación del fondo, y allí pude encontrarlo sobre su silla, pero ahora sin gorra y sin bufanda.

- Talidomida, por si quiere saber.

- No creí que los estragos de ese fármaco llegaran a ese extremo – Respondí.

- Y por favor esté tranquilo, no se preocupe por mis amigos, son buenos chicos, me necesitan igual que yo a ellos, vivimos todos de lo que el gobierno me paga y a cambio me protegen y atienden; ¿No creerá que yo podría sobrevivir un solo día en la calle sin su ayuda? De hecho debería darles las gracias, ha sido por ellos que le he llamado, sus reservas escaseaban.

El único que debe temer de ellos soy yo, si se me acaba la pasta. – Y cuando dijo esto, sonrió, lo que dotaba a su cara de una expresión todavía mas artificial.

Fuí al coche de nuevo a por las cosas y preparé el escenario en su cuarto.

Al acabar de disponerlo todo reclamé su atención:- Ahora solo falta usted.

- No esperaba tantas atenciones, me siento como un actor. Me he estado informando sobre usted Sr. Witkin. Es un fotógrafo famoso, quizá debí pedirle mas dinero, pero un trato es un trato. Sé que también estuvo en la guerra ¿No tuvo suficiente ración de fealdad y terror allí? Creía que la fotografía debía ser bella, como aquella- dijo señalando una pequeña lámina de un paisaje, lo único que adornaba aquellas paredes llenas de lamparones.

- Yo le encuentro bello aunque le cueste creerlo. – respondí mientras acababa de colocarle la cota de malla sobre su cuello.

- Sólo le pido una cosa Sr. Witkin. Hágame parecer un ser humano.

Durante dos horas y dos fotografías, estuvimos charlando, de todo y de nada, nunca de su físico, de fútbol, ¡de mujeres!, hablamos  hasta que llegado el momento tuve la sensación de que el retratado era yo.

- ¿Qué le quita el sueño Sr. Witkin?

- ¿Por qué cree que no duermo bien?

- He visto sus fotos y no creo que se duerma bien con semejantes inquietudes, me gustaría saber mas sobre el origen de todo esto, sobre su insistencia en mi, sobre su extraña búsqueda. ¿Algo en su infancia?

Su inteligencia desbordaba a la mía, me dí cuenta de ello la primera vez que me miró.

- Paseábamos en familia un día, estaba mirando hacia los árboles y escuché un frenazo y al instante el ruido de un golpe de una fuerza inimaginable.

- Siga, por favor. – Profirió al advertir que no me gustaba hablar de aquello.

- Se escucharon después gritos y mi madre corrió a ayudar. Yo me acerqué a los coches por el otro lado y entonces ví lo que ví. Uno de los hombres que ayudaban había conseguido abrir una de las puertas del coche que había quedado debajo, un cuerpo cayó y con él su cabeza que rodó un par de metros hasta detenerse ante mi.

Quedó un rato callado: – Vaya, todos tenemos nuestra historia.

Lo recogí todo en silencio, aguantando su mirada inquisitiva, ansiosa de preguntas.

- No volveremos a vernos.

- Me gustaría mandarle una copia de la fotografía – Respondí extrañado.

- Hágalo por correo por favor, deseo estar solo al verla.

Con un gesto me despedí de él, y le dí la espalda para abandonar su cuarto; sin esperarlo me habló: – Sabe, es una pena.

-¿El qué?

- Que no llevara una cámara el día de aquel accidente.

(Joel Peter Witkin fotógrafo sin prejuicios, Nueva York 1939, fotógrafo de lo ajeno y de lo extraño, o quizá, de lo mas propio).

Oscar Garrido. Hong Kong 2009 (Pulsar sobre imagen)

Es Julio en Hong Kong y el calor expulsa de las calles a los extranjeros, hasta mejores horas. Pero nuestro amigo, abrazado a su cámara, recorre las calles derretidas, buscando el refugio de las tiendas, donde el frío brota generoso, sin ahorro.

Y es así, alternando el calor mas extenuante y comercios con complejo de nevera, que sus pasos le conducen a un lugar donde los transeúntes pasean mostrando sus aves, portadas con toda pompa en ornadas jaulas; donde arremolinarse en torno a uno de ellos, para escuchar de su boca explicaciones sobre las excelencias de su bello ejemplar. Un lugar donde comprar toda la comida que un pájaro pueda necesitar o desear, desde insectos vivos a golosinas y por supuesto cualquier accesorio avícola imaginable.

