Hay un momento de importancia máxima en la vida de todo fotógrafo. Es algo por lo que inevitablemente debe pasar. Un suceso en su carrera que tarde o temprano siempre llega. Se trata del instante irremediable en que decide “dar el salto”.

Al igual que existe un antes y un después a cumplir los 18 años o a perder la virginidad, cuando un fotógrafo “da el salto” se transforma, madura y ya no es el mismo. Lo bueno del asunto es que si bien sólo podemos cumplir 18 años en una ocasión y perder la virginidad en otra, “el salto” se puede dar muchas veces. De hecho conozco fotógrafos que saltan una o dos veces al año. No están a gusto ni satisfechos con su salto anterior y vuelven a saltar.

No tengo muy claro si el salto es para avanzar hacia delante o para subir hacia arriba pero parece ser arriesgado y peligroso a juzgar por las frases de temor y preocupación que se dicen antes de saltar:

“…ver si me podéis ayudar en la decisión de dar el “gran salto” a una cámara réflex digital…”

“… ¿qué réflex me compro para dar el salto?…”

“…estoy pensando en dar el salto a full frame y comprarme la 5D…”

“…voy a dar el salto de analógico a digital y tengo dudas…”

Tampoco tengo claro si el salto se produce cuando pasamos de usar cámara compacta a réflex, cámara amateur a profesional, cámara analógica a digital, etc. La cosa es “dar el salto”, da igual hacia donde sea, lo importante es saltar.

Si eres fotógrafo, salta lejos, salta muchas veces, no dejes nunca de saltar. Y a cada salto que realices, difúndelo entre los demás, publica la historia de tu salto y siéntete orgulloso de haberlo hecho.

Lo discutía el otro día con un colega, la imparable búsqueda del súmmum de la nitidez entre los fotógrafos digitales de hoy en día. Y es que una de las cosas que ha traído la fotografía digital es tener a la vista las deficiencias de la toma al alcance de nuestro dedo por muy pequeñas que sean. 100, 200, 400%, podemos ver la cuadratura del píxel y cualquier cambio de tonalidad o contraste entre píxeles vecinos y así con los millones de píxeles que nos suministra nuestra cámara, buscando y escudriñando cualquier anomalía “pixélica”.

No lo critico, aunque en algunos casos puede resultar una práctica enfermiza. Lo que me llama la atención y veo habitualmente en comunidades online y otros círculos es que las críticas de no haber conseguido el resultado esperado se centran habitualmente o bien en el objetivo o bien en la cámara, cuando en las fotografías que muestran se ve más margen de mejora por parte del fotógrafo que por parte del equipo. No en vano un buen “camarero” sabrá exprimir el máximo tanto de un material mediocre como de uno excelente. Por el contrario el “camarero” mediocre no sabrá sacar el máximo de lo que disponga, sea lo que sea.

Por otro lado es curioso ver que el nivel de exigencia es directamente proporcional al porcentaje de zoom usado en el programa de edición. No importa la copia en papel, lo que importa es lo que vemos en la pantalla a tropecientos aumentos. Me gustaría saber hasta qué tamaño de copia  revela un usuario medio… Hoy en día con cualquier réflex amateur avanzada y un objetivo acorde con la cámara y siendo un poco escrupulosos, se pueden sacar copias de 1.5m sin demasiados problemas.

Esta bien ser exigente, pues es lo que hace mejorar, ¿pero hasta dónde llegan nuestras necesidades?

Los fotógrafos de la sociedad de consumo se asoman pero no entran. En fugaces visitas a los escenarios de la desesperación o la violencia bajan del avión o el helicóptero, oprimen el disparador, estalla el fogonazo del flash: ellos fusilan y huyen.

Eduardo Galeano (1940-) Escritor uruguayo

Profundizando un poco en el texto del escritor, Galeano distingue dos tipos de fotógrafos: los que retratan la miseria para convertirla en mercancía u objeto vendible y los que retratan a las personas con dignidad ante el sufrimiento. Creo que es una cita muy interesante para el debate.

(Agradezco a ggortigo la aportación de esta cita en el post sobre armamento fotográfico.)

He tenido conocimiento del proyecto wordswithoutpictures , encargado del estudio de la fotografía, de su significado y de los posibles cambios de dirección que se producen en ella. Pretenden responder, aglutinando diferentes opiniones, a todas aquellas cuestiones que seguramente vosotros mismos os habeis hecho alguna vez.
Para este fin utilizan distintos medios, véase, ensayos, foros, debates cara a cara, cuestionarios, … ; si os veis con ánimo de participar, no lo dudeis, todas las opiniones (que sean dignas de ello) serán recopiladas en un libro que reuna las conclusiones obtenidas.

En el ensayo actual (se pueden solicitar los ensayos anteriores vía mail) Sze Tsung Long se encarga de un aspecto mas que interesante, LA REPETICIÓN en fotografía. Para muestra unas frases que ilustran el contenido.

“La repetición es intrinsecamente transformar lo que se ve en conocimiento”.

“La repetición nos recuerda que los significados son siempre multiples y cambiantes”.

“Cada vez que miramos, vemos algo diferente”.

“La fotografía ocupa el punto de encuentro entre la mecánica de la percepción visual y las estructuras que dan forma a nuestros ambientes”.