Este caos de orden incierto, esquivo al extranjero, indiferente al ojo inquieto que lo escruta, atento a toda acción y emoción; no repara en la cámara que captura rauda, mediante movimientos cortos, veloces, controlados, que descansa  en la cara el tiempo estrictamente necesario para enfocar y disparar, emplear mas tiempo sería derroche, menos, defectuoso.

Sorteando los pasos que le son contrarios, esquivando lo que observa, observando lo que esquiva, forma parte de una corriente de dirección y ritmo inextricable, de la que consigue desprenderse para reparar en la maravillosa reunión de centenares de jaulas que reclaman su presencia.

Y seducido por el canto de sirenas, por el pálpito, que le hace levantar su cámara un poco mas a cada paso que da, entonces entre ellas aparece el guardián de aquella cárcel, ¿o es el reo?.

Cabizbaja, la vendedora de cárceles, vive enjaulada, tranquila, impasible al ajetreo del que su celda la separa. El acto de la captura es instantáneo, pensar en él no es necesario, como nadie se obliga a respirar; el visor ya se interpone entre el ojo que mira y la escena que propone, pero todavía no es el momento, esperemos un poco mas, esperemos a que la presa descubra que lo es.

La cabeza que sube lentamente hasta que sus ojos reparan en la cámara, ¡ahora!, y el cepo se cierra, acompañado de un clic imperceptible.

Cuando el telón empieza a bajar, los pasos de nuestro héroe ya le llevan hacia otro lugar, sabe de la riqueza que su cofre guarda, que hace bueno el día, que hace bueno el viaje, que hace bueno el haber empuñado una cámara tantas veces, pero para que regodearse en algo que no le será revelado sino en la soledad de su laboratorio; hay que olvidar pronto para mirar de nuevo, puede que la siguiente presa sea aún mejor, mirar sin rémoras, con la misma ilusión de la primera vez.

P.S. Nuestro héroe de hoy, no es otro que Oscar Garrido, un ojo dotado de un instinto fotográfico envidiable, que produce fotografía y de la buena sin necesitar mas que un par de zapatos, calles para gastarlos y su cámara. Uno de los pocos que ha comprendido que la fotografía de calle (street photography) es un término mucho mas complejo que el fotografiar en la calle.

http://www.garridoserra.com/

“Y he aquí que estas alas que recuerdo remontando el vuelo, aparecen ante mi inmóviles, sostenidas por hilos invisibles como siempre imaginé, y todavía no puedo asegurar que esto que veo sea cierto.

Procuré tu derrota, ingeniando el dique que tu fluir detuviera, e inesperada mi pirríca victoria acaeció entre las láminas de este bisturí, que a ti tiempo, disecciona y almacena.

El gusto amargo del arrepentimiento abrazó un tiempo mis labios. Me preguntaba sobre mi derecho a desvirgar lo  que único y sutil ante nuestros ojos aparece, el derecho a cortar el vuelo de las cigüeñas e interrumpir la carrera de los zorros, a desposeer a lo visible de su momento y su lugar.

¿Debería serme permitido el escudriñar entre los límites del tiempo y la percepción?

Soy yo el que abre la veda, esa debe ser mi responsibilidad y puede que también mi pena.

Al fin y al cabo puede que todo forme parte de un sueño maravilloso y que ni el tiempo ni el movimiento existan.

Ahora lo único que lamento es no haber registrado la compañía de aquellos que amé y ya no existen, congelar sus risas, sus ademas, sus bailes, congelar su vida para que siempre me acompañen, su imagen no trascenderá mi memoria como su tacto no sobrepasó jamás mi piel.”

(Ottomar Anschutz inventó el obturador de cortinilla en 1882).

Sin duda, el digital ha supuesto una nueva era al democratizar el acceso a la fotografía a personas que ni siquiera se hubieran planteado su uso anteriormente. No obstante hablamos simple y llanamente de técnica. Se ha perdido quizá el compenente manual y artesanal que tenía anteriormente, más allá de la imagen intangible de un monitor.

Antonio Graell hace una propuesta que me parece interesante. Dado que lo único realmente necesario para fotografiar es la luz, ¿qué ocurriría si utilizáramos la luz que emite nuestro monitor para impresionar un papel fotográfico convencional? El resultado es la halurización del píxel, la simbiosis de ambos mundos. La simplicidad frente a la vorágine.

Antonio es un habitual de Foto36, así que podrá responder a vuestras preguntas, comentarios e inquietudes.

Podéis ver el trabajo de Antonio Graell, “La Halurización del Píxel” expuesto este Viernes 22 de Mayo de 19 a 23h y el Domingo 24 de 12 a 16h en Metol-4, Calle San Pedro nº6 (se entra a través del portal), Metro L1, estaciones de Antón Martín o Atocha. Madrid (una lástima no poder acercarme)

Con motivo de la presentación el próximo mayo del trabajo realizado en Cuba por el fotógrafo Rubén Morales, contacté con él para la realización de una entrevista, a la que él amablemente accedió. Presento a continuación los contenidos recogidos tras nuestra conversación.

Foto36. Debo decir Rubén que lo primero que me llamó la atención al conocer tu proyecto fué el título, me pareció incluso algo pretencioso, quiero decir, hay que tener muy buenas fotos para apoyarlo.

Rubén Morales. Entiendo que pueda parecerlo,  pero todo surgió de la manera mas natural. Estuve mas de un mes recorriendo la isla, por razones que no vienen al caso, ibamos cargados de pesos cubanos, lo que nos dió “acceso” a lugares donde normalmente los turistas no entran. Fueron muchas las personas con las que hablamos y que se abrieron ante dos personas extrañas.
El momento que hoy día está viviendo la isla es histórico. El comandante Fidel, se retiró  del mando de la Isla,  con lo que muchos cubanos y cubanas quedaron espiritualmente huérfanos, por que Raúl no es lo mismo. Sin embargo las ideas mas aperturistas de Raul y el triunfo de Obama ilusiona a una gran mayoría de cubanos que tenían muchas esperanzas puestas en el presidente americano.
Eso nos hizo ver que la verdadera revolución que van a vivir aquellos que no vivieron la del 59, va a ser la que les va a tocar vivir ahora con sus cosas buenas y sus cosas malas.

F36. Me parece que pase lo que pase, los cubanos están curados de espantos.

RM. Si, pero hay muchas cosas que no conocen, de la misma manera que su soltura es evidente ante ciertos aspectos, hay muchos otros que le son totalmente desconocidos y a los que les puede costar habituarse, como puede ser la posible aparición de mafias o el mundo de las drogas. Por desgracia ya conocen el mundo de la prostitución, pero tengo la impresión que por motivos mas relacionados con la supervivencia.

F36. ¿Cómo nació el proyecto? Era algo en lo que habías pensado antes o fué naciendo durante cada paso que dabas en la isla.

RM. No puedo decir que fuese a Cuba a hacer esta serie en concreto. No había estado antes allí y no sabía bien lo que me iba a encontrar, lo que si tenía claro era que por una vez iba a apartar  las maletas llenas de cámaras y objetivos y viajaría con muy poco equipo. Cogí unicamente mi recién adquirida Rolleiflex y una mochila llena de TriX. Una vez allí todo fué surgiendo, una serie de acontecimientos provocaron que nos tuviéramos que introducir de lleno en la sociedad cubana, conviviendo y compartiendo con ellos día y noche de forma muy cercana.
Los retratos y nuestra aventura iban apareciendo facilmente.

F36. Me interesa mucho esa forma de acercamiento a la gente, ya que creo que cada fotógrafo tiene una manera personal de acercarse a sus retratados. Por un lado tenemos a un extranjero con una cámara en la cintura que se acerca y por otro a una persona que va a ser retratada y que debe estar pensando que que tiene de especial para ser objeto de una fotografía ¿Cómo te acercabas a la gente y sobre todo que hace al cubano diferente y especial?¿Que lo hace merecedor de un retrato?

RM. Pues todo depende de cada persona, pero  por lo general entrando con respeto e interesándote por lo que están haciendo, son muy colaboradores. En el fondo se saben especiales, muchos son los extranjeros que visitan Cuba como si se tratara de una gran reserva, una reserva de especies en peligro de extinción. Todos hemos escuchado el comentario: “ ¡Hay que ir a Cuba antes de que se acabe la dictadura!” Nosotros vamos a ver otro mundo, en parte utópico y ellos sabiendo lo que representan, se muestran dispuestos a ser inmortalizados.
También ayudó el tipo de cámara que llevaba, es muy distinto acercarte con una rollei en la cintura con una cámara reflex, con la que uno se tapa la cara y resulta  mas intimidatoria. Mi mujer llevaba una reflex  y muchos fueron los que le pedieron dinero, a mi nunca me pasó, muchos de ellos me dieron su dirección de correo.

F36. ¿Para recibir las fotos?

RM. Si, y cuando la exposición acabe tendré que trabajar para poder realizar un envío masivo de copias, aunque me gustaría mas entregarlas en mano.

F36. Tendrías que volver cuando la revolución ya no esté pendiente.

RM. O se esté produciendo…

F36. Haces las fotos, acabas tu viaje, regresas y tienes tiempo para pensar ¿Qué te has traido de Cuba aparte de fotos?