“La repetición demuestra que la visión no solo está formada de visiones individuales sino de sociedades y culturas mirando y estableciendo como y el que ver”.

Como anillo al dedo me vino el descubrimiento de esta web, ya que rondaba la idea de un post dedicado al descubrimiento de las notas que una fotografía debe tocar para que resulte atractiva (ya tratado en el post Geometría y sentimiento); pero Long me ha ahorrado trabajo, estableciendo que la repetición es la que ha marcado un patrón de lo que es digno y lo que no de ser fotografiado.

Presencié hace poco una exposición de HCB en Cádiz, que me hizo convencerme de dos cosas. Primero de algo que ya sabía (o algo de lo que me habían convencido), HCB era un magnífico fotógrafo y segundo que casi toda la fotografía de la segunda mitad de siglo es también suya; tan fuerte es la influencia que ha tenido sobre el fotógrafo medio que es difícil poder ver una captura que no participe de la mirada de Bresson o de Adams.

Será propio decir también que cada una de nuestras fotografías, no es nuestra, sino reflejo de todas aquellas que hemos contemplado y de todas aquellas que nos han hecho ver como dignas. Apoyados como Newton sobre hombros de gigantes, damos continuidad a la mirada de fotógrafos anteriores. Cada uno que busque ahora un gigante sobre el que apoyarse.

Una esquina de la Avenida Greenwich de Nueva York, tres personajes, halcones nocturnos, la luz del interior se refleja en la acera para hacerles saber que allí no hay nadie salvo ellos, dueños de un espacio que desprecian acogiéndose al resguardo de aquel restaurante, de un café caliente y de una comida breve. Y allí consumen los últimos minutos de un día que para la mayoría ha terminado. Cabizbajos reconocen que la misma ciudad que les regala el señorío de unas calles que desdeñan, es la que les proporciona aquel extraño sentimiento de soledad acompañada.
Sin hablar y sin querer hacerlo, dejan pasar los minutos hasta que ya sea demasiado tarde para obviar una rendición al sueño.
Deseé ser otro búho, pasear por las calles con su permiso, permanecer en aquella esquina con mi Speed Graphic, sabiendo que conocían mi presencia, sabiendo que no existía nada que pudiera turbarles en aquel momento, dejándome retratar la soledad de aquella enorme y despiadada ciudad.
(Unas semanas antes los japoneses habían atacado Pearl Harbor contaminándolo todo de decepción y tristeza.)
P.D. Es curioso que la fotografía que siempre querré hacer, sea la propuesta de una magnífica pintura.

¿Son cosas mías o las cámaras cada vez parecen más objetos bélicos?

Queda reflejado en los principios de este blog, el no pretender ser un punto de información sobre novedades tecnológicas en el mundo de la fotografía, pero ha sucedido algo  imposible de obviar por mi parte, para no cambiar tangencialmente el estilo de esta página intentaré darle un tono sutil a la noticia.

En una entrevista aparecida en la página web de Rob Galbraith, Alex Majoli, fotógrafo Magnum conocido, aparte de  por sus excelentes capturas, por usar cámaras compactas digitales Olympus (al igual que Paolo Pellegrin) para su trabajo, dijo lo siguiente:

Echo de menos la dureza de las cámaras de vieja generación, la Olympus OM-1, la Leica. Mi sueño sería una cámara digital del tamaño de una C-5060 – digamos que no mas grande que una Leica – con lentes intercambiables. Pequeñas lentes, me gustaría que fueran fijas, no zooms. Puede que grandes aberturas, f1`8. El archivo está bien, no necesito 20 megapixeles

El fotógrafo propone y Dios dispone, a mi me parece algo elogiable, a ver en que queda todo esto.

Érase una vez un amor tan puro y sincero que carecía de reglas. Cada
día y cada instante resultaba una novedad. Él trataba siempre de
sorprenderla, se afanaba por ser original evitando en todo momento la
monotonía. Ella se ilusionaba con cada nuevo proyecto. Acordaron no
repetir errores, aprender de todos los que les rodeaban pero se
juraron hacer únicamente aquello que les saliese del alma, no
importando cómo, eso era lo de menos. Fueron libres y nunca hubo
engaños.

(Él es el fotógrafo y ella es la inspiración.)

Reconozco estar condicionado por mi visión romántica de la fotografía a la hora de enjuiciarlo todo. Eso hace que desde siempre me resulte un contrasentido hablar de reglas y fotografía. Normas, leyes, patrones, reglamentos, métodos, directrices y guías no pueden estar en sintonía con sentimientos, amor, sensibilidad y pasión. Son dos equipos que deben jugar en categorías diferentes.
No voy a negar la importancia de las mal llamadas reglas de la fotografía pero una cosa es conocerlas y otra muy distinta es jurarles obediencia. Llamémoslas sugerencias o consejos pero no más allá. Demasiadas obligaciones formales tenemos ya en la vida como para restringir o condicionar nuestra personal manera de ver las cosas y plasmarlas en imágenes.
Apuesto por una anomia fotográfica, una fotografía sin reglas, sin ídolos y sin imitaciones. ¿Qué opinas? ¿Te apuntas?