RM. De Cuba me he traido sensaciones contradictorias. Es dificil quitarse los estereotipos de la cabeza, pero llegas alli y… ¡zas! Cuba no es Varadero, ni siquiera la Habana. Cuba es mucho mas que eso. Y se está cayendo a pedazos. Es una sensación de impotencia tremenda ver como sea por lo que sea, eso ya me da igual, las casas se caen, la gente se siente  desmotivada y la sensación  de que toda esa alegría interior del cubano esconde en realidad una gran incertidumbre. Me cuesta poner en orden las ideas sobre lo que he vivido, y creo que nunca me decidiré, Cuba me ha cautivado y solo pienso en volver a todos esos pueblos del interior, a los que se llega por carreteras llenas de agujeros y repleta de personas haciendo autostop para ir de aquí para allí.
La esencia de Cuba está en esos pueblos.

F36. Parece que Cuba te ha herido.

RM. Y profundamente. Pasé allí bastante tiempo y fueron muchas las anécdotas vividas.

F36. ¿Alguna que quieras contar?

RM. Puede que la mas importante, y la que hizo que el viaje tuviera el carácter que tuvo, fué la ocurrida en La Habana. Allí sufrimos un percance monetario que hizo que durante todo el viaje no nos sobrara el dinero precisamente, aunque por suerte teníamos pesos cubanos.
En un punto de la isla, de nombre que no recuerdo, llegamos a un pueblo medio derruido que fué construido alrededor de una antigua central azucarera, allí había un montón de locomotoras antiguas.
Un señor que las cuidaba se acercó para preguntarme si las quería ver; le dije que no le podía dar nada a cambio, que nos habían estafado en la capital. Llamó a sus amigos y me hizo contarles el episodio. Eran tres señores que en la vida habían salido de ese  pueblo y las historias de la ciudad les apasionaban. Cuando acabé uno de ellos se metío en un cuarto, cogío una piña y me dijo: ¡Al menos hoy cenarás piña!
No sabía como negarme, no quería ser desagradecido, ibamos mal de dinero, pero teníamos para comprar comida. Tanto insistieron que me fuí de allí con la piña y con su dirección para mandarles el retrato que les hice.
El que iba a pedirme un peso para enseñarme las locomotaras, acabó dándome la cena ese día.
Ese episodio todavía me emociona, todavía recuerdo sus caras,…, como niños.

F36. Pobres con alma de reyes.

RM. Si, no sabes la sensación que me produce recordarlo.

F36. En la isla tuviste que coincidir con mas españoles, algunos de ellos fotógrafos seguramente.

RM. Si, aunque por las zonas donde mas nos movimos no suelen entrar en los tours.

F36. Te lo pregunto porque existen ciertas zonas que, no sé como decirlo, están ciertamente explotadas fotograficamente esto puede suponer  que ese lugar pierda su atractivo aunque otras veces puueda suponer la motivación para hacer algo distinto.

RM. Mira el Malecón, de él se han hecho miles de fotos y sin embargo nunca pierde su atractivo.

F36. Pero, véndeme tu trabajo ¿En que se diferencia de esas fotografías con las que nos pueden  bombardear nuestros familiares al llegar de vacaciones?

RM. Son retratos hechos con pasión y mucho corazón, en los que he buscado algo mas que simplemente sacar a la gente de la isla. Decidí dignificar de la unica manera que sé a esas personas anónimas que no siempre llevan una vida fácil, en estas fotos aunque no voy a ponerlo en las cartelas hay gente de todo tipo y condición, niños con todo el futuro por delante y adolescentes hundidos en la desesperacion de no poder salir de alli. Pero no queria mostrar ni la miseria ni las apreturas. Solo los rostros, cuerpos y atuendos de unas personas curtidas en un mundo muy distinto al nuestro, pero siempre desde el respeto y desde la ética fotografica. Si analizas la perspectiva de el 99% de las fotos sabrás lo que te digo.

F36. ¿Y donde dejaste los pixeles? ¡Con todo el trabajo que te hubieras ahorrado! ¿no?

RM. ¡¡¡No eres el primero que me lo dice!!!

F36. Espero que sepas que estoy siendo totalmente irónico.

RM. Jajajaj ¡claro!

F36. Es que parece raro que alguien disfrute del proceso fotográfico químico, por lo menos hoy en día muy poca gente lo comprende.

RM. Este trabajo no tendria ningun sentido si no hubiera sido así. El mes y medio que  he estado dentrol del laboratorio ha formado  parte del viaje también. Seguia allí estando aquí.  Dándome cuenta de detalles que no ví en su momento, madurando ideas, machacándome con las contradicciones de mi viaje, …

F36. ¿Pero es para ti una tortura estar en el laboratorio?

RM. Trabajar en el laboratorio es la segunda mejor cosa que puedo estar haciendo. La primera es estar detrás de la cámara.

F36. Me parece importante que quede claro  porque a muchos novatos se les enseña que el laboratorio es poco mas o menos que para sadomasoquistas, de hecho la práctica química está siendo apartada de algunas escuelas de fotografía.

RM. Si, y es una pena. En mi caso debo explicar  que mis primeros trabajos remunerados en el mundo de la fotografia fueron como retocador digital en el año 2002.  Aún  no habían aparecido en el mercado las  primeras reflex digitales y trabajaba para fotógrafos que escaneaban sus negativos.
¡Empecé con los pixeles antes que con los haluros!  Trabajaba con estudios por mis conocimientos de photoshop, cuando apenas unos pocos lo tenian instalado en casa. Después empece a estudiar en una escuela de fotografía.  Sólo habia estado una vez en un laboratorio,  las otras veces se trataban de prácticas en el baño de mi casa,  y empecé a enamorarme, al principio sobre todo de los olores, … , pero hay que comer,  en los años siguientes monté mi estudio y ni me planteaba no tirar con digital, usando cámaras reflex y con un respaldo Phase One. Y aun hoy todo mi trabajo comercial está hecho con digital. Para mi es una  tortura  estar un minuto delante del ordenador, vaciando tarjetas, abriendo archivos pesadísimos en photoshop y todo tipo de procesos asociados, pero es lo que hay.
Por otro lado, el laboratorio es un remanso de paz. es una habitación donde el tiempo se para. Sabes cuando entras pero no cuando vas a salir. Es un sitio irreal, iluminación roja, olores a químicos,…,  es tan diferente a cualquier otra estancia en este mundo,que hacen de el un sitio de donde no saldría en la vida. Bueno si, ¡para ir a Cuba! Jajjajaj

F36. Aviso para navegantes. No renuncies a nada.

RM. A nada.

F36. ¿Visionaste algunos trabajos sobre Cuba antes de realizar tu viaje?

RM. Visioné un trabajo estupendo del fotografo Rogelio Camargo en Entrefotos. Me encantó  la forma de positivar esas pieles, eso me inspiró mucho en el laboratorio. Las tomas son muy distintas, pero a Rogelio le debo la estética del copiado,  me influyó  bastante y además tres meses antes del viaje me puso su Rolleiflex en mis manos. Desde ese momento supe que en cuestión de días tendría una.

F36. Háblanos de la Rollei. Parece que el que la coge no la suelta. ¿Conoces a Baylón (sinónimo de Rolleiflex) personalmente?

RM. No es nada ergonómica, no se ve bien por el cristal ( por lo menos no tan bien como en las mamiyas) no tiene objetivos intercambiables, jjajaj, no lo sé, pero es alucinante, su peso, su ausencia de espejo, su robustez, fiabilidad,la calidad de sus lentes, es una joya. Desmontándola llegué al obturador, es como un reloj suizo por dentro.
Baylón es otro Rolleiero, estuve con él  en su última exposición “Ladrones de corazones”. Se me hace difícil imaginarme a Baylon sin su Rollei.

F36. ¿Sabes que los fabricantes Franke y Heidecke están en bancarrota?

RM. Rolleis que me interesan son las anteriores al 60, me da mucha pena por lo simbólico del asunto, pero no me preocupa. solo me preocupa pillarme lo antes posible otra en mejores condiciones que la mía para no tener que preocuparme en la vida.

F36. Ya me recomendarás una.

RM. ¡Por supuesto! Sin pilas, ni circuitos, …

F36. ¿Dónde podemos contemplar “Retratos de una revolución pendiente” y de que tipo de exposición se trata?

RM. La exposición es en la Real Sociedad Fotografica en Madrid, situada en la calle Tres Peces número 2 (metro Lavapiés) un lugar emblemático cuanto menos.  Se inaugura el 7 de mayo  a las 20 horas y podrá verse hasta el 3 de junio, salvo el día de la inauguración el horario de abertura será de 18:30 hasta las 21 horas.
Consta de treinta obras de un tamaño de 60×60 cm con una mancha fotográfica de 45×45, respetando el formato cuadrado de mi  cámara, van montadas en passepartout blanco roto y a su vez en un marco de haya en caja. Los marcos también los he fabricado yo.
Para añadir mas datos técnicos diré que usé película koda trix 400 revelada con d76 (todo un clásico)  y que el papel que he utilizado es Foma 131 revelado con d52 que mezclo yo mismo.
La exposicion no está situada politicamente, es algo que he querido mantener desde el principio y no tengo otro interés con ella que el que las personas que la vean sientan algo de lo que yo pude sentir retratando a aquellas personas.

F36. Bueno Rubén, gracias por esta entrevista y te deseo la mejor de las suertes con esta exposición.

Ya sabeis, si quereis ver el maravilloso trabajo de este  viajero (que no  turista) no lo dudeis y visitad la Real durante los próximos meses.

P.S. Vídeo sobre el trabajo.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

Para Julián Barón hacer fotos debe de ser algo muy fácil, una actividad fluida y debe ser así por la manera en la que consuma sus capturas, por la manera en la que complica lo sencillo y encuentra detalles en lo habitual. Los detalles, los detalles lo son todo, lo inundan todo; son los que hacen que fotografías en apariencia sencillas nos sumerjan en un ambiente, los que describen la luz que en una tierra brilla, son los que me hacen querer saber que existe detrás de una cortina blindada de rojo.

JULIÁN BARÓN.

Castellón, 1978. Fotógrafo. Coordinador de la Escuela Blankpaper en Castellón. Profesor de Fotografía Documental.

http://www.julianbaron.com

¿Qué supone para ti el documentalismo?

¿Documentalismo? Creo que este término es una forma más de intentar clasificar todo lo que el ser humano tiene en sus manos. Parece ser que clasificándolo todo, somos y tenemos mejor conocimiento sobre los temas. ¿No sé por que?
Sin duda una fotografía o un proyecto fotográfico (reportaje, ensayo…) debe de generar una reflexión, sino da igual que sea documental, artística, foto periodística, de autor… y otros mil millones de clasificaciones mas.
No me gusta clasificar. La fotografía es fotografía, y toda tiene un sentido y una vía de escape hacia el espectador, que debe reflexionar también acerca del mensaje que se le transmite.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué hace bueno un reportaje?

Un reportaje lo hace bueno un cúmulo de puntos a tener en cuenta. Por un lado el fotógrafo debe analizar y reflexionar sobre lo que ocurre ante él, cuando está frente al acto fotográfico, para conseguir la fotografía que de cadencia a otros cientos de fotografías tomadas sobre el proyecto. Luego existe otro punto importante que es el de editar y dar coherencia narrativa al conjunto de imágenes. Y por último creo que el espectador debe también de ser reflexivo y ser el más crítico con el reportaje.
Un buen espectador no se deja llevar por lo que opinen las masas, y mantiene su propio criterio.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Qué papel tiene que tomar el fotógrafo ante lo que ve?

Como he comentado en la pregunta anterior, el fotógrafo debe ser él mismo, con sus aciertos y fallos en todo su esplendor. Pero sobre todo debe mantener un respeto y compromiso con el acto fotográfico y todo lo que ello implica. La fotografía no es solo imágenes.

(Julián Barón. La Mancha, 2008)

¿Debe predominar el estilo sobre la información?

No creo que estos terminos tengan una jerarquía de uso, puesto que se
deben complementar y no enfrentarse o crear un conflicto de ego. Es
decir, el fotografo tienen implicito su estilo y la información esta
en forma explicita hacia donde se dirije la mirada y porque.
Lo unico que debe predominar (si es que algo tiene que predominar) es
el compromiso.

La pareja fotográfica Bleda y Rosa ha sido galardonada con el Premio Nacional de Fotografía 2008 otorgado por el Ministerio de Cultura. He de reconocer que desconocía a ambos autores por lo que he tenido que buscar para ver algo de su obra, y por lo que he visto, su trabajo se centra en lugares concretos que tuvieron algún tipo de relación con la historia y acontecimientos.

Me ha resultado curioso que los propios autores no estuvieran de acuerdo cuando el jurado ha argumentado el galardón en que “representan la renovación de uno de los fundamentos del medio fotográfico, la fotografía documental”, cuando los autores han comentado que ellos no han inventado nada.

Para ser sincero y sin entrar en la calidad de la obra de los premiados, me hubiera gustado que en los últimos años se reconociera a grandes fotógrafos de este país, que por su trayectoria y longevidad bien merecen este premio. Habrá que esperar otro año más

Bleda y Rosa | Web
Ministerio de Cultura | Premio Nacional de Fotografía

Estos problemas son secundarios si uno tiene en cuenta otros como puede sere el terrible curso que está tomando una antigua enemiga, La Tuberculosis.
James Nachtwey (si ÉL) ha estado trabajando durante dieciocho meses con la misión de hacer conocer esta nueva pandemia.
Desde aquí como desde tantos otros puntos de la blogosfera intentaremos ayudar haciendo conocer esta información que al parecer no merece unos segundos en los noticiarios.

Siempre se dijo que las heridas mal cerradas siempre vuelven a abrirse, de la misma forma las enfermedades no curadas siempre vuelven con mas fuerza.
La tuberculosis, la enfermedad de los enamorados ya no enamora, ha mutado y se ha hecho ultrarresistente a los fármacos.
Para obtener mas información y saber como ayudar, pincha aquí.

Más allá de la posible discusión legal sobre la realización de fotografías a personas en lugares públicos, existen unas consideraciones añadidas a la hora de valorar el trabajo de un fotógrafo callejero como el archifamoso Bruce Gilden: son la ética y el respeto.

En mi opinión, Gilden antepone su interés profesional a cualquier tipo de ética personal. En este video él mismo reconoce no tener ética. Su manera de fotografiar es como mínimo irrespetuosa con todos aquellos a los que retrata. Asusta, corta el paso, molesta e incluso se permite la desfachatez de recriminar a los pocos que sonríen en el momento de ser fotografiados. Si no se llamase Bruce Gilden, si no fuese miembro de la agencia Magnum y si no tuviese tantos videos colgados en youtube, probablemente sería simplemente un chalado maleducado que juega con una cámara en las calles de Nueva York.

En el aspecto estético, el uso que hace Gilden del flash es un contrasentido. Reflejar la realidad de las escenas callejeras con un fogonazo de luz me parece antinatural. Esto me lleva a pensar que mucha culpa de su fama hoy en día la pueda tener la controversia que genera su manera de fotografiar.

No todos son tan particulares en sus maneras como Gilden pero sí que hay fotógrafos sobresalientes en los resultados que es lo que realmente debería contar. Un ejemplo, el reciente ganador del WNYC Street Shots’ Challenge, Joe Wigfall.

El fotógrafo Cordobés (maño de adopción) que trabaja habitualmente para el Heraldo de Aragón y colaborador de la Cadena Ser, la BBC, o La Vanguardia entre otros, ha sido galardonado con el Premio Ortega y Gasset en la categoría de periodismo gráfico por la fotografía titulada “Sofía y Alia” perteneciente a la serie Vidas Minadas. El premio responde a “la fuerza expresiva de la instantánea que ha sabido transmitir la fragilidad e indefensión de las personas sometidas a la brutalidad de los conflictos bélicos”

Felicidades Gerva

Al marcharse a América dejó en Paris su laboratorio con todo su material (entre ellas 3 cajas con más de 3000 fotografías de la Guerra Civil Española). Robert Capa había asumido que había perdido este trabajo tras la invasión Nazi en la II Guerra Mundial, pero lo cierto es que esos negativos sobrevivieron y estuvieron en custodia de Francisco Javier Aguilar González, general y diplomático mexicano a las órdenes de Pancho Villa. No se sabe cómo llegaron a sus manos, pero lo cierto es que Aguilar se dedicó a una labor de recuperación de documentos y objetos de la II Guerra Mundial. A finales de los 90 la familia de Aguilar vendió la casa del ya difunto (1967) y aparecieron las 3 cajas. Ahora las cajas ha llegado al Centro Internacional de Fotografía (fundado por Cornell Capa, hermano de Robert) en Manhattan.

La aparición de estas fotos reabre el eterno debate sobre la autenticidad de la famosa foto del miliciano abatido en Cerro Muriano sobre si era realmente una situación real o escenificada. La duda al parecer no se va a resolver, al menos de momento, pues el negativo y las fotografías de ese rollo no están entre las más de 3000 aparecidas.

Los negativos contenidos en las cajas son autoría del propio Capa, de Gerda Taro (fotógrafa y compañera del propio Capa) y David Seymour, más conocido como Chim (co-fundador de Magnum) y se da la circunstancia de que algunas fotografías atribuidas tradicionalmente a Robert Capa serían en realidad de Gerda Taro.

La tapa de una de las cajas tiene la descripción del contenido de cada uno de los rollos de la misma, con anotaciones hechas en una mezcla de Francés y Español sobre lugares, batallas y personajes de la contienda (Lorca, la Pasionaria, Largo Caballero, Azaña, etc…), lo que puede a ayudar a ubicar mucho mejor sus fotografías en el contexto de la guerra, tanto geográfica como temporalmente. En el enlace que he dejado podéis ver las anotaciones en alta resolución.

Muy interesante este descubrimiento que ha llegado a definirse como el “Santo Grial” del trabajo de Capa.

Más información | The New York Times

La sala municipal de fotografía de San Benito de Valladolid (a mi parecer una de las mejores del panorama nacional, al menos de las que he podido ver), nos presenta hasta el 6 de Enero de 2008 esta exposición que ya pudo verse en PhotoEspaña07. El título lo dice todo, artistas de diferentes épocas y disciplinas (cantantes, actores, cineastas, poetas, etc…) detrás de la cámara, usándola como instrumento para reflejar sus propias inquietudes y vivencias en un medio de expresión alternativo. Pasar de un lado al otro del objetivo, pasar de ser apuntado por todas las cámaras a apuntar la suya propia y desarrollar su creatividad desde una perspectiva diferente.

En la exposición pueden verse fotografías de artistas como Pedro Almodóvar, Jean Cocteau, Edgar Degas, Richard Gere, Stanley Kubrik, Pablo Picasso, Lou Reed, Luchino Visconti o Emile Zola por decir algunos de las celebridades entre los más de 20. Si no pudiste verla en PhotoEspaña y te pilla bien, merece la pena verla

Actualización:
A petición de Emlio, pongo galerías de Kubrik, Picasso y Almodóvar. No son las fotos de la exposición, pero creo que son interesantes (la galería de Kubrik parece que no va bien en Firefox ¿?)

Primera fotografía conservada de Niépce

Joseph Nicéphore Niépce es considerado, junto a Louis Jacques Mandé Daguerre, padre de la fotografía. Niépce era químico y litógrafo y trató de obtener un método para transferir imágenes a las placas litográficas por medio de luz y después continuó experimentando con la camera obscura.

De la misma forma que Thomas Wedgewood antes que él (1805), Niépce utilizó una sal de plata (cloruro) en 1816, pero le desconcertó el obtener una imagen con los tonos invertidos que no era capaz de fijar antes de que desapareciera (Niépce no conocía el descubrimiendo de Wedgewood, que al contrario sí sabía de la capacidad de las sales de plata para oscurecerse a la luz, gracias a los estudios de Schulze en 1727)

Desalentado Niépce buscó la forma de obtener una imagen positiva directamente y en 1822 experimentó con el betún de Judea. Esta sustancia oleosa se disuelve con aceite de lavanda pero se endurece al exponerse a la luz. Cubrió un vidrio con una solución de aceite y betún y puso por el otro lado un papel grabado que había engrasado para hacerlo transparente. Una vez expuesto a la luz lavó el cristal con aceite de lavanda y trementina, lo que eliminó las zonas de la disolución no expuestas y dejó las endurecidas con lo que consiguió una imagen negativa pero fijada del grabado.

Después usó placas de peltre como soporte para la solución sensible y en 1826 consiguió realizar la primera fotografía con una cámara. Llamó a su invento heliografía (del griego, helios = sol). Al año siguiente viajó a Inglaterra para promocionar su invento, pero fue recibido con indiferencia. Allí conoció a Daguerre con quien en 1829 firmó un contrato para colaborar en la mejora de su invento, después de la desilusión sufrida.

En 1833 muere sin haber conseguido mejorar el proceso heliográfico. A Niépce se le reconoce por su papel de socio de Daguérre, pero la Heliografía quedó ensombrecida al aparecer el Daguerrotipo unos años después. Así el invento de Niépce quedó sin continuidad ni evolución, en vía muerta

Ernst Haas (Prisioneros de regreso a casa)

“Prisioneros de regreso a casa” (Viena, 1947) es de esas fotos que no se olvidan. Una imagen que una vez descubierta pasa de manera permantente a la memoria del observador. Ernst Haas hizo una foto sobre una foto. Una madre sostiene el retrato de su hijo y lo muestra a los prisioneros liberados que regresan a casa. Tiene la esperanza de que alguien le pueda dar alguna noticia sobre su hijo del que probablemente no sabe nada desde hace mucho tiempo.

La imagen en mi opinión es dramática, tremendamente emotiva. Se hace evidente un choque de sensaciones entre el gesto triste y desesperado de la madre y por otra parte el rostro alegre y feliz del prisionero que por fin vuelve a casa. Nadie parece prestar atención a la señora. Imagino el momento: alegría en los soldados liberados que caminan por la calle mientras a ambos lados la gente sonríe y aplaude; quizás alguna música patriótica suena en el ambiente; risas y gritos de júbilo a cada momento. Pero una persona no hace el más mínimo ruido y no parece participar de la fiesta general.

Me niego a escribir sobre el fotógrafo. La foto es suya pero él no es lo importante aquí; a él le estoy agradecido por mostrar esta escena inolvidable. Pero el protagonista es la foto, el retrato, la madre esperanzada y el mensaje que nos ha quedado 60 años después.